Para Katy, com carinho e gratidão.
Em 1988, George Michael, jovem astro pop inglês de 24 anos, era o maior vendedor de discos do mundo. O seu Lp de estreia “Faith” vendeu mais de dez milhões de cópias apenas nos Estados Unidos, e vinte e cinco milhões de cópias ao redor do planeta. Passando 14 semanas em primeiro lugar nas paradas de vendas, na América, ao ser lançado, das dez canções nele contidas, seis entraram nas paradas. Era o auge de um artista que fazia sucesso sobretudo entre os adolescentes que compravam seus discos e lotavam estádios para assistir a suas apresentações. Foi toda uma geração influenciada sobretudo pela MTV, canal de TV totalmente voltado para clips musicais.
O sucesso de George Michael, além de seu talento, se dava também pela aparência física; usava jaqueta, com barba por fazer e brinco na orelha. Tinha uma certa bagagem, pois anteriormente participou de uma dupla musical chamada Wham! que estourou nos Estados Unidos e Europa, com sucessos como “Wake Me Up Before You Go Go”, e a balada romântica “Carelles Whispers”, que foi hit número um nas paradas de sucesso do mundo todo. “Faith” tinha em sua fórmula um jovem cantor e compositor no auge da criatividade, uma linda voz, repleto de referências soul, gospel e pop. No disco, além de haver tocado vários instrumentos, ele compôs e produziu praticamente todas as faixas.
O estrondoso sucesso de “Faith” ofuscou o lançamento do álbum “Bad” daquele que se denominava “Rei do Pop”: Michael Jackson, artista americano, estrela maior da música, na época, e que causava euforia onde passava com sua melodia e dança. O disco “Bad”, evidentemente, fez gigantesco sucesso comercial, contudo foi massacrado pela crítica, por ser considerado uma fórmula que Jackson havia experimentado em Lps anteriores. A expectativa para o novo Lp do astro era enorme, pois quatro anos antes Jackson havia lançado “Thriller”, que se tornou o disco mais vendido do mundo, em todos os tempos, fazendo com que ele ganhasse todos os prêmios musicais possíveis, em 1983.
Mas, o final dos anos 80 estava reservado mesmo para o jovem cantor inglês. No início de 1989, os dois artistas se “enfrentariam” pela primeira vez, no “American Music Awards”, maior prêmio musical da indústria americana. Na categoria “Artista masculino favorito de pop/rock”, George Michael enfrentou e venceu Michael Jackson. Na categoria “Artista masculino favorito de Soul/R&B”; novamente George Michael concorreu e venceu Michael Jackson. Por fim, na categoria, “Álbum Soul/Rhythm and blues”, voltado para a música negra dos Estados Unidos, George Michael ganhou, sendo o primeiro artista branco a receber o prêmio.
Para finalizar o ano de forma triunfante, o disco “Faith” ganhou o Grammy (Oscar da música americana) na categoria “Álbum do Ano”, além de vários outros prêmios internacionais, batendo “Bad”, que perdeu todos os prêmios a que concorreu. Todavia Jackson continuou com seu reinado, com enorme apelo midiático e comercial.
George Michael, tinha grande admiração por Michael Jackson, algo que ele já havia declarado em entrevistas. Curiosamente eles eram da mesma gravadora a Sony Music. Ainda em 1988, quando eram as maiores estrelas da música pop da sua época e supostos rivais, a gravadora Sony teve a ideia de fazer um dueto com os Michaels, o que poderia ter se tornado num imenso fenômeno de vendas para a época.
Foi organizada uma reunião com os artistas e seus assessores, em Neverland, um complexo residencial, espécie de Disneylândia particular, criado por Jackson para morar e se divertir. Ao chegarem no local conversaram bastante sobre a possibilidade de uma parceria musical. George notava, curiosamente, que Jackson, até dentro de casa, usava bastante maquiagem e luvas, nunca apertava a mão de ninguém, bastante tímido, com olhar sempre para baixo, e todas as perguntas que eram feitas a ele, passavam antes pelo seu assessor.
Em meio a essa reunião informal, enquanto os gerentes tentavam descobrir a logística de quem escreveria a música, Michael Jackson sussurrou, no ouvido do seu gerente: “Quanto você acha que poderíamos vender com essa parceria?”. O que de imediato foi posto em palavras para George Michael: “Só concordarei gravar com você se vender pelo menos tantos milhões de discos”. George, de imediato perdeu o interesse no dueto, que infelizmente não aconteceu. Ele já estava decepcionado com a indústria musical, e já pensava em abandonar o showbusiness. Em entrevista, anos depois, revelou que “nenhuma quantidade recorde de vendas valia esse tipo de comportamento de Jackson”.
O álbum “Faith” traria para George Michael o lado amargo da fama. Depois do sucesso da estreia, decepcionado com a enorme exposição da sua vida e cansado dos holofotes, o cantor entrou num processo judicial para sair da gravadora Sony. Como os contratos, os artistas se tornavam escravos da empresa, ele corajosamente enfrentou a Sony no Tribunal. Evidentemente, perdeu a causa e preferiu pagar milhões à empresa para ser liberado, quantia equivalente hoje a um passe de um grande jogador de futebol. Era o fim da era de ouro, daquele que poderia ter sido o “Novo Rei do Pop”.
Decididamente, George não queria mais saber de showbusines e nunca mais seria o mesmo; sobretudo após a perda daquele que seria seu grande amor, um brasileiro, o estilista Anselmo Fellepa, que namorou quase dois anos com George e morreu vítima de Aids, em 1993, desencadeando um profundo desgosto no viver do cantor inglês, que passaria praticamente o resto dos seus dias melancólico, abusando de álcool e drogas.
Interessante que no final dos anos 80 quando George Michael declarou que não se venderia mais à indústria musical, recebeu uma carta pública, do maior gênio da música americana, talvez do mundo, Frank Sinatra. A carta pedia para George repensar a atitude de abandonar o ramo, pois como era muito novo iria se arrepender, já que todos os artistas desejavam a fama. Embora a carta fosse de um gênio que tinha vivido todas aquelas fases, o jovem artista não seguiu seu conselho e se afastou realmente dos holofotes.
Contudo, ao longo da sua carreira, George Michael chegou a gravar com grandes nomes como Stevie Wonder, Paul McCartney, Elton John, Aretha Franklin, Ray Charles, Tony Bennett, Whitney Houston, Queen, Lucianno Pavarotti, e também, em português, “Desafinado”, com a brasileira Astrud Gilberto.
Michael Jackson nascido em 1958, faleceu em 2009, aos 50 anos de idade; George Michael, nascido em 1963, faleceu em 2016, aos 53.
Nascida em Umarizal, a poeta e escritora, Kalliane Amorim, considera-se mossoroense por adoção. Autora de três livros de poemas: Outonos (2003), Exercício de Silêncio (2007) e Relicário (2015), atua profissionalmente como professora de Língua Portuguesa e Literatura (Ensino Básico, Técnico e Tecnológico) do IFRN – Campus Apodi. Kalliane fez mestrado em Letras, pela UERN e participa do Conselho Editorial da Sarau das Letras. Em breve a escritora lançará mais um livro, intitulado Peregrina.
Tivemos oportunidade de publicar no livro Os Grãos – Ensaios Sobre Literatura Potiguar Contemporânea (2015) um breve registro sobre o seu trabalho poético, como vemos a seguir:
Outra surpresa agradável é o lançamento do livro Relicário (Sarau das Letras, 2015), de Kalliane Amorim. Embora o título pareça clichê, a autora trabalha com as palavras de maneira consciente, demonstrando domínio da apropriada arte de escrever poemas. Interpretar alguns dos poemas de Kalliane é trazer para a consciência a paradoxal dificuldade de explicar as coisas simples. O caminho possível é, sempre, atentar para a produção de uma linguagem que nasce a partir de sua necessidade, a necessidade de expressar o essencial.
Kalliane Amorim é uma poeta, de versos despojados, acessível, quase sempre direta, algumas vezes hermética, outras memorialista. Sua proposta é relatar, sobretudo, os fatos cotidianos, lembranças, medos, desejos, além da própria arte do fazer poético, a metapoesia. Tais elementos transfiguram-se de tal modo em sua experiência poética que parecem brotar do mesmo chão e serem feitos do mesmo material. Esse procedimento, que é próprio da linguagem poética, acaba prendendo o leitor e fazendo com que este enverede pelos versos bem trabalhados da poeta.
A consciência de linguagem de Kalliane Amorim demonstra claramente o exercício constante da leitura e o desejo de se exprimir trabalhando formalmente as palavras.
Vejamos um poema do referido livro:
Quantas ruas
ouvirão o som dos meus passos?
Quantos telhados
acordarão sobre os meus olhos ?
Quantas palavras
dormirão à minha espera?
Vivo morrendo
de não ser
sendo.
Existe aí toda uma arrumação vocabular e exploração dos significados, tudo de maneira clara, objetiva, para expressar uma evidente paixão, não apenas uma paixão pela vida, mas, sobretudo, pelas palavras, pelo fazer poético. É esse processo que faz de Relicário uma obra genuinamente literária.
Kalliane Amorim nos concedeu, em 2015, uma entrevista para o livro Impressões Digitais – Escritores Potiguares Contemporâneos, Vol. 3, último trabalho de uma série de entrevistas que fizemos com mais de cem escritores potiguares.
A seguir selecionamos alguns momentos dessa entrevista.
Kalliane Amorim – Nasci no município de Umarizal, no Alto-Oeste potiguar, em 1982, mas sempre residi em Mossoró. Minha infância foi vivenciada nessas duas cidades: passava o ano escolar em Mossoró e, nas férias, viajava para Umarizal, porém não ficava exatamente na cidade, e sim na fazenda onde meus avós maternos moravam, a Camponesa. É de lá que trago as melhores memórias de infância, pois vivia em contato com a natureza, tomando banho de açude, brincando de tique no terreiro, acordando cedo para ver meu tio e meu avô irem tirar leite das vacas, ou seja, vivendo uma infância extremamente saudável. Depois que meus avós faleceram, em 2003, só voltei à Camponesa duas vezes, e, como diz Rubem Alves, é uma tolice voltarmos aos lugares que nos marcaram esperando encontrá-los como foram, pois o que existe é a saudade de um tempo que ficou na memória. Então é o que procuro preservar, tanto que alguns dos poemas de meu novo livro – Relicário – falam dessas lembranças.
Aconteceu de forma natural, uma vez que sempre fui interessada pela leitura. Mas houve um dia, exatamente, que posso definir como “o dia” em que percebi que poderia me expressar por meio da poesia. Foi na escola, numa aula de Língua Portuguesa, em que a professora pediu que escrevêssemos um pequeno poema. Quando ela leu meu texto, disse-me que tinha talento para os versos. Depois disso, comecei a comprar uns caderninhos para registrar esses pequenos poemas que escrevia – a maioria perdeu-se, infelizmente. Era um tempo em que eu frequentava assiduamente a Biblioteca Municipal para ler, colecionar textos de escritores diversos e escrever os meus também. Então, foi esse olhar da professora que me acordou, digamos assim, para o mundo da poesia de tal forma que, hoje, também leciono Língua Portuguesa e simplesmente amo trabalhar com literatura, especialmente no sentido de despertar em meus alunos o interesse pelos livros, o encantamento com a linguagem metaforizada da literatura e o modo como os textos literários representam a vida e as vivências humanas.
Outonos foi a minha primeira publicação. Editada pela Fundação Vingt-un Rosado, faz parte da Coleção Mossoroense e foi publicada em 2003. Traz os poemas iniciais da minha experiência como escritora, poemas nascidos durante a época em que cursava Letras na UERN, alguns dedicados a amigos, outros a pessoas de meu convívio, mas todos refletindo, de certo modo, um olhar atento ao mundo, aos pequenos detalhes por vezes desapercebidos na rotina. A passagem do tempo e uma discreta melancolia podem ser observadas na obra, além da reflexão sobre o sentido da vida. É um livro muito estimado por mim, por ser o primeiro, porém acredito que ali estava o embrião do que hoje costumo escrever. Hoje, vejo minha escrita mais amadurecida, porque o tempo “imprimiu em mim suas feições”, como disse em certo poema. É natural que seja assim, não é?
Não sou uma profissional da poesia, no sentido de que não escrevo por obrigação, não costumo ter um horário específico e uma rotina estabelecida para o exercício da escrita. Escrevo quando vem a chamada inspiração, que, para mim, se traduz na capacidade de percepção do que há ao meu redor, do olhar que deito sobre o mundo que me cerca. Creio que inspiração é isso, é a maneira de observarmos o que está à nossa volta, é estarmos atentos aos detalhes que muitas vezes a rotina nos impede de enxergar. Após esse olhar, vem o trabalho com as palavras, porque poesia não é só um estado de espírito ou fruto de uma inspiração ou de sentimentalismos. Poesia é trabalho árduo com as palavras. Daí a importância de ler, de conhecer os íntimos das palavras, seu ritmo, sua sonoridade, sua estrutura fonética, para oferecer aos leitores um texto com qualidade. Se há algo que me encanta na poesia, e na literatura de um modo geral, é essa capacidade dos autores de brincar com os sons e os sentidos das palavras, imprimindo musicalidade aos textos e possibilitando ao leitor despertar a sua consciência linguística e sua forma de ver o mundo e as pessoas.
Exercício de Silêncio, lançado em 2007 pela editora Queima-Bucha, é, como falei anteriormente, um livro mais amadurecido, cujas temáticas se voltam para a descoberta e a experiência do amor. O título expressa exatamente essa ideia de que é no silêncio que se descobre o sentido do amor. Há muitas referências a elementos da natureza que simbolizam a ideia de transitoriedade, de transformação e de silêncio, como uma forma de indicar ao leitor o caminho por onde a sensibilidade passa. Particularmente, aprecio muito o silêncio, é nele que consigo me encontrar e pensar sobre mim mesma, sobre os acontecimentos, sobre as pessoas e as coisas que me tocam. No entanto, vive-se hoje num mundo muito barulhento, não me refiro apenas ao barulho audível, mas a essa inquietação da modernidade que não deixa as pessoas sossegarem sequer para ouvir o que diz o silêncio. Meu livro é uma tentativa de mostrar que o silêncio é um excelente companheiro.
Escrever, para mim, é uma maneira de me revelar a mim mesma e, quem sabe, revelar os outros a si mesmos. Quando termino de escrever um poema, às vezes me ocorre um estranhamento, como se eu me questionasse se aquele discurso era meu mesmo, ou de um outro eu – o eu lírico. Escrever é sempre uma aventura, um grande trabalho e uma responsabilidade também, porque não acredito que se pode oferecer qualquer coisa ao leitor, é preciso respeitar quem lê.
Sim, acredito nisso, e é muito bom para quem tem uma certa regularidade na escrita e consegue manter uma página na Internet (o que não é meu caso, até já tentei manter um blog, mas acabo sempre deixando de lado em virtude de outros compromissos). Hoje existem muitas possibilidades de trabalhar o texto literário junto com outras linguagens, com o audiovisual, por exemplo, ou transformar textos em canções e recitais, enfim, são múltiplas possibilidades ao nosso dispor.
Uma pessoa simples, que gosta de livros, pássaros, plantas, conversas e culinária. Uma pessoa que depois da maternidade consegue viver melhor o que o dia tem a oferecer, que nunca se imaginou sendo mãe e que agora se vê abobalhada curtindo o filho. Uma professora que ama seu trabalho e procura fazê-lo da melhor forma possível. Uma poeta mais de alma que de palavras. Acho que isso já me define.
A Revista da Academia Norte-rio-grandense de Letras comemora 68 anos de existência neste ano de 2019, e uma fase de seis anos de atividades ininterruptas, chegando a sua 60ª edição. Fato inédito, suponhamos, em se tratando de periódico literário/cultural aqui no Estado. E nesta segunda-feira (30), às 17h, será lançada a 60ª edição da Revista, na ANL e com livre acesso ao público.
Esta nova edição traz homenagens ao escritor Lenine Pinto, com textos de Vicente Serejo, Jurandyr Navarro e o jornalista Sérgio Vilar. Celebra os 60 anos da UFRN, com textos de Geraldo Queiroz, Humberto Hermenegildo de Araujo e Daladier Pessoa Cunha Lima. Traz também em sua capa homenagem ao artista plástico norte-riograndense Jussiê Magalhães. Além de artigos, contos, crônicas e poemas.
Essa nova etapa de edições começou mais precisamente em agosto de 2013, quando a convite do presidente da ANRL, Diogenes da Cunha Lima e do diretor da Revista, Manoel Onofre Junior, passamos a colaborar como editor, dando início à publicação trimestral do periódico, que passou a circular regularmente de janeiro de 2014 até os dias atuais.
A primeira edição da Revista da ANRL foi publicada em 1951, e teve como primeiro diretor o escritor Nestor Lima. Com o passar dos anos outros diretores foram assumindo – Luís da Câmara Cascudo, Aderbal de França, João Wilson Mendes Melo – todavia o periódico sempre com tiragens irregulares, devido as dificuldades que todos nós conhecemos em publicar livros no Estado.
Às vezes, passavam-se anos sem sair uma edição sequer, e como bem falamos, a partir da edição janeiro/março de 2014, a revista renasceu com tiragens regulares, trimestralmente, superando qualquer outro periódico cultural do Estado ao longo dos anos.
Vale reforçar que, no momento, não existem, pelo menos de forma oficial, outros periódicos culturais em circulação no Estado; isso só reforça a importância da Revista da ANRL para a nossa cultura literária, sobretudo registrando uma época muito fértil das nossas letras, com vários escritores publicando nos quatro cantos do Rio Grande do Norte, além de haver forte crescimento na área de estudos e pesquisas sobre a literatura do RN no âmbito das universidades.
Comemorando sua fase mais prolífica e regular, a diretoria da revista, em face desse tão simbólico acontecimento resolveu publicar em suas capas, quadros dos principais artistas plásticos do Estado. A estreia se deu com a edição de número 55, abril/junho, de 2018, com capa de Dorian Gray Caldas.
Uma das principais características da nova etapa da revista é a abertura para a comunidade literária, abrindo e ao mesmo tempo unindo a Academia com a intelectualidade potiguar, abertura esta praticamente inédita, e também cedendo espaços para publicação de trabalhos de pesquisadores, estudantes e professores, da UFRN, UERN, IFRN, UNP, fazendo inclusive com que a revista conseguisse obter o seu primeiro “Qualis” (sistema brasileiro de avaliação de periódicos), o primeiro do Estado para um periódico desse segmento.
No início de 2014, na edição que marcou a retomada da revista, que estava sem circular desde 2011, fizemos uma parceria com a CJA Edições e a Offset Gráfica, comandada por Ivan Júnior, para tomarem conta da diagramação e impressão da revista, e tivemos a capa criada pelo editor Cleudivan Janio, através de um esboço feito, anos antes, por Nei Leandro de Castro.
Como manchete, na capa, um artigo de Diogenes da Cunha Lima sobre Câmara Cascudo, e uma homenagem ao escritor recém-falecido Pedro Vicente. Essa capa trazia o selo que foi lançado pelos Correios em 1998 em memória de Câmara Cascudo.
A edição seguinte, nº 39, trazia artigo da recém-eleita acadêmica Leide Câmara, em comemoração aos 91 anos da “Serenata do Pescador”, do poeta Othoniel Menezes, e dois textos inéditos de Câmara Cascudo, entre outros.
Homenagens a Cascudo não faltaram nas edições seguintes, além, claro, de uma especialmente dedicada a sua filha, escritora e acadêmica Anna Maria Cascudo Barreto, que até pouco antes de falecer participava ativamente com diversos textos no periódico.
A partir da edição nº 43, a revista ganha nova proposta editorial, com a designer Diolene Machado dando-lhe outra roupagem, inclusive nova capa, inspirada na pop art. Com a ativa participação de acadêmicos e da comunidade literária, a revista foi ficando mais volumosa e ascendendo em conteúdo; afora textos literários, temas de história e cultura, pesquisas e estudos diversos ganhavam cada vez mais espaço.
Vale ainda dizer que, nos bastidores, trabalhávamos com afinco na distribuição da revista, para que ela chegasse ao maior número de leitores possível. Devemos frisar que ela é gratuita, e pode ser retirada na Instituição diariamente por qualquer interessado.
Destacamos também a edição 44 onde foi feita grande homenagem ao recém-falecido acadêmico Ticiano Duarte e que trazia um conto praticamente desconhecido de Câmara Cascudo, publicado em 1928 na revista Feira Literária.
Nas edições seguintes, as mulheres acadêmicas, sempre atuantes na revista, também mostraram voz e vez, por exemplo, a escritora e poeta Diva Cunha, com a homenagem às mulheres de letras, Zila Mamede e Nisia Floresta, dentre outros temas e assuntos, além da abertura de espaço para escritoras representativas da nossa literatura contemporânea, como Clotilde Tavares, Carmen Vasconcelos, Cellina Muniz, Marize Castro…
Nessas edições a Revista demonstrou que está atenta ao que acontece na comunidade literária. E também acolheu, em suas páginas, alguns dos principais nomes da nossa literatura atual como Osair Vasconcelos, Racine Santos, Aldo Lopes de Araújo, Francisco Sobreira, Demétrio Diniz, Tarcísio Gurgel, e escritores de outros estados, como Sânzio de Azevedo, Marco Luchesi, Enéas Athanázio e Hildeberto Barbosa Filho.
A partir da edição 47, nova capa, sempre com mais literatura, poesia, ensaios, contos e crônicas. Na edição nº 48 homenageou-se o escritor Hélio Galvão, sendo esta uma das edições que se esgotaram mais rapidamente, quase que no dia do lançamento, realizado na Academia. Essa edição também iria marcar uma série de quatro edições equivalentes a um ano de tiragem sob patrocínio da lei municipal Djalma Maranhão, com apoio da Casa de Saúde São Lucas e Fundação Capitania das Artes, presidida pelo poeta Dácio Galvão.
Em novembro de 2016, a Academia Norte-rio-grandense de Letras completou 80 anos, e a revista trouxe vários textos de acadêmicos celebrando a data, além de textos outros com documentos da vanguarda natalense sobre os 50 anos do poema processo. Nota-se também que já era visível no periódico a participação esporádica dos poetas dessa geração como Jarbas Martins, Anchieta Fernandes e Falves Silva, o primeiro, eleito para a cadeira nº 20 da Academia.
Mantendo uma nova tradição de mudar as capas anualmente, a edição número 50 trouxe dezenas de textos, em homenagem a Dorian Gray Caldas, que era, então, um dos nossos maiores artistas vivos, e trouxe também uma entrevista que ele nos concedeu, meses antes de falecer. Outras homenagens foram prestadas a acadêmicos do passado e do presente, como, por exemplo, Nestor Lima, Paulo Bezerra, Sanderson Negreiros, Dom Nivaldo Monte, afora dezenas de discursos de saudação e posse, numa fase em que foram eleitos para ANRL importantes intelectuais potiguares.
Nessa nova fase, com as mudanças, já foram capa da revista, artistas como o já citado Dorian Gray Caldas, Newton Navarro, Iaperi Araújo, Leopoldo Nelson, e como uma amostra da nova geração, Alfredo Neves.
Recentemente, em março do corrente ano, foi publicada uma edição especial em homenagem às mulheres, na revista número 58, a participação de diversas escritoras tendo como foco os grandes nomes femininos do nosso Estado com destaque na área cultural.
Lemos recentemente um artigo do escritor Manoel Onofre Jr., membro da Academia Norte-rio-grandense de Letras, intitulado “Memória Curta”, no qual ele critica o descaso com o histórico prédio do antigo Grupo Escolar Augusto Severo. O relato do autor, que estudou lá, quando o prédio abrigava a velha Faculdade de Direito, nos sensibilizou, ao pedir socorro para preservação da memória desse monumento arquitetônico, onde está simbolizada uma parte da nossa história.
Criado no Governo de Antônio José de Melo e Sousa (outro esquecido pelos potiguares), o Grupo Escolar-modelo, projeto do arquiteto Herculano Ramos (o mesmo que remodelou o Teatro Alberto Maranhão), foi construído num local privilegiado, na Praça Augusto Severo, principal centro da modernidade da capital à época. O Governador Antônio de Souza, estudioso da problemática educacional, autorizou a construção de um edifício moderno, sofisticado para o seu tempo.
O Grupo Escolar Augusto Severo, homenageando o aeronauta pioneiro, foi a primeira instituição do gênero estabelecida em Natal, a partir do Decreto n. 174, de 05 de março de 1908, o qual especificou a construção do prédio, nos mesmos padrões dos Grupos Escolares do Estado de São Paulo. A arquitetura inspirou-se no estilo Art Nouveau (expressão francesa para “arte nova”), caracterizado principalmente por formas e estruturas naturais, não somente flores e plantas, mas também linhas curvas, e foi mais popular na Europa, mas teve influência no mundo todo. Atingiu o seu auge na chamada Belle Époque.
O Grupo seria oficialmente inaugurado no governo Alberto Maranhão. Entre os anos de 1911 e 1914, abrigou também a Escola Normal, estabelecimento dedicado à formação de professores.
Na década de 1950 continuou a ter função educacional com a instalação da Faculdade de Direito de Natal, a primeira escola de Direito do Estado, polo de uma geração de intelectuais, que, possivelmente, o Rio Grande do Norte nunca mais verá outra igual. A antiga Faculdade de Direito teve ilustres professores, juristas renomados, basta citar como exemplo, Otto Guerra, Luís da Câmara Cascudo, Edgar Barbosa… e formou grandes figuras do Rio Grande do Norte; algumas ainda estão ai na ativa.
Nesse período foram realizadas algumas reformas e construido um pavilhão de estilo moderno, para a época, nos fundos da edificação.
Em meados dos anos de 1970, o Curso de Direito foi transferido para o Campus Central da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN), e o prédio da Faculdade passou a ser ocupado por algumas secretarias do Governo do Estado. Após sediar a Secretaria de Segurança Pública, foi assumido pela UFRN.
Os sinais de abandono são claros, não apenas da parte física, mas também de tudo quanto esta representa. Onde estão os políticos dessa cidade, os representantes do povo? Ninguém pode interceder por esse monumento centenário? Será que esse pessoal entende apenas de Shopping Center? Ouvi recentemente de um assessor de político que o mesmo tinha dito que cultura não dá voto. É o cúmulo.
Daí nos questionarmos, porque tamanho abandono de uma parte da nossa história? Será que ao longo desses anos não foi possível disponibilizar recursos para restauração de um prédio tão histórico, e de tanto valor artístico, sobretudo quando se refere também a educação?
Seria bom, para despertar atenção para a causa, que os ex-alunos da Faculdade de Direito se reunissem e dessem um abraço simbólico no prédio, que traz marcas de um passado glorioso do nosso Estado e deveria ser motivo de muito orgulho.
Enfim, salvem o velho Grupo Escolar.
Assisti recentemente a um filme com uma das histórias mais inspiradoras, já adaptadas para o cinema, “A Felicidade não se Compra” (It’s a Wonderful Life), obra-prima do diretor Frank Capra. O longa-metragem foi lançado em 1946, na chamada Era de Ouro do cinema de Hollywood e o seu roteiro baseou-se no conto “The Greatest Gift”, do escritor americano Philip Van Doren Stern, publicado em 1943.
Em síntese a história se passa na pequena cidade de Bedford Falls, no período natalino: o personagem principal, George Bailey, um homem carismático que sempre ajudou a todos, pensa em se suicidar, pulando de uma ponte, em razão de problemas financeiros. Mas tantas pessoas rezam por George, que, Clarence, um anjo, é enviado à Terra para tentar fazer com que ele mude de ideia, demonstrando a importância da vida, de como ele foi importante na história de tantas pessoas ao longo dos anos, através de flashbacks.
Frank Capra foi um gênio incomparável na arte de criar fábulas nobres. Reconhecido por sua habilidade de realizar grandes obras a partir de histórias relativamente simples. Esse seu filme nos impulsiona a querer viver com intensidade cada vez que nos lembramos dele, pois está repleto de mensagens sobre valores e autoestima, sobre como é bom viver, apesar dos problemas que muitas vezes temos que enfrentar.
Todos nós, seres humanos, muitas vezes não conseguimos dar valor a nós mesmos, como se não tivéssemos um espelho, para nos enxergar e dependêssemos de outras pessoas para nos dizer coisas básicas, por exemplo, que somos importantes para alguém. Esse é o papel do anjo no filme, mostrar ao personagem que ele é importante para muitas pessoas ao seu redor, e que todos os problemas tem solução.
Você, caro leitor, já parou para imaginar como seria o mundo sem você? Como seria a vida das pessoas se você não tivesse nascido? A velha frase “Eu era feliz e não sabia” parece clichê, mas, muitas vezes, nós nos lamentamos por motivos tão pequenos e esquecemos quantas coisas boas existem em nossa vida. Se pudéssemos ter a mesma oportunidade que teve George Bailey, rever o passado dele em flashes, veríamos que a vida é mesmo algo incrível e daríamos importância a muitos fatos que nos passam desapercebidos.
“A Felicidade nãos se Compra” é certamente, um filme ótimo para aqueles dias em que estamos meio cabisbaixos, tristes; nos dá uma excelente impressão de nossa relevância como ser humano único neste mundo de quase oito bilhões de pessoas. Em momentos como os que estamos vivendo, filmes dessa natureza fazem com que se reacenda a nossa esperança na bondade do ser humano.
A história nos faz refletir sobre nossa influência na vida de quem nos cerca, e delas na nossa, simplesmente por estarmos aqui, existindo. Uma espécie de laço invisível nos une. Nossa vivência é feita também de histórias paralelas, mas que, às vezes, se cruzam dando inúmeros sentidos às coincidências que o acaso proporciona. Fatos que nos levam a questionar o porquê de conhecermos e nos relacionarmos com determinadas pessoas dentre tantas outras. Como se estivéssemos ligados por algum fio impressentido, a nossa existência neste mundo ganha significado em relação à existência do outro.
Em meio a essa temática instigante, o filme de Capra nos leva a questionar: Será que precisamos que um anjo desça do Céu e nos convença de nossa importância no mundo para passarmos a amar a vida do jeito que ela é?
“A Felicidade não se Compra” nos emociona, profundamente. Uma bela história contada com simplicidade e sensibilidade, com um elenco de atores admiráveis. Filme que nos lembra Aristóteles, quando este discorre sobre a felicidade e afirma que ela é o bem maior desejado pelo ser humano, de tal modo que nossas ações convergirão sempre para esse fim.
Que vivamos bem, de cabeça erguida, continuamente com esperanças de dias melhores, lembrando que tudo passa, que tudo pode ser superado, mesmo com as dificuldades que surgem, pois sempre haverá aquela pessoa que torce por nós. Como diz uma canção popular, “Eu espero que você não se importe/ Que eu expresse em palavras/ Como a vida é maravilhosa por você estar no mundo”. (“Your Song” de Elton John).
Seridoense, a poeta e escritora Jeanne Araújo nasceu na terra de grandes nomes da nossa cultura literária como, por exemplo, José Bezerra Gomes, José Gonçalves de Medeiros, Luís Carlos Guimarães, Moacy Cirne e Paulo Bezerra, além de outros nomes, firmados, como Nei Leandro de Castro, Nivaldete Ferreira, Humberto Hermenegildo de Araújo, Valdenides Cabral de Araúo Dias, Muirakitan Kennedy de Macedo, e outros valores que estão traçando sua trajetória literária na atualidade, como por exemplo, os componentes do Casarão da Poesia, em Currais Novos.
Atuando como professora, Jeanne Araújo radicou-se na cidade de Ceará-Mirim, onde se afirmou como escritora e é membro da Academia de Letras e Artes de Ceará-Mirim (Acla), publicou três livros “Monte de Vênus” (poemas), “Corpo Vadio” (poemas) e “Combustão” (romance), este último em parceria com o poeta, escritor e jornalista Cefas Carvalho. Além de ter participação em várias coletâneas e diversas premiações literárias e menções honrosas, como, por exemplo, “Prêmio Luís Carlos Guimarães”, da Fundação José Augusto, “Concurso Zila Mamede”, “Prêmio Othoniel Menezes”, da Funcarte, e várias outras, pelo Brasil.
Tivemos oportunidade de escrever sobre uma dessas coletâneas de que a autora participou, “Entre Dedos…” Jeanne Araújo foi incluída com o conto “A carona”, mostrando sua faceta como ficcionista, na primeira reunião de contos eróticos de escritores nascidos no Rio Grande do Norte, organizada pelo editor e escritor José Correia Neto.
“Entre Dedos…” prova mais uma vez a sintonia literária potiguar, e seu valor estético, em relação ao que tem sido produzido em outras capitais, com bons autores e com sensibilidade artística para tratar de um tema difícil: o erótico na literatura.
Editada pela Caravela Selo Cultural, a obra foi muito bem produzida e organizada, e merece todos os confetes, pois entra, inclusive, para a nossa história literária como a primeira desse tipo no Estado.
“Entre dedos…” tem a participação de outros escritores experientes, além de Jeanne Araújo, dentre eles, João Andrade, Cefas Carvalho, Maria Maria Gomes e Sheyla Azevedo.
Nos contos selecionados tanto do erotismo masculino como do feminino, relatos e fantasias são ingredientes indispensáveis que instigam a imaginação do leitor a mexer com a audição, o olfato, o tato e a visão, mesmo sem a presença física de um dado estímulo. É que as fantasias ligadas à sensualidade e ao erotismo têm o potencial de aumentar o nível de interesse pela leitura.
Em suma, “Entre Dedos…” se serve da descrição detalhista da aventura erótica como pretexto para o derramar-se da mais fina literatura.
Também escrevemos sobre o segundo livro de poemas de Jeanne Araújo, “Corpo Vadio” (Editora Penalux, 2015) para o livro “Os Grãos – Ensaios Sobre Literatura Potiguar Contemporânea” (2016). Do ensaio com o título “A tradição reinventada de Corpo Vadio”, resumimos o trecho a seguir:
Um erotismo sutil, em forma de arte, esta é a principal característica da obra “Corpo Vadio” (Editora Penalux, 2015) da poeta seridoense Jeanne Araújo. A relação que Jeanne estabelece com os modelos poéticos da tradição poderia chamar-se de uma tradição reinventada. Pois a característica mais evidente da sua poesia é o viés erótico, que chegou até a nossa literatura, de maneira mais evidente no final dos anos 70 com Socorro Trindad, Diva Cunha e Marize Castro, mas que ganha novo fôlego e formato com os novos exercícios que se tem feito com a palavra nesse viés, no Estado.
O caráter marcadamente metafórico adquirido pelos poemas de Jeanne Araújo representa uma expansão no alcance da poesia. Muito se tem versado sobre tal temática, nos últimos anos, no Rio Grande do Norte, mas, não com a sutileza que a poeta seridoense expressa.
Alargando as fronteiras do erotismo feminino, o eu lírico utiliza-se de metáforas e sugestões verbais inúmeras. Revela anseios e desejos, num evidente enriquecimento poético-erótico, digno de colocá-la em destaque na poesia do Estado. Observamos que a poeta lançou mão da combinação de elementos que transcendem a simples materialidade linguística e remetem a significações outras, ao mesmo tempo em que cria uma poesia com uma linguagem intensamente erotizada, como vemos no poema a seguir:
Em suma
teu sumo doce
fez fruto
na minha árvore genealógica.
Por meio de metáforas, os elementos constitutivos do poema passam por um processo simbólico de significação que une corpo e linguagem, explorando e sugerindo, assim, o erótico na palavra. Escritas, como estas, são capazes de criar novas perspectivas, numa poesia de caráter, também, de militância. Não há como descartá-las na construção do discurso literário feminino e potiguar.
Sobre o livro de Jeanne Araújo, em parceria com o escritor Cefas Carvalho: é uma espécie de romance epistolar, ou seja, estruturado em forma de cartas trocadas entres os personagens Hilda e Gregório, na linha do clássico “As Relações Perigosas”, de Choderlos de Laclos
Jeanne Araújo participa ativamente da cena literária no Estado, seja escrevendo, ou participando de eventos. Em 2015, estivemos juntos numa campanha que fizemos para ajudar flagelados da seca na cidade de Acari, arrecadando meia tonelada de alimentos para a comunidade ribeirinha, próximo ao açude Gargalheiras.
Jeanne também teve, recentemente, o privilégio de poucos, um poema dela foi lido em público pelo escritor moçambicano Mia Couto em evento no Estado de Pernambuco. A escritora foi recentemente selecionada, com o conto “A mortalha do amor” no “Concurso Literário Toda Forma de Amor”, para histórias curtas com temática LGBTQ+, promovida pela Editora Cartola, de São Paulo.
Abaixo, destacamos alguns trechos da entrevista que fizemos para o livro “Impressões Digitais- Escritores Potiguares Contemporâneos” – V.3 (2015) com a autora.
Nasci em Acari, no Seridó. Minha infância foi vivida intensamente pelas ruas do Acari, em meio a brincadeiras de roda e tomando banho de chuva e de rio. Estudei no Jardim de infância com Dona Jória e no Grupo Escolar com carteira de dois. Fiz educação física na sombra da matriz. Meu pai era de Jardim do Seridó. Autodidata. Minha mãe era parelhense. De forma que, aos 13 anos, eles voltam a morar em Parelhas e eu passei minha adolescência lá. Minha juventude foi marcada por participações em agremiações escolares e políticas, grupos de jovens religiosos e blocos carnavalescos. Eu participava de tudo. Tinha (e ainda tenho) a ânsia de viver até a última gota.
Li muito quando criança em Acari. Cheguei a ganhar prêmios por ser a criança que mais fez empréstimos de livros na Biblioteca Pública durante um ano. Lia de tudo. De Monteiro Lobato a Vinícius de Morais. Li quase toda a coleção Vaga-lume e muitos outros que, hoje, me fogem à lembrança.
Desde o Jardim de infância eu já era fascinada por poesia. Eu adorava o texto do Pinguim, de Vinícius de Morais. Decoramos para uma apresentação na escola. Depois, no primário, tive professores que trabalhavam muito poesias como produção textual a partir de um poema dado. Mas foi na adolescência que comecei a escrever sistematicamente. E participei de concurso literário na escola no qual fui premiada. Como eu adorava ler e vivia na Biblioteca Municipal, um dia encontrei um Livro de Hilda Hilst e me apaixonei completamente. A partir daí, passei a produzir mais enfaticamente.
Eu comecei a participar do grupo da SPVA – Sociedade dos Poetas Vivos e Afins, já morando em Natal e comecei a conhecer algumas pessoas ligadas à literatura como Jânia Souza, Carlos Souza, Grilo, Dorinha Timóteo, enfim, e através destes conheci Tácito Costa, Moacy Cirne e Nei Leandro de Castro. Com a participação em concursos literários em Natal e premiações, esse trio começou a insistir que eu lançasse um livro de poemas. Então, tirei os poemas da gaveta, muitos escritos durante minha adolescência e Nei e Moacy fizeram um apanhado do que tinha de melhor juntamente com os poemas premiados. Então lancei Monte de Vênus.
No livro tentei abordar o erótico feminino porque ainda hoje vivemos cercadas de opressão, moralismos e tabus quando o assunto é sexualidade, apesar da liberdade e autonomia que temos atualmente. Precisamos quebrar esses tabus através da criação literária e a poesia em si já é um ato de ruptura subjetiva. O erotismo está presente no nosso dia a dia, mas ainda carrega uma pesada carga de estigmas. Ele está intrinsecamente ligado ao mundo feminino: vejo erotismo quando a mulher anda na rua, quando amamenta, lava a louça ou deita na cama, não há como separar isso, como determinar onde começa e onde termina o erotismo na vida de uma mulher. Para mim, o erótico pode ter pornografia ou não, sensualidade ou não. Por isso a criação literária erótica representa um espaço de libertação e emancipação, principalmente feminina, já que sua produção literária é menor e menos divulgada. A arte não pode ser apenas entretenimento, ela tem que provocar reflexão e transformação.
Houve um tempo em que eu escrevia quando vinha inspiração. Hoje, acho que a transpiração é mais presente no meu trabalho. Sento e escrevo e reescrevo, até achar que está bom.
Muitas. Assim de cabeça, logo me vem à mente Hilda Hilst, Cecília Meirelles e Clarice Lispector.
Muito de Anaïs Nin, Florbela Espanca, Hemingway e alguns autores como Clotilde Tavares, Bartolomeu Correia, Carmen Vasconcelos e outros autores potiguares.
Libertação.
Sim, muito mais perto. Eu mesma divulgo meus textos nas redes sociais com ótima aceitação.
Uma mulher que nunca deixou de ser menina, uma menina que luta para ser uma grande mulher.
O escritor Lívio Oliveira sempre gostou de literatura, e a poesia sempre esteve na sua vida. Quando menino costumava jogar xadrez e até chegou a ser prefeito-mirim de Natal, por um dia. Nascido no bairro do Alecrim, foi morar no Barro Vermelho, onde passou a infância e adolescência brincando pelas ruas, jogando bola, ouvindo rock, lendo Fernando Pessoa, Augusto dos Anjos, Manuel Bandeira… e, claro, escrevendo, quando recebeu também o chamado para fazer Direito na UFRN.
Já adulto, estreou, pelo menos de forma pública, no jornal cultural “O Galo” de Natal, em junho de 1999, com três poemas: “A Cada Esquina”, “Náufrago” e “Culpa”. Em 2002, lança oficialmente seu primeiro livro de poemas com título muito feliz, “O Colecionador de Horas” (AS Editores, 2002). O livro tem um nível considerado bom para um poeta de estreia, enxuto, sem excessos, bem construído, sem hermetismos, o que desperta o gosto da leitura nos mais variados tipos de leitores, como por exemplo, no poema: DE CRIANÇA
Pulei
e, após o muro,
vi que meus companheiros…
eu já não os podia alcançar
Em seu segundo livro “Telha Crua” (Sebo Vermelho, 2005), fica evidente a marca de uma maturação poética, em relação à obra inicial; nele o autor passeia livremente por temas como as memórias, erotismo, amor, solidão e referências da infância, e cada vez mais ousando de experimentos poéticos em versos minimalistas. Ganhador dos dois principais prêmios de poesia do Rio Grande do Norte, “Prêmio Luís Carlos Guimarães” e “Prêmio Othoniel Menezes”, “Telha Crua” confirmou as habilidades artísticas com as palavras, do jovem autor.
Ainda nesse período Lívio Oliveira mostrou toda sua veia de pesquisador e ensaísta no livro “Bibliotecas Vivas do Rio Grande do Norte” (Editora Sebo Vermelho, 2005). E em 2007, publica a interessante obra “Pena Mínima – Haikais & Poemas Curtos” (Edições Sebo Vermelho, 2007). O livro abre com prefácio de Nei Leandro de Castro, que resume um pouco da estrutura do que é um haikai e elogia bastante o estilo, a leveza e força verbal do poeta, que não tem medo de arriscar.
Em seu quarto livro, “Dança em Seda Nua” (Sela Azul, 2009), Lívio Oliveira inova, ao trazer para o público uma obra totalmente voltada para os elementos eróticos verbais. Destaque especial no livro são as ilustrações feitas por Dorian Gray Caldas, vários desenhos, que complementam visualmente o jogo sedutor dos versos. No mesmo período, Lívio estreia como letrista lançando, em parceria com Babal o Cd “Cineclube” que tem a participação de vários cantores como Khrystal, Valéria Oliveira e Geraldo Azevedo. Obra temática é uma homenagem ao universo cinematográfico, do qual o poeta é fã declarado.
Continuando a interagir com a poesia produzida no Brasil, nesse início de novo século, publicou, nos anos seguintes “Teorema da Feira” (Caravela Selo Cultural, 2012), “Resma” (Caravela Selo Cultural, 2014) e “`Cais Natalenses – 101 haicais de Lívio Oliveira” (8 Editora, 2014), obras bem recebidas pela crítica e pelo público.
Fica evidente ao longo dos últimos vinte anos a inquietação literária de Lívio Oliveira. Observa-se, nesse espaço de tempo, uma espécie de projeto poético em seu trabalho como literato, que começa, nos primeiros livros, com marcas de um jovem eu lírico; as lembranças de menino, as figuras, os personagens, os amores, os filmes, a descoberta do erotismo, seguindo pelo experimentalismo nos versos, seja em poemas curtos, haicais, e poemas em prosa e vai, até a simbólica e significativa afirmação do poeta maduro, firmado, com sua presença nas letras potiguares, já se tornando referência para uma novíssima geração que surge.
Tivemos a oportunidade, em 2013, de entrevistá-lo para o livro “Impressões Digitais – Escritores Potiguares Contemporâneos”, vol. 1, do qual destacamos o seguinte trecho:
“Alguém que crê no valor da arte e um cara que já acertou algumas vezes e se equivocou outras tantas, mas que sempre buscará o caminho mais acertado, ética e esteticamente. Aprendi a pedir desculpas pelos meus erros e agradecer pelo que recebo através da generosidade dos outros. Tento fazer o bem e nunca faço o mal de caso pensado. Mas todos incomodamos, em um momento ou outro. Faz parte da natureza humana, que conheço melhor, mas que ainda me traz enigmas. Confesso, ainda, que – antes de tudo – este escritor é alguém que se sente melhor como leitor, em meio ao colorido e os cheiros de uma boa biblioteca. Aceito e trabalho razoavelmente o mundo digital e as suas novidades, mas ainda amo apaixonadamente um bom livro posto sensualmente entre as mãos e com suas palavras impressas reluzindo diante dos olhos.”
Também escrevemos sobre a sua obra poética no livro “Os Grãos – Ensaios Sobre Literatura Potiguar Contemporânea” (Sarau das Letras, CJA Edições, 2016). Afirmamos, então:
“Trata-se de uma poesia que traduz o impasse entre romper com a tradição, e / ou posicionar-se como seguidora de procedimentos típicos das vanguardas ou de outros movimentos poéticos.
Todos os dilemas e virtudes da poesia potiguar contemporânea, que na verdade é poesia brasileira, poderiam ser resumidos no livro ‘Resma’. Lívio faz experimentações felizes num momento em que parece haver uma certa estagnação em determinados segmentos da poesia produzida aqui, quando alguns poetas têm caído na cilada de escrever mais do mesmo”.
Nascido em Natal, há exatos cinquenta anos, 16-08-1969, além de poeta, Lívio Oliveira é cronista, ensaísta, letrista, ativista cultural, ex-presidente da UBE/RN, escreve para jornais, revistas e sites culturais e atua profissionalmente como Procurador Federal, tendo atuado também durante muitos anos como professor universitário. É membro da Academia Norte-rio-grandense de Letras, do Instituto Histórico e Geográfico do Rio Grande do Norte, além de outras instituições culturais.
Conheci o escritor e jornalista Carlos de Souza em 2011, quando dei meus primeiros passos como pesquisador da literatura produzida no Rio Grande do Norte. Carlão, como era carinhosamente chamado pelos amigos, me deu vários conselhos sobre o terreno árido em que eu iria pôr os pés, ao me propor fazer crítica literária na província, área repleta de altos e baixos, me dizia ele com experiência própria.
Capa do livro Cachorro Magro
Sempre atencioso, me presenteou com o único livro dele que eu ainda não tinha lido, ‘Cachorro Magro’. Com o passar dos anos sempre me dava força e me apoiava em meu trabalho sobre a literatura do Rio Grande do Norte. Em 2012, colaborou em livro organizado por nós, sobre o escritor Nei Leandro de Castro com o texto “Um Romancista Genuinamente Brasileiro”. Escreveu também sobre o nosso livro ‘Presença do negro na Literatura Potiguar e outros ensaios’ (CJA Edições, 2015); enfim, sempre nos apoiando.
Algumas vezes cedeu o espaço dele na Tribuna do Norte para que eu escrevesse resenhas sobre autores e livros. Quando foi editor do jornal O Galo me convidou para colaborar diversas vezes, e, na época, passou-me uma tarefa, que infelizmente não consegui cumprir: fazer uma entrevista com Woden Madruga, jornalista que Carlão tanto admirava. Todavia, eu me orgulho de uma entrevista que fiz com ele próprio, Carlão de Souza, e publiquei no livro ‘Impressões Digitais – Escritores Potiguares Contemporâneos, vol. 1’, em 2013.
Quando Carlão deixou de escrever resenhas literárias na Tribuna do Norte, escrevi entristecido, um artigo denominado “Os Falsários da Literatura Potiguar”; justifiquei que havia muito joio no meio do trigo: por causa de escritores que possuem egos enormes, não aceitam críticas às suas obras, críticos do porte de Carlão deixavam de escrever. Na época fui massacrado pelos que gostam de vida literária e mundanismo, todavia Carlão me passou uma mensagem parabenizando-me pela coragem em dizer muitas “verdades”.
Em um dos trechos da entrevista, onde explica seu desligamento, o jornalista comenta: “Até tentei fazer algumas críticas, mas era difícil demais. Acabava sempre magoando alguém. Aí desisti. Vivo numa província metida a besta que o resto do país ignora solenemente”.
Para o leitor mais jovem, que talvez não o conheça, Carlos de Souza é um importante escritor nosso, nascido na cidade de Areia Branca e radicado em Natal. Grande revelação dos anos 80, estreou com o livro Crônica da banalidade, novela (1988), e, em seguida, além do seu destacado trabalho como jornalista, sobretudo nos jornais Diário de Natal e Tribuna do Norte, continuou uma bela carreira como escritor, tendo publicado nos anos seguintes: Cachorro magro, poesia (1999); É tudo fogo de palha, teatro (2006); Cidade dos Reis, romance (2014), e, mais recentemente, Urbi, contos (2015).
Tive a honra de escrever resenhas sobre os dois últimos trabalhos literários dele, e as publiquei no livro ‘Os Grãos – Ensaios sobre Literatura Potiguar Contemporânea’ (2016).
A obra ‘Cidade dos Reis’ é um romance pioneiro no Estado, em se tratando de contar a história de uma cidade. Com desenvoltura, o romancista narra alguns dos principais fatos e personagens da cidade do Natal, ao longo do século XX, utilizando, como pano de fundo, a história de Jonas Camarão, desde a sua infância e juventude, o encontro com a sua adorada Mara, a dor da perda, as lutas, vitórias e desilusões, até sua velhice, no final do milênio passado.
Um leitor mais atento vai observar muito mais o relato de episódios reais do que propriamente ficção. Na verdade, o principal personagem é a própria cidade de Natal; outros ficam em segundo plano, tudo contado por dois narradores, um dos quais, de nome Juca Guiné, uma espécie de Câmara Cascudo local, que conhece muitos fatos e figuras da cidade, inclusive com episódios curiosos, como a passagem de Clarice Lispector por Natal, episódio este que a própria escritora iria descrever detalhando haver detestado a cidade. São relatos que misturam muito bem ficção e realidade.
Lendo essa obra me vem à mente a famosa frase de Tolstói: “Canta tua aldeia e serás universal”. Pode até parecer muito clichê, mas é com ela que reafirmo a importância de nos voltarmos para o que é da nossa terra.
Trabalhos dessa natureza cumprem uma função além do apenas literário.
Talvez, algumas lacunas sejam encontradas ao longo da narrativa, mas cabe ao leitor preenchê-las; há fragmentos que irão exigir redobrada atenção à leitura.
Por fim, vale salientar que muitos natalenses não sabem sequer a história do seu bairro, quanto mais a de sua cidade, e – o que é pior – não sabem amá-la. Essas pessoas precisam, urgentemente, ler o livro de Carlos de Souza. Não somente elas, obviamente, mas todos quantos buscam o prazer e o proveito da literatura.
Em 2015, Carlos de Souza, que há muito tempo devia à literatura potiguar um livro de contos, surge com ‘Urbi’ (Sebo Vermelho Edições) justamente no ano em que se completam 27 anos de publicação do seu primeiro livro, ‘Crônica da banalidade’, uma novela que o lançou como escritor, reconhecido dentro das nossas letras.
Em ‘Urbi’ o autor atinge o momento culminante em sua carreira como ficcionista. Se, no seu romance de estreia alguns pequenos deslizes foram cometidos, no livro de contos ele chega muito próximo da perfeição estética a que uma obra de arte literária aspira. Aqui no Rio Grande do Norte, só os mais experientes têm atingido esse patamar.
Em alguns contos de Carlos de Souza, o narrador se preocupa em mostrar o outro lado da vida. Por vezes, como nos contos de Osair Vasconcelos, percebemos algumas marcas de memórias, de influências livrescas, de leituras. Deixando uma espécie de parábola, como por exemplo, no conto “A Cidade Escura”, para aqueles que leram a versão dos fatos observados pelo narrador. Isto nos remete ao ensaísta e crítico literário Walter Benjamin, que afirmou certa vez: “O conto é, ainda hoje, o primeiro conselheiro dos homens porque o foi outrora da humanidade, vive ainda secretamente na narrativa. O primeiro verdadeiro narrador é e continua a ser o do conto”.
‘Urbi’ contém oito contos, três deles premiados. Não bastassem esses contos, apenas “Eclésia” seria suficiente para o livro valer a pena. O escritor, dublê de jornalista, pegou um fato do noticiário e bolou uma história com um final moral muito significativo, onde percebemos claramente a influência do autor na história, sobretudo com a sua ideologia e seu ponto de vista religioso. Conto fantástico, esse, vale dizer.
Em outros contos, podemos inferir que o autor acredita em fatos históricos reconstruídos por quem narra a história e que estes fatos não necessariamente correspondem à realidade. A propósito, Walter Benjamin declara: “Narrar histórias é sempre a arte de as voltar a contar e essa arte perder-se-á se não se conservarem as histórias”.
Carlos de Souza, como os narradores dos contos citados por Walter Benjamin, dispõe de uma autoridade que lhe dá credibilidade, mesmo quando o fato descrito não seja verídico.
No final de 2017, escrevemos artigo para o Tribuna do Norte, adiantando as comemorações de 30 anos do livro Crônica da banalidade, obra mais cultuada de Carlão.
Ao lado de nomes como Alex Nascimento, Ruben G Nunes e João Batista de Morais Neto, revelações da ficção potiguar na década de 80, Carlos de Souza se destacou com sua novela, cheia de ironia, sarcasmo, dentre outros elementos de uma boa narrativa.
O escritor nascido em Areia Branca, no finalzinho dos anos 50, ainda morou em Macau, antes de vir para Natal em meados dos anos 70. Com pouco tempo, Carlos de Souza estreou nas letras, publicando contos nos suplementos do jornal “A República”, de Natal. Tendo estudado comunicação social na UFRN, tornou-se um grande leitor, sobretudo de Charles Bukowski e Jack Kerouac, dentre outros ícones da contracultura.
Carlos de Souza estreou como repórter na Tribuna do Norte, por anos foi editor de cidades, manteve uma coluna de variedades, “Caótica Parabólica”, e trabalhou no Diário de Natal, como editor de cultura. Por fim, de volta à Tribuna do Norte, assinou durante anos a coluna “Toque – Livros e Cultura”, abordando obras e autores brasileiros e universais.
Carlos de Souza está incluso no trabalho ‘Ficcionistas potiguares’ (2010), de Manoel Onofre Júnior, é citado por Tarcísio Gurgel no livro ‘Informação da Literatura Potiguar’ (2001); foi incluído na coletânea ‘Novos Contos Potiguares’ (2017), organizada pelo jovem escritor mossoroense Thiago Jefferson Galdino, obra que traz contos inéditos e novos, e, também, de veteranos. E nos deu interessante depoimento para o livro ‘Impressões digitais – Escritores potiguares contemporâneos, Vol. 1’ (2013), do qual destacamos alguns dos melhores momentos a seguir:
Carlos de Souza – Minha infância foi comum como a de todos os meninos de interior. Brincava na rua com os amigos, bola de gude, furachão, futebol. Mas era também louco por Histórias em Quadrinhos. Acho que foi daí que nasceu meu gosto pela leitura.
Carlos de Souza – A velha vontade de ganhar dinheiro escrevendo. Não deu para ganhar muito dinheiro, mas fiz uma família diferente, interessante, filhos legais, ex-esposas legais. Valeu a pena. Continua valendo a pena.
Carlos de Souza – Cachorro magro não é exatamente um livro de poesia. Eu queria fazer um poema longo, em que todas as convenções da poesia lírica fossem subvertidas. Mais uma vez não sei se alcancei algum êxito. Mas o livro foi premiado e isso em Natal não tem muito valor. Acho que em canto nenhum. O importante em um livro é quando ele é lido. O resto é perfumaria.
Carlos de Souza – O jornalismo é minha maior paixão. Ganha até mesmo da literatura, do cinema e demais artes. Tudo que eu quis fazer em jornalismo tenho feito em Natal. Não me arrependo de nada. Sempre que olho para trás sinto um arrepio de felicidade. Vivo no presente a doce experiência de comentar livros na Tribuna do Norte e tenho muitos projetos ainda para o futuro.
Carlos de Souza – Uma das coisas mais gratificantes que já me aconteceram. Fui professor substituto na UFRN e professor titular na UnP. Ainda hoje me comunico com meus alunos e tenho um carinho muito grande por todos eles.
Carlos de Souza – Um potiguar ciente de nossas limitações.
O sociólogo, literato e professor Antonio Candido afirmou no seu livro “Literatura e Sociedade”: “Se não existe literatura paulista, gaúcha ou pernambucana, há sem dúvida uma literatura brasileira manifestando-se de modo distinto nos diferentes Estados”.
Ao mesmo tempo que nos alegramos, refletindo com a brilhante afirmação do mestre Candido, reconhecemos que, infelizmente, muitas vezes, essa constatação é ignorada, simplesmente pelo fato de estarmos distante dos grandes centros culturais do Brasil. Na maioria das vezes, nossos escritores são injustamente subestimados, sobretudo por residirem em um país com dimensões continentais, como o nosso. Quando passamos um olhar pelas regiões periféricas do território nacional, vemos no Rio Grande do Norte, uma espécie de barreira intransponível, construída por um injusto pensamento provinciano, menosprezando o que é feito pelo seu povo, valorizando apenas o que vem de fora.
Enfim, refletimos sempre sobre essa questão, para tentar compreender porque determinados trabalhos literários, dos mais variados gêneros e autores, produzidos aqui no Estado, não conseguem ultrapassar a barreira cruel desse muro imaginário. Dentre inúmeros casos que já citamos, temos mais um: o livro ‘Gestos Mecânicos’, publicado em 1983, pelo escritor Ruben G Nunes.
Gestos Mecânicos é um romance que se destaca na carreira do veterano autor que, no início dos anos 80, deu um salto significativo na sua produção literária, ao escrever uma ficção em que se percebe a influência de James Joyce, o célebre autor de ‘Retrato do Artista Quando Jovem’ e ‘Ulysses’. Com esse livro Ruben G Nunes ganhou o “Prêmio Elias Souto” e o “Prêmio Câmara Cascudo” do ano de 1981.
Partindo de algumas experiências pessoais, Ruben G Nunes recriou o real, dando origem a um fato ficcional, e através dele conseguiu transmitir suas ideias e emoções ao mundo. É desta maneira que a literatura se revela como um objeto vivo, uma verdadeira relação eficaz do escritor com o seu meio. Com bastante desenvoltura, o escritor narra alguns dos principais fatos e figuras da cidade do Natal, das décadas de sessenta, setenta e oitenta, com destaque para os personagens, alguns bastante conhecidos no meio cultural, e especialmente à sua linguagem.
Carioca radicado em Natal, Ruben Guedes Nunes, Oficial da Marinha, aqui veio residir em 1960 já como 1º Tenente, na Base Naval. Ruben criou raízes em Natal, enveredando pela literatura, em estreia com o livro de poemas, ‘Tempos Humanos’ (1971) prefaciado por Câmara Cascudo, que exalta a beleza do trabalho literário do então jovem escritor.
Nos anos seguintes Ruben dá inicio a sua saga de ganhador de concursos literários, ao obter menções honrosas no Prêmio Câmara Cascudo 1978 e Prêmio Fundação José Augusto 1979. Ainda nessa década é um dos premiados no concurso “5 Contistas Potiguares”, promovido pela Fundação José Augusto. Porém, é no início dos anos 80 que ele dá um salto significativo na sua produção literária, e entra para a história da literatura potiguar, ao escrever Gestos Mecânicos.
Outro romance de valor do autor, ‘Dotô, Casa Comigo?’ venceu o Prêmio Câmara Cascudo em 1982, mas só foi lançado em 2003. Dotô, Casa Comigo? nos dá “a visão impactante do pequeno mundo de um manicômio a sugerir reflexões, contando a história de um amor fraturado”, como foi dito em estudo sobre a ficção potiguar (p.226). De permeio, uma narrativa de ficção científica.
Professor aposentado do Departamento de Filosofia da UFRN, graduado em Filosofia, Mestre em Filosofia Politica, Doutor em Filosofia da Educação, Pós-doutor em Metafísica pela PUC/RS, Ruben G Nunes, publicou também ‘Re(des)construção da Filosofia’ (ensaio) dentre outros trabalhos na sua área de atuação como pesquisador.
Mais recentemente, em 2015, lançou um novo romance, ‘O Ponto Oco’ (Prêmio Câmara Cascudo de 2007), e em 2017, um livro de Poemas/Crônicas, ‘Xanavá – Porra de Poemas -Croniketas da Burakera’. Está incluso no trabalho ‘Ficcionistas Potiguares’ (2010) de Manoel Onofre Júnior, é citado por Tarcísio Gurgel no livro ‘Informação da Literatura Potiguar’ (2001), e foi incluído na ‘Coletânea Novos Contos Potiguares (2017), organizada pelo jovem escritor mossoroense Thiago Jefferson Galdino, obra que traz contos inéditos de novos, e também, de veteranos, e nos deu interessante depoimento para o livro ‘Impressões Digitais – Escritores Potiguares Contemporâneos, Vol. 1’ (2013).
Ruben G Nunes, que escreve semanalmente para o blog “Papo Cultura”, do jornalista Sergio Vilar, anuncia ainda para este semestre a segunda edição de ‘Gestos Mecânicos’, pela CJA Edições.
Concluímos alertando aos leitores para o risco de um romance da categoria de ‘Gestos Mecânicos’, entre outras boas obras, ser ofuscado pela falha na distribuição dos livros, bem como pelo fato de o autor não morar num grande centro cultural. Citando o escritor Rômulo Wanderley, autor de ‘Panorama da Poesia Norte-rio-grandense’ (1965), “jamais se escreverá corretamente a História da Literatura Brasileira enquanto não se fizer o exato balanço das nossas literaturas regionais”.
Muita coisa, da maior importância (que é o caso do romance de Ruben G Nunes) “estanca” na província, não conseguindo ultrapassar os limites que injustamente a separam dos grandes polos culturais.
Escritores de inestimável valor veem suas obras fulminadas por uma tremenda conspiração de silêncio, apenas porque não trocaram o “sossego” da província pelo tumulto das grandes metrópoles.
Lemos estarrecidos nos noticiários que o atual Presidente do Brasil, quer, a todo custo, um dos seus filhos como Embaixador nos Estados Unidos. Recomendaria ao Governante a leitura de dois livros interessantíssimos que talvez abrissem mais sua mente e o levassem a não mais tomar atitudes esdrúxulas: ‘Bandeirantes e Pioneiros’ do escritor e diplomata Vianna Moog e ‘Raízes do Brasil’ do historiador Sérgio Buarque de Holanda.
Ainda poderia sugerir, caso tenha alguma dificuldade na leitura, que se concentre no capítulo deste livro intitulado ‘Homem cordial’. Ensaio notável, que trata da cordialidade do povo brasileiro, porém, cordialidade no sentido que remete ao coração (cor, cordis), ou seja, o jeitinho brasileiro de fazer as coisas, baseado na camaradagem, na amizade. Essa cordialidade brasileira, que a princípio seria algo positivo, pode tornar-se negativa, por sair do âmbito privado para o público. Sempre queremos beneficiar os mais próximos, “os de casa” mesmo que isso prejudique a coletividade. O tipo cordial é individualista, avesso à hierarquia, arredio à disciplina, desobediente a regras sociais e afeito ao paternalismo e ao compadrio. Evidentemente, não se trata de um perfil adequado à vida civilizada numa sociedade democrática. Mas é o que se encontra com frequência no nosso meio, infelizmente.
Por fim, se o Presidente gostasse de literatura, ainda lhe indicaria, um terceiro livro, que está completando 35 anos do lançamento, Marrons Crepons Marfins, da poeta e jornalista Marize Castro, publicado em 1984.
A história de Marrons Crepons Marfins, começaria em 1983, ainda inédito, quando venceu o Prêmio Galux de Poesia, promovido pela Fundação José Augusto. A comissão do concurso era composta por ninguém menos que Luís Carlos Guimarães, Diva Cunha e Vicente Serejo. O livro começou a repercutir meses antes do lançamento oficial e em 31 de julho de 1984, Cassiano Arruda Câmara, na sua tradicional coluna Roda Viva, também exaltou as qualidades literárias de Marize Castro, corroborando com o que falou Nei Leandro de Castro em apresentação do livro: “Marize é o grande nome da poesia norte-rio-grandense ao lado de Myriam Coeli e Zila Mamede”.
Marrons Crepons Marfins foi lançado no Solar Bela Vista, numa noite de sexta-feira, às oito horas, o calendário registrava a data 14/12/1984. Parceria da Fundação José Augusto e Editora Clima, o lançamento do livro foi um dos mais badalados e comentados da cidade. Toda a intelectualidade natalense aplaudiu e recebeu com entusiasmo a jovem poeta estreante.
Na edição do jornal “O Poti” de 13 de janeiro de 1985, o escritor e crítico literário José Jacome Barreto publicou análise positiva sobre o livro afirmando que Marize era a definitiva revelação da poesia produzida em solo norte-rio-grandense, trazendo em seus versos, “talento, coragem e muita autenticidade”. Ainda nessa mesma década, vários poemas de Marize Castro foram publicados país afora, como por exemplo, no Tribuna da Imprensa do Rio de Janeiro, além de merecerem uma indicação de leitura no Caderno 2 do jornal O Estado de São Paulo, muito simbólico para nós.
Reconhecida como uma das melhores poetas nascidas no Rio Grande do Norte, Marize Castro faz parte de uma geração que renovou a nossa tradição poética, ao lado de Socorro Trindad e Diva Cunha, tornando-se uma respeitável expressão da poesia brasileira dos últimos trinta anos.
Aqui no Estado, foi esse trio de poetas que, praticamente, deu início a uma intensa produção, valendo um grito de liberdade dentro das propostas do movimento feminista, em face da injusta situação da mulher na sociedade. Tendo sua “liberdade” cerceada por anos de predomínio machista e silêncio, elas conseguiram finalmente espaço para falar de seus corpos, de seus desejos, de seus direitos, da forma que achavam mais conveniente. Além de quebrarem um paradigma, pelo menos a nível local, expressaram o rompimento com o fazer poético provinciano, numa perspectiva de independência literária da mulher.
As três escritoras foram pioneiras, de forma mais explícita, no Estado, deixando de lado temáticas sentimentais – o amor, o sertão, a solidão, a família – para tratar em seus versos, da emancipação da mulher.
Socorro Trindad deu início, pelo menos com mais visibilidade, a esse processo de transição, na poesia potiguar, com uma poesia mais libertária, mais ousada, digamos assim, o qual vai se concretizar com Marize Castro, na época com apenas 21 anos de idade, em seu livro de estreia, e Diva Cunha com ‘Canto de Página’ (1986) trazendo a mesma proposta, onde é visível a influência de algumas poetas daquela geração, como, por exemplo, Ana Cristina Cesar.
Nas primeiras páginas de ‘Marrons Crepons Marfins’ de Marize fica evidente a marca de um trabalho sob nova perspectiva poética, onde a mulher não vai mais usar seus versos como se fossem anotações intimas, mas, sim, como um grito de liberdade. O livro tem bastante ironia, militância feminista, e claro, algumas dores e angústias do eu-lírico.
Jornalista e editora, além de poeta, com textos publicados em revistas nacionais e estrangeiras, Marize Castro começou suas atividades literárias bem jovem, no início da década de 1980, participou da Comissão de Literatura do Festival das Artes do Natal, publicou uma espécie de panfleto poético “À luz de spots”, anos depois já dentro da sua atuação profissional, foi editora do jornal “O Galo” entre 1988/1990, conseguindo manter regularidade na circulação do jornal, com excelente conteúdo de interesse local e nacional, o que a levou a receber Prêmio Incentivo à Cultura da União Brasileira de Escritores do Rio de Janeiro, entregue na Academia Brasileira de Letras.
Marize Castro destaca-se, sobretudo, pela sua produção poética, da qual fazem parte, além da obra de estreia, os seguintes livros: ‘Rito’ (1993), ‘Poço. Festim. Mosaico’, publicado em 1996 (livro bem diferente dos outros trabalhos da poeta, pois sua linguagem é muito próxima da prosa), ‘Esperado Ouro’ (2005), ‘Lábios-Espelhos’ (2009), ‘Habitar Teu Nome’ (2011) e ‘A Mesma Fome’ (2016). Está provada a sua excelente produtividade nesses seus 35 anos de poesia.
Um exemplo da poética de Marize Castro a seguir:
Nua, às três da madrugada,
ainda escavo minas
instaladas em minha alma.
Nesses versos, ao utilizar como título a palavra “Predestinada”, o eu-lírico é um ser limitado ao destino convencional da mulher, que é servir ao homem e seus desejos sexuais. A autora joga com palavras, no intuito de demarcar a presença feminina, direcionada ao anseio de não reprimir seus desejos.
Marize Castro descreve circunstâncias várias em outros versos que mostram partes do corpo feminino supostamente postas em contato intenso, e assim denota quanto o erotismo feminino evoluiu e destacou-se na poesia norte-rio-grandense.
A poeta nascida em Natal, no início da década de 1960, vai ultrapassar as barreiras da província e transformar-se numa intérprete que representa a mulher brasileira, dentro do universal com seu valor existencial, na revalorização totalizante do segundo sexo.
Ao longo dos anos iria surgir uma geração de poetas todas praticamente recebendo influências, sobretudo de Marize, que se tornou uma espécie de ícone da poesia produzida em solo norte-rio-grandense.
Voltando ao Senhor Presidente, dedicamos-lhe um poema do livro de estreia da autora:
Não há de ser tragédia.
No máximo, comédia.
O dramaturgo e jornalista gaúcho Pedro Augusto Gomes Cardim, que fundou, em 1925, a Academia de Belas Artes de São Paulo, disse certa vez, referindo-se à liberdade do artista para voar livre em seu oficio: “Há quem julgue as obras de arte produtos sem regras nem preceitos, sob o domínio do imprevisto, sem princípios, manifestados arbitrariamente, consoante a força criadora do gênio que as produz”.
Vivemos em um mundo rodeado de imagens, muitas destas são obras de artistas plásticos, ou seja, objetos artísticos. O artista plástico e escritor pernambucano Francisco Brennand disse, certa vez, em entrevista, que “a arte representa valores do espírito”. Em nosso entendimento esse importante artista brasileiro quis dizer, entre outras coisas, que o conhecimento sobre arte amplia nossa visão do mundo, além de melhorar nossa capacidade de reflexão e expressão. Acreditamos que a escola deve aproximar dos seus alunos as artes plásticas, mostrando-lhes a variedade de pinturas e artistas, e os ajudando a fazer uma reflexão sobre os mesmos, ampliando assim o leque de imagens a serem apreciadas.
Mas, afinal o que seria Arte?
Evidentemente é quase impossível encontrar uma definição exata para o que seja Arte, achamos até que seria muito mais fácil definir algo que não seja arte como o que temos visto aos montes por ai, sobretudo em tempos de redes sociais. Sabemos que a arte, por exemplo, não pode ser confundida com a moral, com a religião, com a ciência, nem pode também ser reduzida simplesmente a uma ideologia. Arte também não tem nenhuma obrigação de refletir o real ou a verdade. Acreditamos que tentar definir o que é arte é também empobrecê-la, limitar algo tão belo. Assim, entendemos que a missão do artista é simplesmente criar, seja o belo, o feio, e sobretudo não querer fazer propaganda do que quer que seja.
Enfocamos o assunto após presenciarmos a exposição de pinturas abstratas de Alfredo Neves, poeta e artista plástico e cientista social, graduado pela UFRN. Alfredo ocupa a Cadeira 2 da AMLA – Academia Macauense de Letras e Artes. Em parceria com o poeta e artista plástico João Andrade, participou de Exposição Coletiva na Pinacoteca do Estado do RN. Participou ainda da Feira de Arte Potiguar – FEIRART, exposição e palestra sobre Arte Contemporânea no Setor Jurídico da Caixa Econômica Federal do RN e teve duas de suas telas selecionadas para o III Salão Dorian Gray de Arte Potiguar. Além desses, seus trabalhos já estiveram presentes na antiga Livraria Nobel, exposição Cores de Orvalho, em 2016. Alfredo, embora esteja no início da sua carreira como artista plástico, já milita há mais de trinta anos pela cultura, sobretudo na cidade de Macau.
Em 2013, nos concedeu entrevista para o livro “Impressões Digitais – Escritores Potiguares Contemporâneos, Vol. 1”, onde anunciou de que iria se dedicar as artes plásticas, e no futuro a publicação de um romance, que trata de uma Macau imaginária. Além disso dedica-se também à publicação de uma revista cultural bimensal, com nome de Kukuaia, e que circula na internet há exatos cincos anos.
Os quadros de Alfredo Neves, em boa parte, nos remetem diretamente ao pintor norte-americano Jackson Pollock, referência no movimento do expressionismo abstrato. Não retratam objetos físicos específicos. Eles são mais difíceis de analisar que os quadros figurativos, por exemplo. A interpretação fica por conta do leitor do quadro, ou seja, meramente subjetiva. Alfredo Neves pinta, desta maneira como uma forma de evocar emoções do inconsciente. Diferente das pessoas comuns é a posição do artista: ao criar suas obras e por mais estranhas que possam parecer, estará normalmente debatendo questões intrínsecas de metalinguagem. Por isso o sentido da pintura, que Alfredo Neves tem em mente, é de outra ordem, um sentido ótico, relativo à própria natureza desse objeto, independente, senão da consciência inserida num contexto humano mais abrangente, pelo menos das formas reconhecidas da nossa realidade.
No Rio Grande do Norte temos alguns exemplos de artistas plásticos que também são poetas: Newton Navarro, Dorian Gray Caldas, Leopoldo Nelson, J. Medeiros, Carlos Humberto Dantas, Anchieta Rolim, João Andrade, Iaperi Araújo, Vicente Vitoriano, inclusive esses dois últimos também são críticos de arte. Merecem destaque igualmente como artistas visuais, os poetas Falves Silva, que compõe a sua obra a partir de um processo de colagem, e Avelino de Araújo, que trabalha também o jogo de palavras e imagens e aqueles que seguem na mesma linha do impressionismo abstrato como Carlos Soares.
Encontramos nos quadros desses artistas características interessantes como na própria composição, ou seja, na organização das imagens, seguindo, algumas vezes, esquemas geométricos, em outras, não; o movimento interno característico da composição dinâmica (às vezes estática); o desenho, nesse caso, as linhas marcantes. Nos quadros se concentram cores frias e quentes, por vezes fundamentais, outras, complementares. A própria natureza da cor também é peça-chave. A luz uniforme e o seu efeito junto com a dinâmicas das formas visuais; a técnica da pintura pontilhada, linear, modelada e por fim o material de trabalho que varia entre óleo, acrílico, colagem, misto, guache, aquarela, pastel de óleo ou seco.
Evidentemente, sempre vamos ouvir das pessoas que não entendem de arte abstrata que esta não é compreensível, explicável. Mas precisamos ter a consciência do seu sentido, que é de fundamental importância para desfazer equívocos de análise e de opinião. Na cultura ocidental, por exemplo, na pré-história vamos encontrar vários registros de prevalência das formas abstratas, muito mais comuns do que na arte oriental.
Concluímos nossa reflexão lembrando que, depois dos impressionistas, as artes plásticas puderam se voltar para dentro de si e subsistir sem o auxílio de qualquer referência explicativa, e que assim continuaram a ser usufruídas por todos.
As telas de Alfredo Neves estão em exposição no Espaço Cultural da Justiça Federal com o título de “Imaginarium”, entre os dias 01 e 31 de julho de 2019, de segunda a sexta-feira, das 9 às 12h, trazendo ao público uma amostra da arte abstrata e contemporânea.
Acreditamos que boa parte dos moradores do bairro Potengi, na Zona Norte de Natal, quando passam pela Avenida Governador Antônio de Melo e Souza não tenham conhecimento da imensa contribuição que esse homem deu para a política e a literatura do Estado. Pensamos dessa maneira, pois é evidente tanto no meio político como no cultural o descaso com que é tratada a memória desse grande brasileiro que foi também sinônimo de honestidade no serviço público, algo raríssimo na conjuntura atual.
Antônio de Souza, como era conhecido, foi um intelectual de primeira linha, possuía uma das maiores bibliotecas do Rio Grande do Norte, lia em francês e outras línguas. Começou sua brilhante carreira ainda moço, como jornalista, usando o pseudônimo Polycarpo Feitosa, que iria marcar toda a sua trajetória literária.
Antônio José de Melo e Souza nasceu em 24 de dezembro de 1867 no Vale do Capió, antiga Vila Imperial de Papari, hoje chamada Nísia Floresta. Estudou em vários colégios recifenses, inclusive o Ginásio Pernambucano, e formou-se em Ciências Jurídicas e Sociais pela Faculdade de Direito do Recife, em 1889.
Foi, por duas vezes, governador do Rio Grande do Norte, senador e procurador do Estado, durante a República Velha. No seu segundo mandato como Governador criou a Escola Normal de Mossoró; a Faculdade de Farmácia de Natal (Lei nº 498, de 02 de dezembro de 1920), a Diretoria Geral de Agricultura e Obras Públicas e o Instituto de Proteção e Assistência à infância, atual Hospital Infantil Varela Santiago.
Houve durante a sua administração, um enorme crescimento do acesso das mulheres à educação, que passaram a frequentar a escola na mesma proporção que os homens. Diversos cursos eram oferecidos, nos quais as mulheres aprendiam, inclusive, bordado, crochê, corte e costura, numa época em que as habilidades domésticas eram valorizadas pela sociedade.
No início de sua carreira, Antônio de Souza era redator do jornal A República e já participava da vida cultural; fundador do Grêmio Polimático, sócio fundador do Instituto Histórico e Geográfico do Rio Grande do Norte e também fundador da Revista do Instituto. Nomeado Promotor Público da Comarca de Goianinha (RN), e aí permaneceu de 1890 a 1892.
Sempre atuante no meio literário da capital, escrevia para jornais, fazendo resenhas, editando periódicos literários, ao lado de outros grandes nomes da época, como Henrique Castriciano. Todavia só começou a publicar livros, na maturidade. No auge da sua carreira literária, foi incluso na antologia “Panorama do Conto Brasileiro” de R. Magalhães Júnior.
Como intelectual, além de jornalista, foi também poeta, memorialista, contista, e destacou-se sobretudo como romancista. Escreveu, Flor do sertão (1929), Gizinha (1930), Alma bravia (1934), Os Moluscos (1938), e Gente Arrancada (1941), romances; Jornal de Vila (poesia), Encontros do Caminho (contos) e Dois Recifes (memórias).
Seu único romance reeditado, Gizinha, foi relançado ainda na gestão do governador Aluízio Alves, em 1965. Narrativa ficcional que se passa na década de 1920, representou, aqui no Estado, um avanço para as mulheres na sociedade com suas lutas e conquistas: mais acesso ao ensino, através da implantação de novas escolas, conquistas dos diretos políticos e civis. Gizinha, expressa muito dessas mudanças no comportamento feminino para a época.
Adalgiza, nome abreviado de Gizinha, era uma espécie de melindrosa, uma transgressora, com atitudes modernas para seu tempo, seus modos ousados chocavam a sociedade natalense. No entanto, ela acaba seguindo os padrões sociais e abdicando dos seus desejos. Casa-se e percebe que o seu casamento não era o que ela esperava, decepcionando-se com o marido, mas aceitando essa situação.
Gizinha chegou a ter uma terceira edição, em formato de bolso, publicada em 2005, pela AS Editores.
Curiosamente Antonio de Souza, só estreou em livro aos 61 anos, com Flor do Sertão (1928).
Na obra O Tempo e eu (1968) Câmara Cascudo dedicou uma crônica à figura de Antônio de Souza, descrevendo-o como uma pessoa sisuda: “Alto, pálido, carnadura sólida, os cristais dos óculos aguçando o olhar penetrante e míope, quase surdo, arredio, alheado a qualquer vínculo social, amando a solidão, as leituras intermináveis, desconfiando do desinteresse humano, inimigo de cerimônias oficiais…”
Em outro trecho, Cascudo continua a descrever Antônio de Souza, como resistente às mudanças que vinham ocorrendo na cidade do Natal: “Era, naturalmente, cheio de idiossincrasias, restrições, antipatias. Implicava com as danças modernas daquele tempo, ragtime, two-steps, tango argentino”.
Além dos cargos mencionados, que ocupou com honradez e competência, Antônio de Souza, já no período pós-Revolução de 30, atuou como substituto do Interventor, por diversas vezes. Aposentou-se em 1935, nas funções de Consultor Jurídico do Estado. Faleceu, praticamente anônimo e solitário na cidade do Recife no dia 05 de julho de 1955.
Em 2016, o escritor Manoel Onofre Júnior, em edição do Selo Caravela Cultural e a 8 Editora, publicou ensaio, dentro da Coleção Presença, Polycarpo Feitosa – O Excêntrico Dr. Souza, espécie de livro de bolso que resume um tanto da vida e obra desse ilustre potiguar. E pelo que nos parece não foi suficiente ainda, até o momento, para que os potiguares redescubram Antônio de Souza ou Polycarpo Feitosa, um brasileiro esquecido.
Certa vez, o filósofo Baruch Spinoza, que foi um dos grandes racionalistas do século XVII, dentro da chamada Filosofia Moderna, disse, do alto de sua sabedoria: “Tenho me esforçado por não rir das ações humanas, por não deplorá-las nem odiá-las, mas por entendê-las”.
Relembramos essa frase diante dos fatos políticos que tem acontecido, recentemente, em nosso país. Mas, a questão que queremos debater, relacionada à frase citada é sobre a responsabilidade social do escritor. Como ele tem se comportado em meio a esses fatos recentes? Nos referimos aqui, ao verdadeiro escritor, artista da palavra, e não a escritores circunstanciais, muitos de redes sociais, que parecem estar atingidos pela sentença de Umberto Eco, segundo a qual redes sociais dão o direito à palavra a uma legião de imbecis que antes falavam apenas “em um bar e depois de uma taça de vinho, sem prejudicar a coletividade””. A declaração foi durante o evento em que o famoso escritor, autor de várias obras, dentre elas, o clássico “O Nome da Rosa”, recebeu o título de doutor honoris causa em comunicação e cultura na Universidade de Turim, norte da Itália. “Normalmente, eles, os imbecis, eram imediatamente calados, mas agora eles têm o mesmo direito à palavra de um Prêmio Nobel”, disse o intelectual, falecido em 2016.
Na verdade, o que temos visto recentemente na internet é uma explosão de vaidades por parte da maioria dos autores, divulgando com exaustão suas pérolas literárias, com fotos de lançamento e eventos, enquanto outros, ficam se agredindo por terem visões partidárias opostas. O que eles têm feito para mudar o atual sistema? Importa saber que nós mesmos podemos fazer mudanças na sociedade, sobretudo quando trabalhamos com arte, no caso mais especifico a literatura. O que se torna evidente, é que o brasileiro é um ser altamente passional, agindo, unicamente, em prol das suas emoções, dominado pela paixão, quase num fanatismo, guiado pelo coração. Essa é uma questão para refletirmos com bastante seriedade. Mas o que de fato, eles têm feito de prático para mudar o atual sistema?
Na obra “Raízes do Brasil”, do historiador e sociólogo Sérgio Buarque de Holanda (1902-1982), há um capitulo muito interessante que trata da cordialidade do povo brasileiro, porém, cordialidade no sentido que remete ao coração (cor, cordis), ou seja, dá o jeitinho brasileiro de fazer as coisas, baseado na camaradagem, na amizade.
Essa cordialidade brasileira, que a principio seria algo positivo, pode tornar-se negativa, por sair do âmbito privado para o público. Sempre queremos beneficiar os mais próximos, “os de casa” mesmo que isso prejudique a coletividade. Segundo Sérgio Buarque de Holanda tal proceder vicioso é uma herança portuguesa, misturada com um pouco do legado de outras culturas, negras e indígenas. O tipo cordial é individualista, avesso à hierarquia, arredio à disciplina, desobediente a regras sociais e afeito ao paternalismo e ao compadrio. Evidentemente, não se trata de um perfil adequado à vida civilizada numa sociedade democrática. Mas é o que se encontra com frequência no meio literário que é o de que estamos tratando.
Todos nós, escritores e amigos dos livros precisamos compreender nosso papel como cidadãos comprometidos em tornar uma sociedade melhor. Lembremo-nos de que, assim como todas as artes, a literatura está vinculada à sociedade em que se origina. Não há escritor completamente indiferente à realidade, pois, de alguma forma, todos participam dos problemas da sociedade, apesar das diferenças de interesses e de classes sociais.
A função da literatura, segundo Antonio Candido, está ligada à complexidade da sua natureza, e ela é uma construção de objetos autônomos com estrutura e significado, e é também uma forma de expressão e de conhecimento. Para Candido a literatura tem uma função “formadora”, que, lhe confere um caráter educativo, atuando na formação do leitor.
Para o estudioso existem na literatura níveis de conhecimento planejados pelo escritor e conscientemente assimilados pelo leitor. E são nesses níveis que o autor injeta suas intenções sejam ideológicas, de crença, ou revolta. Ainda segundo Candido, a literatura satisfaz em outro nível, a necessidade de conhecer os sentimentos e a sociedade, ajudando o leitor a tomar posição em face deles.
O ponto de vista do artista, mesmo implícito, defendido em sua obra, contribui para novos olhares sobre a realidade, e com isso, propaga novas ideologias, consequentemente o leitor de algum modo terá uma nova postura. Dessa forma, atuam duas funções da literatura, a função cognitiva, ou seja, de passar conhecimento, e a função político-social, que é a que interfere no senso crítico do leitor, formando uma opinião. É preciso que o escritor tenha consciência disso.
Ferreira Gullar, no início dos anos 60, já havia mencionado a importância da responsabilidade social do poeta. Gullar criticou o caráter puramente estético da arte, defendendo a arte engajada como instrumento de conscientização numa visão construtiva da sociedade.
Nesta mesma linha de pensamento, o escritor José Guilherme Merquior apresentou tese em que defendeu a arte, vista de maneira geral, como forma de conhecimento da realidade, que deve refletir a condição nacional, ou seja o artista com seu trabalho, deve influenciar direta ou indiretamente as pessoas.
Ainda segundo Merquior, a ideologia do artista está, na maioria das vezes, em discordância com a realidade que é apresentada e cabe ao artista a responsabilidade social pelo simples fato de fazer arte. Portanto ele deve colaborar na formação de uma sociedade, de modo cada vez mais crítico. Mas, claro, sem nenhum caráter panfletário.
Novamente recorremos ao mestre Candido quando ele disse: “Para a Igreja Católica, durante muito tempo, a boa literatura era a que mostrava a verdade da sua doutrina, premiando a virtude, castigando o pecado. Para o regime soviético, a literatura autêntica era a que descrevia as lutas do povo, cantava a construção do socialismo ou celebrava a classe operária. São posições falhas e prejudiciais à verdadeira produção literária, porque têm como pressuposto que ela se justifica por meio de finalidades alheias ao plano estético, que é o decisivo. De fato, sabemos que em literatura uma mensagem ética, política, religiosa ou mais geralmente social só tem eficiência quando for reduzida a estrutura literária, a forma ordenadora”.
O roqueiro Raul Seixas escreveu, certa vez, uma canção intitulada “Eu Sou Egoísta”, onde proclama: “Minha espada é a guitarra na mão” … Caro leitor, escritor, não deixe de usar a espada que você tem, sobretudo num momento tão importante como o que vivemos. Lute, argumente, aja, todavia usando sempre a razão.
Nos últimos anos, Natal tem merecido mais atenção dos seus gestores em relação aos projetos culturais da cidade. Eventos tradicionais, que voltaram com força total, recentemente, como o Carnaval de Rua, o São João da Capital, o FLIN – Festival Literário de Natal, já podem figurar com destaque entre os acontecimentos culturais do país.
Isso revela certa sensibilidade, uma preocupação dos nossos recentes gestores com a cultura, e se não é o desejável, já é alguma coisa, e acredite, você, leitor mais jovem, já foi pior. Basta lembrar o caos em que uma certa executiva deixou a cidade, um verdadeiro rastro de destruição. Claro que administrar um município não é tarefa para qualquer um. E quando você encontra um político com sensibilidade e cultura, é um diferencial em qualquer lugar do mundo.
No Rio Grande do Norte, sobretudo em Natal, temos bons exemplos de políticos, voltados para a cultura. Destacamos alguns a seguir:
Alberto Maranhão (1872- 1944), nascido na cidade de Macaíba, foi por duas vezes governador do Rio Grande do Norte, além de exercer dois mandatos de deputado federal. Conhecido também como mecenas potiguar, faleceu na cidade de Angra dos Reis (RJ).
Quando cumpria o segundo mandato como governador, Alberto Maranhão fundou o Conservatório de Música do Rio Grande do Norte, o Hospital Juvino Barreto (atualmente Onofre Lopes), o Derby Clube, apoiando a prática do hipismo, dentre outras obras. No governo dele foi implantada a luz elétrica em Natal e, posteriormente, as linhas de bondes elétricos. Em 1908, inaugurou a Escola Normal, propiciando a formação de professores e implantou o primeiro grande movimento de educação popular no RN, através da rede de Grupos Escolares. Em 1912, Alberto Maranhão restaurou o teatro, então denominado Carlos Gomes, que havia inaugurado em 1904, e que hoje tem o seu nome.
Sylvio Pedroza (1918-1998) nascido em Natal, foi o décimo oitavo Prefeito da capital, entre os anos de 1946 e 1951. Eleito Vice-governador do Rio Grande do Norte, assumiu a chefia do executivo estadual, em face da morte do Governador Dix-Sept Rosado, tendo governado de 16 de julho de 1951 a 31 de janeiro de 1956. Seu trabalho como Prefeito da capital, que o projetou no mundo político, notabilizou-se pelo investimento na orla marítima, pela construção da Avenida Circular, a oficialização do bairro do Alecrim, e pela integração do bairro das Rocas ao resto da cidade.
Grande amigo de Câmara Cascudo, Sylvio Pedroza o nomeou como historiador oficial da cidade de Natal, inclusive apoiando a publicação do livro “História da Cidade do Natal”, de mestre Cascudo, lançado em 1947. Sylvio Pedroza deu mais atenção ao Forte dos Reis Magos, aos esportes na capital, e foi ele quem cedeu o terreno onde foi construída a Academia Norte-rio-grandense de Letras. Já ausente da política, publicou um livro de memórias, Pensamento e Ação – Marcos de uma Trajetória de Governo; na mesma época foi eleito para a ANRL.
Além desses dois grandes nomes, poderíamos citar vários outros com fortes laços com a cultura, como Henrique Castriciano (1874-1947), intelectual, autor da primeira “Lei do Livro”, que obrigava o Governo do Estado a publicar obras de valor para a nossa cultura. Primeiro Presidente da ANRL, autor de vários livros de poemas, irmão de Auta de Souza e Eloy de Souza.
Ainda poderíamos citar Antonio de Souza (1867-1955), Governador do Estado, por duas vezes, publicou diversos livros sob o pseudônimo de Polycarpo Feitosa, e Aluízio Alves (1921-2006), que, também Governador, entre outras realizações, implantou o primeiro plano cultural do Estado e criou a Fundação José Augusto, inclusive, promovendo a publicação de vários títulos.
Dentre os prefeitos de Natal, não poderíamos deixar de enfocar dois outros nomes emblemáticos, separados por mais de cinquenta anos: Djalma Maranhão e Carlos Eduardo.
O primeiro citado, nasceu em Natal, no dia 27 de novembro de 1915, e foi, além de político, professor de educação física e jornalista, fundador e diretor de jornais. Elegeu-se deputado estadual em 1954. Por duas vezes exerceu o cargo de Prefeito: a primeira, na segunda metade da década de 1950, por nomeação do governador Dinarte Mariz e a segunda, em 1960, na primeira eleição direta para a prefeitura de Natal.
O governo de Djalma ficou conhecido pela campanha “De pé no chão também se aprende a ler”, política educacional para alfabetizar crianças pobres. Djalma Maranhão foi um político comprometido sobretudo com as causas sociais, governou com os olhos voltados para sua gente e principalmente para a cultura popular. Modificou o formato de educar na capital, a partir das ideias de Paulo Freire, e com a coordenação do secretário de Educação, Moacyr de Goes.
Com o golpe de estado de abril de 1964, foi destituído da prefeitura, e teve seu mandato cassado. Ficou preso, algum tempo, sendo libertado por ordem de habeas corpus do Supremo Tribunal Federal, em dezembro de 1964, e asilou-se na Embaixada do Uruguai. Morreu no exílio, aos 56 anos de idade. Seus restos mortais encontram-se no Cemitério do Alecrim.
O segundo Prefeito com fortes laços com a cultura, Carlos Eduardo, filho do jornalista e político Agnelo Alves, nasceu no Rio de Janeiro, em 5 de junho de 1959, todavia reside em nossa capital, desde os dois anos de idade.
Carlos Eduardo formou-se em Direito e muito jovem começou na vida pública. Em 1986, elegeu-se Deputado Estadual, tendo ocupado uma cadeira na Assembleia Legislativa por quatro legislaturas. Exerceu, também, o cargo de Secretário Estadual do Interior, Justiça e Cidadania.
Em 2000, foi eleito Vice-Prefeito de Natal, na chapa de Wilma de Faria, e, em 2002, com a renúncia da titular, para disputar o Governo do Estado, assumiu a Prefeitura. Elegeu-se Prefeito em 2004, fez uma administração aprovada pelos natalenses. Em 2012, foi novamente eleito Prefeito da capital, levando a efeito uma gestão com grandes realizações, especialmente na área da Educação, Cultura e Saúde. Em 2016, foi reeleito para o seu quarto mandato à frente da Prefeitura de Natal. Dois anos depois, renunciou ao cargo para disputar o Governo estadual. Não conseguiu eleger-se governador, mas continua em atividade na área política.
Como gestor, viabilizou a implantação do aterro sanitário da Grande Natal, construiu o Parque Dom Nivaldo Monte, conhecido como Parque da Cidade, enorme área verde localizada entre os bairros de Candelária e Cidade Nova, com projeto arquitetônico de Oscar Niemeyer, o parque foi inaugurado em 21 de julho de 2008.
Construiu o ginásio Nélio Dias, o Museu de Cultura Popular Djalma Maranhão, apoiou o Encontro dos Escritores da Língua Portuguesa de Natal, dentre inúmeras outras obras e eventos. Homem de cultura, amigo dos livros, sempre se voltou para os eventos culturais e literários, mesmo com todas as dificuldades de administrar uma cidade.
Dando continuidade ao bom legado dos dois gestores, acima referidos, temos que reconhecer que o Vice-prefeito, Álvaro Dias, que assumiu a administração de Natal em 2018, tem lutado, sobretudo com ajuda do Secretário de Cultura de Natal, Dácio Galvão, para manter essa tradição cultural da cidade dos Reis Magos.
Ao ler a notícia sobre as declarações do novo Ministro da Educação, sugerindo que os estudantes universitários deveriam limpar os corredores das universidades federais, separei um livro para ler, antes de começar a dividir meus estudos com a faxina recomendada por ele. Fiquei a pensar se o senhor ministro deve entender muito da problemática educacional brasileira ou talvez não saiba para que serve a educação.
Diante dessas notícias, preferi abrir a estante à procura de um bom livro, e eis que me surge de cara um certo João, não aquele “fabulista, fabuloso”, como disse Drummond, mas, um outro João nascido aqui, que também tem Andrade em seu nome. O natalense João Andrade, que produz sua poesia longe das grandes capitais.
Nascido no litoral do RN, João Andrade morou, certo tempo, ainda criança de calças curtas, no interior da Paraíba, e talvez seja esse um dos motivos de tantos espinhos em seus versos, metáforas à parte, pois aquela vivência foi um período rico para o menino João, sobretudo pelo contato com a poesia de cordel. Menino leitor, devorava tudo que via pela frente, quadrinhos, romances, que com certeza o influenciaram no seu processo de escrita iniciado ainda muito cedo.
Já crescido, João Andrade decide fazer faculdade de Letras na UFRN, evidente consequência natural do prazer de lidar com as palavras, e com certeza objetivando o aperfeiçoamento da sua escrita. E não deu outra, já bem moço deu sua contribuição, ainda que tímida, para o movimento da poesia marginal, que acontecia em Natal, e, em meados da década de 1980, João começava a participar de antologias literárias pelo país afora.
Nos anos seguintes, ocupou-se a dar aulas e paralelamente a produzir seus versos, participou de várias antologias, dentre elas, “Poetas Brasileiros de Hoje” (1987); “Novos Poetas do Rio Grande do Norte”, (1990); e “Poesia Circular”, (1996). Até que, decorridas algumas décadas, finalmente, em 2005, João Andrade surge com seu primeiro livro de poemas, “Por Sobre as Cabeças”, obra vencedora dos dois principais prêmios literários do Estado no ano de seu lançamento (Prêmio Câmara Cascudo e Prêmio Luís Carlos Guimarães). O título talvez contenha uma alusão à obra de Nietzsche “Assim Falou Zarastruta”, em que o famoso filósofo tenta pôr a cabeça por sobre os demais para conseguir descobrir aonde estaríamos indo. Ou pode nos remeter também até mesmo ao professor do John Keating, do filme “Sociedade dos Poetas Mortos”, em que o docente estimula os seus alunos a subirem nas cadeiras para verem a vida por outro ângulo.
Destacamos a seguir um poema do primeiro livro de João Andrade.
Andando por ermos caminhos,
quando sou eu mesmo,
estou mal acompanhado e sozinho.
“Por Sobre as Cabeças” é um livro que traz além da solidão e angústia de um eu lírico quase agonizando, uma certa perturbação psicológica. Boa parte do livro são poemas existenciais, muitos inclusive dialogando com dramas gregos, outros de natureza filosófica, todavia sempre num tom existencialista de cunho psicológico. A propósito, Antônio Cicero, no livro “Poesia e Filosofia” reflete que, principalmente na Antiguidade Clássica, os poetas transmitiam seus ensinamentos, seus pensamentos através de poemas. Para ele a questão não é saber se alguém pode ser poeta e filósofo, mas sim que um texto pode ser simultaneamente, uma contribuição original ao pensamento filosófico e um bom poema.
Não estamos afirmando que João Andrade é um filósofo no sentido literal da palavra, porém, recorrendo novamente ao mestre Antônio Cicero “o que faz algo ser chamado de poema é o seu grau de escritura: penso que um poema realizado é um objeto dotado de um altíssimo grau de escritura”.
Para Cicero os textos técnicos, científicos, dentre outros, têm tendência maior a cair no esquecimento, ou serem modificados constantemente como, por exemplo, os dicionários, e as enciclopédias, “se não quiserem caducar”, afirma o poeta. Por isso , segundo ele, os textos cognitivos ou práticos são descartáveis, ao contrário do texto literário, que admite ficção, ou seja, o valor dele não depende de ser verdadeiro ou falso, como um livro de história, que pode conter proposições falsas e perder seu valor com o tempo. O ensaísta afirma que só não são tão fluidos ou perecíveis os textos que têm valor documental ou artístico, isto é literário.
Depois da primeira experiência em livro, João Andrade publicou em 2010, “Cantigas de Mal dizer” (a palavra Maldizer, seccionada), livro de temática mais dolorosa, onde temos um eu lírico repleto de angústias, e fica clara a alusão ao trovadorismo, primeiro movimento literário da língua portuguesa, e sua cantigas reunidas nos cancioneiros. Uma das formas de cantigas satíricas eram as cantigas de maldizer, que tinham como principal característica a sátira e o duplo sentido. Alguma semelhança se faz sentir com “Cantigas de Amigo” de Myriam Coeli.
O segundo livro de João traz de alguma forma um pouco da psique dolorosa de Clarice Lispector, exposta, por exemplo, no romance “A Paixão Segundo GH”. Calma, caro leitor, não estou comparando João Andrade à genial Clarice, estou apenas tentando mostrar, que existem nos versos do poeta natalense e na obra da escritora, pontos em comum, algo que pode ser interpretado de várias formas e que depende do leitor para definição do seu significado: questões inquietantes, angustiantes e, ao mesmo tempo, intrigantes.
O poeta, consciente do seu papel como criador de um mundo fabulátorio, metadiscursivo, cria também pontos de contato com a realidade exterior ao seu poema. A respeito disso, assim falou o poeta Baudelaire: “Não creio que seja escandaloso considerar toda infração da moralidade, do moralmente belo, como uma espécie de ofensa contra o ritmo e a prosódia universais”. (Baudelaire apud Hambúrguer, 2007, pag.35).
É clara também, no livro de João Andrade, a presença de grandes nomes da poesia, num diálogo constante, Ferreira Gullar, por exemplo:
Metade de mim é metade
a outra metade também.
Uma metade não me cabe,
a outra não me cai bem.
(…)
Percebemos também em toda a obra poética de João Andrade, a influência de Cruz e Souza, de Florbela Espanca, Drummond, Manoel de Barros, Cecilia Meireles, Leminski, João Cabral, Augusto dos Anjos, Fernando Pessoa. Estão todos lá, nas entrelinhas, para um leitor mais apurado.
Entendemos que João Andrade é um dos poetas, da nova geração, digamos assim, que mais tem contribuído para a poesia produzida em solo potiguar, desmentindo a afirmação generalizada de que diferente da poesia feminina, a masculina não tem tanta força e tradição. O mesmo poderíamos dizer de bons poetas veteranos, como Jorge Fernandes, Deifilo Gurgel, Alex Nascimento, Demétrio Diniz…
O seu verso é uma espécie de grito, um discurso metafisico, que se abre para outros discursos, tornando a poesia dele universal e permanente. No entanto, reconhecemos que João Andrade, deve permanecer na nossa literatura, muito mais pelo conteúdo abordado, em suas poesias, do que pela própria forma, já que não traz novidade nesta área.
Em 2013, João Andrade ataca novamente, dessa vez com o “Livro de Palavra”, repleto de poemas, fazendo uma espécie de resumo de vários anos dedicados à poesia. Esta obra parece reunir, (no assunto) os livros anteriores de sua autoria, claro, com poemas novos, todavia quase sempre com a mesma temática antes abordada na maioria das vezes, nos demais trabalhos.
Outro ponto questionável é a enorme quantidade de poemas selecionados para um livro de poesia, quando o ideal seria fazer uma seleção de 40/50 poemas no máximo, uma boa média. Apesar dos pontos discutíveis, este é, sem dúvidas, o melhor e mais bem trabalhado livro de João Andrade, e demonstra certa maturidade poética em relação aos anteriores.
Evidentemente, a obra tem seus pontos fortes, como, por exemplo, no poema “Quando nasci”
Quando nasci, um anjo tísico,
desses que vivem das sobras,
apesar da tosse e dos pigarros,
disse em alto e bom som:
não serás nenhum drummond,
mas já que nasceste com a alma ferida,
vai, joão, ser poeta na vida.
Nesse poema é clara a referência ao “anjo torto” do “Poema de sete faces”, de Carlos Drummond de Andrade. O eu lírico reconhece suas limitações, mas segue sua sina de poeta, fazendo seus versos mesmo sem que haja um motivo especifico.
Tal poema, fez-me lembrar de um episódio acontecido conosco, em 2017. Ao dar aula numa escola da rede municipal de ensino, na periferia da capital, um aluno nos indagou, para que servia a poesia? Fui pego de surpresa pela pergunta tão peculiar a um aluno do subúrbio da capital, que ia para a escola apenas por obrigação imposta pelos pais. Quem me salvou nessa hora foi o poeta Manoel de Barros: “Todas as coisas cujos valores podem ser/disputados no cuspe à distância/servem para a poesia”. Ao menos a resposta foi poética.
João Andrade também é artista plástico, e recentemente lançou um livro de contos, “Contos de Escuridão e Rutilância” (esta última palavra nos parece excesso de preciosismo), mas isso já é assunto para outro artigo. Por enquanto, temos que nos dividir entre os deveres da rotina, estudos, trabalho, leituras, e brevemente, as faxinas sugeridas pelo Ministro da Educação.
É João, o tempo e a política brasileira, andam mexendo com a gente, sim. Mas vá, João, siga com seu verso, torto como faca, cortando sobretudo a carne dos sensíveis à poesia.
Esse texto é dedicado a minha irmã, Cristiane Gonzaga.
Desde que me entendo por gente gosto de ouvir as canções do cantor e compositor inglês Elton John, que é conhecido, no Brasil, sobretudo por suas baladas românticas, embora tenha produzido ao longo de mais de cinquenta anos de carreira, músicas nos mais diversos gêneros.
Desde tenra infância, lá por volta de sete, oito anos de idade, nos anos 80 – uma década em que a pop music dominava as Rádios FM do Brasil, com uma geração de artistas novos surgindo, como Michael Jackson, Madonna, George Michael e Prince – eu me sentia muito bem, ouvindo as já consideradas antigas músicas de Elton John, aquelas produzidas em sua fase mais brilhante, nos anos 70.
Lembro muito bem, eu menino, arriscando cantar Skyline Pigeon, que fez estrondoso sucesso no Brasil em meados dos anos 70. Nessa época, Elton John era uma espécie de Rei Midas da música, tudo que ele tocava virava ouro; essa canção é um bom exemplo, ela não foi lançada como single, ou seja não era pra ter apelo comercial nas rádios, mas, como tudo que Elton fazia naquela fase era sinônimo de sucesso, aconteceram muitos fenômenos isolados com suas canções, e muitas delas alcançavam êxito em vários lugares do planeta, ao lado , claro, dos seus hits mais populares.
Eu, até hoje lembro meus gritos cantarolando Fly away, skyline pigeon fly… Enfim, eu não entendia nada da letra, mas, sentia profundamente aquela melodia dentro do meu peito, como se a canção fosse uma verdade em minha vida. Foi justamente nesse período, com menos de dez anos de idade, que comecei a prestar atenção em outras canções de Elton e colava o ouvido no pequeno aparelho 2X1, rádio e toca discos, que tínhamos lá em casa, já velhinho, surrado, mas suficiente para que eu descobrisse a voz do Elton em outras de suas maravilhosas músicas, como Your Song, Goodbye Yellow Brick Road , Don’t Go Breaking My Heart , Daniel, Tiny Dancer, Sorry Seems To Be The Hardest Word, Don’t let the sun go down on me, Crocodile Rock e muitas outras.
Porém, uma música de Elton, lançada orginalmente em 1972, Rocket Man, me levava para um lugar desconhecido, dentro de mim mesmo. Rocket Man já era na minha época, uma espécie de arco da velha, canção que se ouvia apenas em horários destinados às músicas do passado; eu ficava sempre atento a ela, que me fazia navegar por mares distantes da mente, me transportava para outro universo; mesmo sem nunca ter viajado para lugar algum, eu viajava nas canções de Elton. Rocket Man bradava : And I think it’s gonna be a long long time, ‘Till touch down brings me round again to find, I’m not the man they think I am at home, Oh no, no, no, I’m a rocket man…
Essa canção me deixava literalmente no espaço, e me fazia ter esperança em algo; ela possui uma força melódica, uma espécie de momento crescente em suas cordas, harmonia pulsante, como foi gravada, que me fazia respirar fundo e compreender que eu tinha capacidade para me realizar em qualquer coisa que tentasse fazer. E embora eu fosse apenas um menino com menos de dez anos, eu queria ser um Rocket Man, embora as probabilidades à minha frente, fossem remotas. Talvez, pela primeira vez na minha vida, eu tivesse vontade de voar, voar longe, ser um homem do foguete, um astronauta, alguém em busca de um sonho, um objetivo na vida…
Lembro que por volta dos meus onze anos, foi lançada uma coletânea de sucessos de Elton John no Brasil, The Very Best Of Elton John. De frente para a TV, vendo o comercial do disco com imagens dos clips, eu já conhecia boa parte das músicas, de tanto ouvir nas rádios, mas queria muito ter aquele LP; foi um dos meus primeiros sonhos na vida. Não queria brinquedo, não queria bicicleta, nem bola, eu queria o disco do Elton, com algumas das suas melhores canções. E pedi a minha mãe que comprasse esse disco pra mim, mas, infelizmente, ela não podia comprá-lo, não tínhamos dinheiro para nos dar ao luxo de adquirir um disco, objeto raro em nossa casa.
Num dos meus primeiros empregos, ainda criança, por volta dos doze anos, lembro que a primeira coisa que fiz quando recebi pagamento foi ir ao centro da cidade, no sebo Cata Livros, de Jácio, comprar, claro, um disco de Elton John; chamava-se Blue Moves, tinha sido lançado em 1976, era duplo, tinha muitas faixas que me tocavam, embora boa parte delas fossem, ao menos para mim, desconhecidas. Passei horas e horas ouvindo Tonight, clássico cult de Elton, uma verdadeira obra-prima, com quase oito minutos de duração, sendo boa parte dela instrumental, com orquestra sinfônica. Ouvir aquela orquestra e o jovem Elton em plena forma, interpretar Tonight, Just let the curtains close in silence, Tonight, Why not approach with less defiance… ia no fundo do meu ser, acho que, pela primeira vez em minha vida, senti o poder da arte fluindo, era poesia feito música.
Os dias passaram, até que, finalmente, eu consegui comprar um outro disco do Elton, e que tinha seu primeiro hit, Your Song. Quem não ouviu ao menos uma vez na vida. It’s a little bit funny, this feeling inside, I’m not one of those who can easily hide, I don’t have much money, but boy if I did, I’d buy a big house where we both could live?. Infelizmente, o LP estava completamente arranhado, e eu na minha inocência e ansiedade de criança não consegui enxergar isso, e fiquei com ele apenas guardado como lembrança. Tempos depois, conseguiria ouvir esse disco, que é uma verdadeira usina de hits.
Foi com o disco homônimo que, em 1970, Elton conquistou o mercado e o público americano, e consequentemente outros mercados consumidores de música pop, até os meados da década de 1970, quando Elton já exausto das turnês e dos discos, num show declarou que ia se aposentar. Claro, que poucos anos depois, voltaria e continuaria com seu apelo musical, basta lembrar que em 1980, ele fez um show no Central Park, em Nova York, para 500 mil pessoas.
Elton John foi um fenômeno admirável nos anos 70, considerado pelo próprio John Lennon como “a melhor coisa que tinha surgido pós Beatles”. Elton vencera unicamente pelo talento, pois não tinha beleza física alguma, era baixinho, gordinho e quase careca (fora dos padrões de beleza midiáticos), mas sentado ao piano, virava um monstro nos shows ao vivo.
Criou uma sequência de hits nos anos 70 que se tornaram febre em todo o mundo, especialmente nos Estados Unidos, que praticamente se apossou dele em sua fase mais intensa, entre os anos de 1970 e 1976, quando produziu seus melhores discos e conseguia chegar, facilmente, ao topo das paradas americanas. Foram 17 discos em 6 anos, uma loucura, algo impossível para os dias atuais.
O sucesso era tão gigantesco, que, em 1975, apenas cinco anos após sua estreia na América, ele já inaugurava uma placa na famosa Calçada da Fama em Los Angeles, e seus discos eram responsáveis por três por cento das vendas de disco no mundo todo. O LP Captain Fantastic, lançado em 1975, vendeu um milhão de cópias por encomenda, ou seja, antes mesmo de ser lançado. O LP trazia hits emblemáticos, como Philadelphia Freedom, e a regravação dos Beatlles, Lucy In The Sky With Diamonds, com direito a John Lennon na guitarra. Evidentemente todas foram primeiro lugar em vendas nos EUA.
Mas, voltando ao menino de Cidade Nova, periferia de Natal, cada vez mais eu me encantava com as composições do cantor britânico; o tempo passava, contudo as melodias de Elton me acompanhavam. O mais novo single do cantor na época da minha infância, Sacrifice, foi uma explosão no mundo todo. Por sinal, uma das especialidades de Elton, era fazer baladas românticas; desconheço, até hoje, alguém com o dom, a capacidade de criar músicas nessa vertente, como Elton; basta citar grandes hits dele durante a década de 80, como Little Jeannie, Blue Eyes, Empty Garden (homenagem ao amigo John Lennon), I Guess That’s Why They Call It The Blues, Nikita, Whispers, Sacrifice, You Gotta Love Someone…
Todas as suas músicas levam qualquer ouvinte, que tenha sensibilidade, a apreciar esse grande artista, que continua vivo e ativo. Seu apelo musical atravessa gerações. Vale relembrar que, nos anos 90, com o lançamento do desenho da Disney, O Rei Leão (1994), Elton compôs e gravou as canções em parceira com Tim Rice e ganhou além do Globo de Ouro, o Oscar de melhor canção original, com a música Can you feel the love tonigt .O disco repleto de outras canções conhecidas entre crianças, adolescentes e adultos é o álbum de trilha sonora de um filme de animação mais vendido do mundo, com mais de dez milhões de cópias.
Recordo ainda os meus 13 anos de idade, quando comprei Goodbye Yellow Brick Road, LP originalmente lançado em 1973; esplêndido, era Elton na sua melhor fase, o disco inteiro de hits, Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding, Candle in the Wind, Bennie and the Jets, Goodbye Yellow Brick Road, Sweet Painted Lady, All the Girls Love Alice, Saturday Night’s Alright for Fighting.
Candle in the Wind, desconhecida até então para mim, soava como uma espécie de calmante, um remédio para minhas angústias juvenis, e eu sequer sabia ainda que ela tinha sido composta em homenagem à musa Marilyn Monroe. Minha irmã, Cristiane, coitada, era quem tinha que aguentar, eu, o dia todo ouvindo as canções de Elton, muitas vezes a mesma música, repetidas vezes, uma tortura para ela, eu acho, que aprendeu forçadamente todas.
Em 1997, Elton John regravou Candle in the Wind em uma homenagem à sua amiga pessoal Diana, Princesa de Gales – que faleceu em um acidente de carro em Paris – com o titulo Goodbye England’s Rose. Esta versão foi lançada como single, e chegou a número um nas paradas em muitos países, fazendo um sucesso muito maior do que a versão original e tornando-se o single mais vendido de todos os tempos.
Ainda menino, até a pré-adolescência, trabalhando, com muito suor, consegui a proeza de comprar vinte discos de Elton John em Sebos da cidade. Eram meu maior orgulho, eu fazia questão de mostrá-los a todos que iam lá em casa. Porém, lamentavelmente, a vida é cheia de lances, muitas vezes como uma montanha russa, e, numa fase em que passei muito tempo desempregado, tive que vendê-los para poder ajudar em casa. Meu sonho de ser um homem, menino-foguete, um astronauta, voava de minhas mãos, pelo menos naquele momento, como uma fumaça entre os dedos.
Porém, nunca deixei de ouvir as canções de Elton, e tenho plena certeza de que elas foram decisivas e contribuíram na formação que tenho hoje, inclusive na escolha do próprio curso em que me formei (Letras- Português- Inglês) e na carreira que segui.
O sociólogo, literato e professor Antonio Candido afirmou no seu livro “Literatura e Sociedade”: “Se não existe literatura paulista, gaúcha ou pernambucana, há sem dúvida uma literatura brasileira manifestando-se de modo distinto nos diferentes Estados”.
Ao mesmo tempo que nos alegramos, refletindo com a brilhante afirmação do mestre Candido, reconhecemos que, infelizmente, muitas vezes, essa constatação é ignorada, simplesmente pelo fato de estarmos distante dos grandes centros culturais do Brasil. Na maioria das vezes, nossos escritores são injustamente subestimados, sobretudo por residirem em um país com dimensões continentais, como o nosso.
Quando passamos um olhar pelas regiões periféricas do território nacional, vemos no Rio Grande do Norte, uma espécie de barreira intransponível, construída por um injusto pensamento provinciano, menosprezando o que é feito pelo seu povo, valorizando apenas o que vem de fora.
Enfim, refletimos sempre sobre essa questão, para tentar compreender porque determinados trabalhos literários, dos mais variados gêneros e autores, produzidos aqui no Estado, não conseguem ultrapassar a barreira cruel desse muro imaginário. Dentre inúmeros casos que já citamos, temos mais um: o livro de poemas “Pulsar” (Scortecci Editora, 2017) da escritora seridoense Valdenides Cabral.
Antes que o leitor faça qualquer julgamento precipitado, achando que o título pode parecer clichê, a palavra pulsar, empregada como denominação do livro, não significa apenas algo breve e repetido a intervalos regulares. Aqui o Pulsar está ligado às estrelas, as pequeninas estrelas, com seus pulsares excepcionalmente densos, resultados de explosões extraordinárias. E está provado em alguns dos versos do livro, que a real intenção da poeta é de expressar, simbolicamente, esse fenômeno.
Natural de São José do Sabugi (PB), Valdenides Cabral de Araújo Dias, foi criada em Parelhas (RN), e atualmente divide-se entre as cidade de Recife e Natal, todavia sempre visitando seu Seridó de nascença e criação. Poeta, escritora e professora, Valdenides Cabral faz parte da geração que traz consigo uma tradição literária, que vem das bandas do Seridó, desde Zila Mamede e José Bezerra Gomes, passando por Luís Carlos Guimarães, Nei Leandro de Castro, Moacy Cirne, Nivaldete Ferreira, e mais recentemente Humberto Hermenegildo de Araújo, Iara Maria Carvalho, Ana de Santana, Maria Maria Gomes, Theo Alves, Jeanne Araújo, Muyrakitan Kennedy Macedo, Wescley J. Gama, Antonio Fabiano, Luma Carvalho e vários outros valores.
Graduada em Letras (UFRN), com mestrado e doutorado em Teoria da Literatura pela UFPE, a escritora foi durante anos professora do Curso de Letras, da UFRN, no Centro Regional de Ensino Superior do Seridó. Valdenides Cabral tem vários livros organizados e publicados, dentre eles, “Pulsações”, (1999); “Poesia Menor”, (2009); “Pontos de Passagem”, (2011), “O Retórico Silêncio”, (2013), todos de poesia, e mais recentemente lançou “Pulsar” (2017). Atualmente é professora adjunta da UFRN, lecionando no Programa de Pós-graduação em Estudos da Linguagem.
Tendo lançado seu primeiro livro de poemas há exatos vinte anos, tornou-se uma autora bastante conhecida no nosso contexto literário. Suas obras já foram lidas por escritores e leitores das mais variadas formações, em diferentes situações de tempo e lugar. Arriscamos dizer algumas palavras, evidentemente sem o rigor analítico da crítica, mas apenas a opinião de um curioso leitor de poesia, tentando esclarecer a possíveis novos leitores sobre os bons versos que constituem “Pulsar”.
Vejamos o poema a seguir:
Eu
Uma náufraga,
salva
pela palavra
É lugar-comum dizer que a poeta diz muito com poucas palavras, sugerindo amplas possibilidades, numa poesia concisa, enxuta, como no referido poema. Diferente de uma possível vítima perdida no mar, o eu lírico talvez infeliz, decadente, foi salvo pela poesia, pela magia simbólica da escrita.
É de se ver que, cada poema do livro de Valdenides Cabral nos traz uma possibilidade de leitura, cabe ao leitor criar ou melhor recriar o sentido deles. Evidentemente, quanto maior for o seu universo de conhecimento literário, melhor e mais apurada será a sua leitura, e poderá notar várias alusões a poetas como Drummond, Fernando Pessoa, Manoel Bandeira etc., o que fica bem claro, em relação a este último no seguinte poema:
Uma outra estrela
Não quero ser a estrela da manhã.
Não. Não busco a estrela da manhã…
Busco uma estrela-bandeira
da vida inteira.
(…)
Se “Pulsar” está ligado de certa forma às estrelas, há em alguns dos seus poemas, evidentes alusões, não apenas à estrela de Bandeira, mas, também a Maiakovski, por exemplo, e seu famoso poema “Estrela”: “Escutai, pois! Se as estrelas se acendem é porque alguém precisa delas”, ou até mesmo a outra estrela de Bandeira: “Vi uma estrela tão alta/Vi uma estrela tão fria!
O lirismo expresso com clareza é uma grande marca da poesia de Valdenides, só alguns dos seus versos não são fáceis de decifrar, quase herméticos, logo da primeira vez, mas isto pode tornar a leitura ainda mais rica. Não há como negar que são poemas bem construídos e possuem certa musicalidade, que nos cativa. Encontramos também intenso lirismo em outros poemas de sua autoria como no “Acalanto ziliano”.
Passagens belíssimas, que enriquecem essa obra, resultam da vivência do eu lírico na cidade do Recife. Vários dos poemas são dedicados à capital pernambucana, demonstrando a interação da autora com a cidade: sentimentos, memória, amor, além de menção a lugares, rios, ruas, favelas, o mar. Destacamos abaixo o poema: Recife nº 6
Recife se decompondo
dentro de mim
com todo esse mar
por trás dos meus olhos.
(…)
Conseguindo chegar a um bom nível lírico, Valdenides nos transporta para a cidade mauricia através da sequência de poemas dedicados a Recife, nos faz viajar por Recife, como Alceu Valença em “Pelas Ruas que Andei” e, ao mesmo tempo, nos faz lembrar um escritor esquecido injustamente, na verdade ,cruelmente esquecido nesse pais de tempos tão estranhos, Gilberto Amado (1887-1969), memorialista dos mais eruditos da nossa literatura, um verdadeiro estilista da palavra, autor de “Minha Formação no Recife”, livro de memórias, engenhosa criação literária do autor sergipano, que estudou na tradicional Faculdade de Direito da capital pernambucana.
Além de poeta, Valdenides é grande leitora de poesia e dialoga muitas vezes com os poetas que leu, por exemplo, João Cabral de Melo Neto, que está lá, no “Pulsar” com seu “O Cão sem Plumas” ou “Poesia da Composição”, afora outros grandes nomes como Manuel de Barros e Zila Mamede, também presentes nas entrelinhas do texto para um leitor mais atento observar…
Evidentemente, se “Pulsar” não chega ao ápice da sofisticação linguística ou formal, atinge claramente o seu propósito, dentro do seu universo luminoso, pulsante, formado por símbolos, sons, ritmos e imagens.
Com este livro, Valdenides Cabral, afirma-se como poeta de valor, pelo zelo com a palavra, o cuidado com a temática e a busca pela universalização dos versos, e claro, merece destaque dentro da nossa tradição literária, que conta com poetas do porte de Anchella Monte, Rizolete Fernandes, Carmen Vasconcelos e Iracema Macedo.
Ainda vale exaltar a dedicação da professora Valdenides Cabral, para com a literatura produzida no Rio Grande do Norte. Sua luta, em prol das nossas letras, ajudou a formar toda uma geração, que, hoje, lê, divulga, produz e escreve sobre nossa produção literária.
No entanto, Valdenides ainda não recebeu o reconhecimento, que bem merece.
Em momentos tão sombrios, como os que vivemos atualmente, não custa nada perguntar, por que o menosprezo por tantos autores de valor? Infelizmente, isso acontece em países emergentes, como o Brasil, sobretudo na conjuntura atual, onde nós, alunos universitários teríamos que ir limpar o chão da universidade federal por sugestão do Ministro da Educação. Todos padecemos os males da incultura.
Poeta, escritor e jornalista, José de Paiva Rebouças é uma das boas revelações da literatura produzida no Rio Grande do Norte neste início de século. Natural de Mossoró, criou-se em Apodi, terra de sua família, onde tem fincadas suas raízes e sempre admite com muito orgulho ser apodiense.
Ainda jovem trabalhou em Rádios, onde chegou ao posto de Diretor de Programação, e em Jornais locais, como Colunista, e Assessor de imprensa, sempre atuando como um homem da comunicação, seja como repórter, ou em área correlata, como por exemplo, revisor e cronista.
O interesse pelo jornalismo naturalmente o fez partir para maiores voos e em 2007 foi contratado pelo Jornal de Fato, em Mossoró, onde exerceu a função de repórter de caderno, escrevendo notícias da toda região Oeste; em seguida tornou-se chefe de redação do periódico. No exercício do jornalismo, também colaborou com outros veículos de comunicação como “O Mossoroense” e “Papangu”. Também é membro do coletivo independente Repórter de Rua, articulista no Jornal de Fato e organizador da Revista Cruviana.
É graduado em Jornalismo e Mestre em Educação pela UERN; e especialista em Comunicação Organizacional. José de Paiva Rebouças tem bastante experiência em assessoria de imprensa e eventos, campanhas políticas e planejamento estratégico de comunicação.
Além de jornalista, milita em diversas frentes, dentre elas, claro, a literatura. É autor de alguns livros entre os quais, “Da Amizade Sincera de um Urubu” (2014), “Catálogo Maçante das Coisas Comuns” (2015) e “Ópera Antiinstrumental ao Vazio Homérico da Cidade” (2015). Organizou também a coletânea de contos “Cruviana” (2013), que reúne escritores do Brasil, Argentina e Portugal e edita a revista virtual literária com o mesmo nome.
Seu livro de estreia, “Da Amizade Sincera de um Urubu”, é uma reunião de crônicas semanais, que o autor publicava na coluna “Balada do impostor” (uma referência ao livro de Geraldo Carneiro) no Jornal de Fato. O livro foi lançado simbolicamente na Feira do Livro de 2014.
E sobre o título nos justificou o autor em entrevista: “A grande discussão junto a este público é com relação à crônica que dá nome ao livro: Da amizade sincera de um urubu. Este texto surgiu quando lancei o projeto virtual “Aspirinas & Urubus”, onde eu, o amigo Davi Moura e as meninas Regiane de Paiva, Arlete Mendes, Rokátia Kleânia e Eliana Klas, publicávamos uma crônica por dia. Então, esta foi a minha primeira crônica que também publiquei no jornal. Para fazer uma homenagem ao projeto virtual, construí a história de um menino que tem como bicho de estimação um urubu. Uma coisinha sentimental que fiz.”
Em “Catálogo Maçante das Coisas Comuns”, existe um evidente diálogo do autor com os personagens que povoam o seu livro: Antônio de Zé de Chico, um agricultor negro da Chapada do Apodi; o poeta cearense/potiguar Raimundo Leontino Filho e o artista plástico potiguar Anchieta Rolim.
Jose de Paiva Rebouças venceu diversos concursos literários, como, por exemplo, “Concurso Américo de Oliveira Costa” (2014), promovido pela Editora da UFRN (EDUFRN), “XII Prêmio Literário da Livraria Asabeça” com o livro de poemas “Catálogo Maçante das Coisas Comuns”, e ganhou primeiro lugar no “Prêmio Rota Batida”, da Fundação Vingt-un Rosado, com o livro “Ópera Antiinstrumental ao Vazio Homérico da Cidade”.
Como assessor, prestou serviço às prefeituras de Martins e Jardim de Piranhas. Nos movimentos sociais e culturais, foi um dos fundadores do Fórum de Entidades Representativas da Sociedade Apodiense (FERSA), da Academia Apodiense de Letras (AAPOL) e da Academia Estudantil de Letras poeta Antônio Francisco (AEL).
Como palestrante tem integrado inúmeras mesas redondas e bate-papos sobre jornalismo e literatura, inclusive na Feira do Livro de Mossoró.
Com a reportagem “Filhos do Fogo”, que conta a dura rotina dos trabalhadores das caieiras no Rio Grande do Norte foi um dos finalistas nacionais do prêmio Ministério Público do Trabalho de Jornalismo (MPT). A matéria foi realizada em parceria com os jornalistas Esdras Marchezan e José Bezerra, a pedido do “Novo Jornal “, e concorreu com outros 400 trabalhos de todo o Brasil. Veículos como “Brasil de Fato”, de circulação nacional, reproduziram o trabalho que conta com detalhes a situação de centenas de trabalhadores da cal do RN, com grande destaque para a comunidade de Soledade, em Apodi.
Jotta Paiva como também é conhecido, tornou-se um exemplo de profissional da comunicação, com um enorme faro para a notícia. Dedicado a sua área de atuação, bastante interessado nas coisas da sua terra e da sua gente.
É colunista do site “Substantivo Plural”, e está incluso no livro, “Novos Contos Potiguares” (2017), do escritor mossoroense Thiago Jefferson Galdino e no livro de nossa autoria, “Impressões Digitais – Escritores Potiguares Contemporâneos” Vol. 3. (2015), onde ele definiu bem o seu trabalho com a literatura em trechos como mostramos a seguir:
Confesso que nunca fui bom leitor, mas comecei a percorrer as páginas ainda na infância. Acontece que onde cresci, nós quase não tínhamos livros. No período de memória que me chega, me lembro de apenas dois livros: um didático que tinha a história de uma família que ia da cidade para o campo – que eu gostava muito por causa das imagens muito coloridas, e um de inglês – de um curso de inglês qualquer de antigamente, que tinha uma moça de óculos por quem me apaixonei, minha infância toda. Não era uma imagem real, era um desenho, ainda assim, eu a amava perdidamente.
Minha avó tinha ainda uma revista, daquelas sociais, sobre a vinda do papa João Paulo II ao Brasil. Gostava da imagem do avião e do sacerdote beijando o chão. Então essas foram minhas primeiras leituras. Entretanto, neste período eu vivenciei a teoria de Paulo Freire quando ele diz que “a leitura do mundo precede a leitura da palavra” e, talvez, esta leitura tenha sido a mais eficaz para o meu pensamento atual.
A partir disso, eu só começo a ler mesmo no ensino médio. Descobri a biblioteca da Escola Estadual Professor Antônio Dantas. O primeiro livro que li, não lembro quem é o autor, chamava-se Álbum de retratos. Eram crônicas do cotidiano de alguém. Li muita história em quadrinhos na casa de Dona Teresinha e seu Geraldo, lá em Natal, que são amigos da família, e folheei muita revista na casa de Estela, filha de seu Zé de Anastácio, que era uma figura muito conhecida em Apodi.
Depois, li alguns contos e embrenhei-me por alguns clássicos: Capitães de areia, de Jorge Amado, Hilda Furacão, de Roberto Drummond, O Velho e o Mar, de Hemingway, As Pupilas do Senhor Reitor, de Júlio Diniz, entre tantos. Aí também conheci a poesia. Li tudo de Drummond, mas me apaixonei perdidamente pela obra de Manuel Bandeira. É dele que tiro todo o ensinamento poético.
Foi neste tempo também que fui descoberto em meu maior crime: o de roubar livros da biblioteca da escola. Eu montei minha biblioteca com os livros que ia lendo porque eu me apegava a eles com tamanho afinco que não conseguia devolvê-los. Mas aí minha irmã percebeu e me delatou para a secretária da biblioteca, Netinha. Ela recolheu tudo, mas depois que o acervo foi renovado, ela me devolveu os que eu mais gostava, tudo dentro da legalidade (risos). Netinha entendeu cedo o meu amor pelos livros e, por isso, mesmo depois do meu crime, nunca me impediu de alugar livros, ao contrário, ela sempre me incentivou.
Eu só sei escrever poesia, todo o resto é tentativa falida. Foi assim desde o começo. Desde os meus 13 anos eu começo a escrever romances que nunca passam da primeira página. Nunca vou desistir, embora saiba que nunca conseguirei. O meu primeiro poema talvez seja o meu melhor. Nunca será publicado, mas é algo que me define muito até hoje: “o abstrato do meu eu” – gostava muito deste adjetivo – fazia inúmeras perguntas: quem sou eu, para onde vou, coisas assim.
Depois escrevi um livro inteiro de palavras e axiomas que chamava de poemas. Nunca deu em nada. Escrevi algumas crônicas, mas percebi que não levava jeito quando as submeti a uma escritora importante lá de Apodi, minha amiga Dodôra. Aliás, o livro dela: Contraponto, está entre os livros que leio sempre para encontrar aquele eu do passado. Então, eu passei a minha vida inteira tentando alguma coisa.
Foram péssimos. Eu fui o melhor aluno de minha turma e um dos três melhores de toda a universidade, mas muito antissocial. Eu sou antissocial, felizmente. Saí de minha turma apenas com um amigo, o Francinaldo Rafael, os outros nunca passaram de colegas. Digo na turma de jornalismo, porque eu cursei Comunicação Social que abrange as três habilitações: Jornalismo, Publicidade e Radialismo. Deixei alguns amigos em Radialismo também, eu acho (risos).
Minha escolha por jornalismo foi natural, uma vez que eu já atuava na área desde 2002. Veja bem: eu cresci ouvindo rádio e aquilo me parecia tão distante. Eu morando no meio do nada, onde a casa mais próxima da nossa ficava a dois quilômetros, um lugar sem eletricidade, o rádio era a maior tecnologia que eu conhecia. Então quando adolescente, já morando na cidade (em Apodi), surgiram as primeiras rádios comunitárias e, não me lembro como, eu me acheguei a elas. Fiquei por lá até me darem espaço para controlar os equipamentos e fazer programas musicais. Acredito que eu era o pior de todos, mas aquilo enchia meus olhos e dava orgulho à minha família. Não ganhava nada, mas eu queria aquilo.
Então, em 2002, abriu a Rádio Vale do Apodi (AM) e, por um acaso, um amigo sugeriu que eu colocasse o meu currículo. Eu menti muito neste currículo, mas acabei entrando para a equipe porque me dediquei muito ao projeto experimental. Passei um ano como radialista medíocre até que achei minha brecha e ganhei meu espaço. Quando saí da rádio em 2006, eu era diretor de redação. De lá fui para o Jornal de Fato, a convite de César Santos, onde também penei um tanto para aprender o que devia fazer. Eu aprendo as coisas na marra, na linha da morte, sou um autodidata incorrigível. Tenho déficit de atenção (risos). Quando entrei no De Fato eu fazia Letras na UERN, mas em 2009, resolvi seguir o caminho que já percorria, fiz o vestibular para Jornalismo e deu certo. Cá estou eu.
Não tenho ambições literárias. Eu vou fazendo projetos e os concebendo dentro das oportunidades que me aparecem. Eu vou escrever um romance, não sei quando, nem como. Também não tenho noção se um dia ele será publicado. Então, não tenho uma resposta definitiva para a sua pergunta.
Eu sou um homem limitado pela minha condição biológica. Um trabalhador braçal, um arrancador de letras. Nada mais.
Diz a lenda que depois de pronunciar a famosa frase I want to be alone ( eu quero estar sozinha) a estrela do cinema Greta Garbo (1905-1990) , abandonou Hollywood e se recolheu a solidão até a sua morte, transformando-se num mito. Evidentemente, a famosa atriz sueca não foi e nem será a única celebridade a fugir dos refletores e preferir a solidão no anonimato; ela apenas faz parte de uma seleta galeria de estrelas, cujas atitudes muitas vezes não compreendemos, mas que optaram por um estilo de vida recluso, quase antissocial.
Em tempos de internet, onde milhares de pessoas são capazes de fazer de tudo por alguns minutos de fama, outras decidem sair de cena, algumas no auge do estrelato, deixando para trás todo o glamour e toda a notoriedade que acompanham a vida artística.
Greta Garbo é um exemplo clássico da renúncia à fama; abriu mão da carreira em pleno êxito, preferindo anonimato. Foi em 1941, que ela anunciou que estava se retirando de cena. Jurou que nunca mais voltaria a um set de filmagem e cumpriu a promessa. A reclusão só fez aumentar o mito.
No final dos anos 20 e por toda a década de 30, ela recebeu diversas críticas elogiosas e indicações ao Oscar de melhor atriz, todavia não ganhou a estatueta. Sem dúvidas um dos seus maiores sucessos nas telas foi Grande Hotel (1932), lembrando a famosa frase dita pela atriz, “I want to be alone”.
Curiosamente, já no topo da carreira artística, não gostava de dar entrevistas, recusava-se a pedido de autógrafos e não dava muita atenção aos milhares de fãs, também não era adepta de festas nem frequentava cerimônias de premiação. Para se ter ideia de sua reclusão, nem para receber um Oscar honorário, em 1955, ela deu o ar da sua graça. Certa vez afirmou: “Eu nunca disse: ‘Quero ficar sozinha’. Eu disse: ‘Quero que me deixem sozinha’. Aí está toda a diferença”.
A lista de celebridades que optaram pela solidão é enorme, por exemplo, Oscar Wilde, Emily Dickinson, Marcel Proust, Emily Bronte, J.D. Sallinger, Charles Chaplin, Stanley Kubrick… No final dos anos de 1980, George Michael, astro pop inglês, que fez enorme sucesso na década, após o lançamento do LP “Faith”, que vendeu mais de dez milhões de cópias apenas nos Estados Unidos, lançou um segundo LP, “Listen Whitouth Prejudice”, em que ele, inclusive, se negou a sair até na capa, pediu demissão da poderosa gravadora Sony Music, se afastou dos palcos e da imprensa e passou a viver praticamente isolado em sua casa no interior de Londres; também abandonou o Show Business na América e assim o fez até sua morte em dezembro de 2016. Evidentemente, outras questões tiveram influência no seu isolamento como perda de entes queridos e abuso de drogas.
No Brasil, dentre muitos casos, recentemente, um emblemático, da jovem atriz Ana Paula Arósio, que é dos mais impressionantes. Depois de abandonar o início das gravações da novela “Insensato Coração”, em 2011, decidiu viver isolada no interior de São Paulo, ter uma vida pacata, longe dos holofotes. Já lhe ofereceram milhões de reais para voltar a gravar, E até o momento diz “não”.
O escritor Dalton Trevisan é outro exemplo dos que optou pela reclusão. Trevisan é totalmente avesso a entrevistas e exposições na mídia, tanto que criou-se uma atmosfera de mistério em torno de seu nome.
Outro exemplo recente é do cantor e compositor cearense Belchior, que, desde meados dos anos de 80 já dava sinais de distanciamento da mídia, e na década de 2000 saiu de cena e preferiu viver na obscuridade, até a sua morte em 2017. O cantor recebeu dezenas de convites e fortunas em dinheiro para voltar a se apresentar ao vivo, todavia sempre recusou.
Quais as razões que levam toda uma legião de pessoas a renegar os holofotes da mídia, enquanto outras fazem tudo para tê-los? Por que alguns têm tanta ânsia, às vezes, obsessiva, por privacidade? A resposta a essas indagações pode nos remeter à frase latina Sic transit gloria mundi, que significa “Toda glória do mundo é transitória”, ou como também é popularmente conhecida, “As coisas mundanas são passageiras”.
Infelizmente, muitas pessoas, deixam-se iludir pelos “quinze minutos de fama”, enganando-se a si mesmas. Fazem tudo para ser notícia, pelo estrelato, e, agora, por “curtidas” nas redes sociais; muitas delas, não abrem mão disso por nada. Todavia, ainda há quem desdenhe isso para se dedicar simplesmente a uma vida anônima e sossegada. Como sugere a canção de Raul Seixas, talvez viver essas falsas ilusões de “sucesso” ou de “fama” seja tolice. Os títulos e conquistas materiais, pelo menos para alguns são o verdadeiro ouro dos tolos.
Filho adotivo do Rei do Baião, Luiz Gonzaga, o cantor e compositor Luiz Gonzaga do Nascimento Júnior nasceu no Rio de Janeiro, em 1945. Sua mãe, Odaleia Guedes dos Santos, era cantora do Dancing Brasil, no Rio.
Gonzaguinha, como era conhecido, morreu aos 45 anos, em 29 de abril de 1991, ao regressar de uma apresentação no Paraná, vítima de acidente automobilístico em uma rodovia no sudoeste daquele Estado. Deixando grande legado musical, ele poderia ter se tornado apenas “o filho de Luiz Gonzaga”. Mas, Gonzaguinha trilhou seu próprio caminho no universo da música cantando temas espinhosos para os anos 1970, como a resistência à Ditadura Militar, e sempre valorizando as sonoridades nacionais.
Extremamente criativo, transformava as dificuldades de sua vida em uma aguçada consciência política e social, que se tornaria matéria-prima fundamental de sua obra. O disco “Começaria Tudo Outra Vez” (1976) deu uma virada em sua carreira, com o grande sucesso da música título, e de “Espere por Mim, Morena”. A partir daí suas músicas se tornaram mais românticas, mesmo sem abandonar as preocupações sociais.
Ainda nos anos 70, na voz de Maria Bethânia, o compositor estourava no mercado musical com “Explode Coração”, que ficou conhecida como “Não Dá Mais Para Segurar”, e ainda a canção “Grito de Alerta” que também foi outro grande sucesso na voz de Bethânia.
Durante a década de 80, com suas inovadoras canções, Gonzaguinha consagrou-se como um dos compositores mais requisitados do mercado brasileiro. Quem não se identificou com “Sangrando”, do LP “Gonzaguinha – De Volta ao Começo”, lançado em 1980? “Quando eu soltar a minha voz por favor entenda/Que palavra por palavra eis aqui uma pessoa se entregando/Coração na boca, peito aberto, vou sangrando/ São as lutas dessa nossa vida que eu estou cantando …”.
Uma de suas canções mais expressivas, “Lindo Lago do Amor” foi lançada em 1984 como o primeiro single do LP, “Grávido”, que continha outro enorme sucesso, “Nunca pare de Sonhar (“Sementes Do Amanhã”): “Fé na vida, fé no homem, fé no que virá/Nós podemos tudo/Nós podemos mais/Vamos lá fazer o que será …”
“E bem que viu o bem-te-vi/A sabiá sabia já. /A lua só olhou pro sol/A chuva abençoou/O vento diz “ele é feliz” /A águia quis saber/Por quê, por quê, pourquoi será/O sapo entregou/Ele tomou um banho d’água fresca/No lindo lago do amor/Maravilhosamente clara água/No lindo lago do amor”.
Consideramos “Lindo Lago do Amor” um belo poema, uma fábula poética que faz relação com o amor puro, a felicidade e a natureza em sua forma mais singela, que os seres vivos e os astros compartilham e contemplam entre si. Interpretamos a mensagem contida nesta música como a assertiva de que a felicidade só é possível através do amor.
De outra maneira, tendo em vista o período em que a canção foi lançada, podemos interpretar, também, que “Lindo Lago do Amor” seria uma metáfora, uma forma de linguagem simbólica, falando do fim do regime militar no Brasil. O lindo lago do amor seria o Brasil; maravilhosamente clara a água, a democracia; a águia, os militares que só começam a observar; a sabiá, a justiça que sabia do fim do militarismo. E todos nós, o povo, tomávamos banho no lindo lago do amor chamado Brasil.
Mas isto é apenas um devaneio, uma simples interpretação, o que importa é que “Lindo Lago do Amor” possui melodia e letra belíssimas, com versos plenos de lirismo, e merece ser ouvida, infinitas vezes.
Que esse lindo lago do amor, e de esperança, se renove no povo brasileiro em tempos tão sombrios como os que vivemos hoje. Como disse Gonzaguinha em sua música: “E vamos à luta”: “Eu acredito é na rapaziada/ que segue em frente e segura o rojão/ eu ponho fé é na fé da moçada/ que foge da fera, enfrenta o leão. Eu vou à luta com essa juventude/ que não corre da raia a troco de nada. Eu vou no bloco dessa mocidade, que não tá na saudade e constrói a manhã desejada…”
Um dos maiores poetas populares do mundo é brasileiro; e, para nossa felicidade, nascido em solo potiguar. Mossoroense, Antonio Francisco talvez seja a melhor revelação da poesia popular surgida no Rio Grande do Norte, desde Fabião das Queimadas, famoso escravo cantador de rabeca, que comprou sua própria alforria ganhando dinheiro através dos seus versos.
Filho de Francisco Petronilo de Melo, um ex-jogador de futebol das décadas de 1940 e 50, e Pêdra Teixeira de Melo, Antonio Francisco nasceu aos 21 de outubro de 1949; mas, somente após os 40 anos, tomou gosto pela poesia, pelo menos como autor, tornando-se um poeta popular. Múltiplo, fez-se também historiador (bacharel em História, pela UERN), xilógrafo e compositor.
Esportista, dedicou bastante tempo ao ciclismo, fazendo passeios de bike por toda região Nordeste; daí, talvez, a razão de sua estreia tardia nas letras. “Meu Sonho”, seu primeiro poema, traz versos impressionistas e surrealistas, onde o autor recorre à fantasia para demonstrar sua inquietação com a interação entre o homem e o meio.
O reconhecimento da qualidade da sua produção levou-o a ser eleito, em 2006, para a Academia Brasileira de Literatura de Cordel (ABLC), onde ocupa a cadeira de número 15, cujo patrono é o poeta cearense Patativa do Assaré. Por falar nisso, alguns estudiosos do cordel o consideram uma espécie de Patativa de Assaré da nova geração.
Um dos seus livros mais conhecidos, Dez cordéis num cordel só (2001), representa, sem dúvidas, um marco na poesia popular brasileira; nele, o poeta mossoroense retrata inúmeras situações e imagens da vida cotidiana do homem nordestino, sempre costurando, ao longo dos seus enredos, um fundo de reflexão social e espiritualidade. A linguagem utilizada é a do homem comum, na fala simples do cotidiano nordestino.
Sua poesia de alto nível vem sendo estudada em universidades e escolas públicas e privadas do Rio Grande do Norte. Além da valorização local, instituições de ensino de outros estados, como São Paulo, Pernambuco e Ceará, adotaram os cordéis de Antonio Francisco.
Seu nome é unanimidade entre os estudiosos e pesquisadores do cordel. Crispiniano Neto, Luiz Antônio, Rubens Coelho, Clotilde Tavares, Caio César Muniz, Geraldo Maia, Marcos Ferreira, Kyldelmir Dantas, Cid Augusto, Francisco Martins, Manoel Cavalcante e Nildo da Pedra Branca, todos se referem aos seus versos com as melhores palavras.
Antonio Francisco já recebeu inúmeras homenagens, como, por exemplo, aquela que lhe foi prestada pela Prefeitura Municipal de Areia Branca, através da Secretaria de Educação, tendo em vista o seu trabalho em prol da cultura nordestina e potiguar. Foi homenageado por diversas outras instituições, e distinguido com o título de cidadão honorário das cidades de Natal e de Icapuí (CE).
Antonio Francisco foi um dos que carregaram a Tocha Olímpica, quando dos Jogos Olímpicos no Rio de Janeiro, em 2016, durante a passagem desta pelo Brasil, como reconhecimento pelo seu trabalho de divulgação e elevação do nome da cidade de Mossoró nacionalmente. Em todas as apresentações que o carismático poeta realiza pelo Brasil, faz questão de enfatizar que é mossoroense e destaca que nasceu e sempre morou na Lagoa do Mato, bairro popular da cidade.
Por falar na terra que tanto ama, a Câmara Municipal aprovou, ano passado, a inclusão do Dia do Poeta Antonio Francisco no calendário oficial de eventos de Mossoró. Antonio já foi homenageado no espetáculo Chuva de Bala no País de Mossoró; e, este ano, já está confirmada grande festa em homenagem aos 70 anos do artista múltiplo.
Recentemente, no programa “Encontro” com Fátima Bernardes, da Rede Globo, foi ovacionado pelo público e pelo escritor cearense Bráulio Bessa, que diz ter se inspirado no mossoroense. “É o maior poeta do mundo”, afirmou Bessa na TV.
Nascido e criado na Lagoa do Mato, o poeta tem fortes laços com a sua terra e sua gente. Seus pais tiveram 17 filhos, sendo 14 criados. “O milagre era diário. Onde faltava dinheiro, sobrava felicidade. Os pré-natais de minha mãe eram lavando roupa no rio”, asseverou o poeta em uma entrevista.
Com o passar dos anos dedicados à poesia, vieram livros valorosos, que orgulham não só o povo mossoroense, como toda a cultura do Nordeste: Por motivos de versos; Veredas de sombra; Sete contos de Maria são bons exemplos. Em 2012, com incentivo da Petrobras, alguns dos seus livros foram transformados em uma coleção, que conta ainda com dois CDs, em que o autor recita seus poemas.
A projeção de Antonio Francisco extrapola os limites dos seus versos; o poeta teve a sua obra ‘Os animais têm razão’ trabalhada dentro de um projeto pedagógico em várias escolas. Por sua vez foi homenageado em Rap, com a música “Brazambique”, dos artistas Shot B e Mossoró RAPentista, mossoroense radicado em Lisboa.
Em um desfile de 7 de setembro, em sua cidade, Antonio Francisco desfilou em carro aberto e foi muito aplaudido pelo imenso público. O momento mais aguardado ficou reservado para a passagem do artista em frente ao palanque oficial, quando ele recitou o cordel ‘Os animais têm razão’.
Homem simples, do povo, sempre reconhece suas raízes, suas origens, e os que o incentivaram no início da caminhada poética, como, por exemplo, Crispiniano Neto, Nildo da Pedra Branca, Luiz Campos e Aldacir de França.
De vez em quando, encontro com ele por aí, vejo-o de longe, ao lado do jornalista Rilder Medeiros; os dois já têm uma parceria de longa data. Por sinal, a Editora Comunique, gerenciada por Rilder, acabou de publicar o novo livro de Antonio Francisco, ‘Um caroço de manga’, e os dois andam viajando por todo o Estado no projeto “Casa das Palavras”, divulgando tal trabalho.
Às vezes, vejo-o com o poeta pauferrense Manoel Cavalcante, que afirma sempre que tem Antonio como principal fonte de inspiração de sua poesia, e se orgulha de haver recebido um telefonema dele.
Antonio Francisco tem sintetizado e divulgado a cultura nordestina por todo o Brasil, fazendo algo muito parecido com o que Luiz Gonzaga, o Rei do Baião, fazia, conseguindo enorme sucesso entre as massas; e, ao mesmo tempo, tendo seu talento reconhecido pela intelectualidade e pela crítica.
Pois é, caro poeta Antonio Francisco, como no xote de Gonzagão: “De Itaboca a Rancharia, de Salgueiro a Bodocó, você é o maior!”
Quando publicou seus primeiros poemas no “Livro de Bolso” (Natal, edição do autor, 1980) João Batista de Morais Neto (João da Rua, como se assinou nos anos 80), talvez não tivesse uma real noção da sua relevante contribuição para a literatura produzida no Rio Grande do Norte.
Poeta dos mais atuantes na chamada geração mimeógrafo, João Batista estreou, na verdade, um ano antes, em 1979, numa obra coletiva denominada “Buraco de Muro”.
João Batista de Morais Neto nasceu em Natal, no início dos anos 60, e participou ativamente da cena cultural na capital, sobretudo entre os anos de 1970 e 1980. Colaborou como organizador do Festival de Artes de Natal. Nessa época participou de vários mimeógrafos como “Liquidação de Poema”, “Buraco no Muro”, “Vibrações Panfletárias”, além de colaborar em suplementos literários e culturais de vários Estados.
João da Rua. Acervo de Antônio Ronaldo
Para efeitos didáticos, explicamos que essa geração em que João Batista surgiu como poeta, ficou conhecida pela frequência com que os seus escritores recorriam ao mimeógrafo para reproduzirem seus textos. O método quase artesanal era um procedimento alternativo de criação, produção e distribuição do poema, que substituía os meios clássicos de circulação das obras, como editoras e livrarias.
Vendidos ou doados, de mão em mão, os trabalhos eram comercializados a um valor simbólico, na maioria das vezes restrito aos que frequentavam eventos relacionados com a própria cena cultural alternativa, apelidada também de marginal, conhecida dessa maneira por estar fora dos chamados cânones literários.
Evidentemente o movimento, que teve uma espécie de boom, no país, revelou importantes nomes como Paulo Leminski, Waly Salomão, Francisco Alvim, Torquato Neto e Chacal. No Rio Grande do Norte, pelo menos três importantes livros abordam a temática, “Geração Alternativa” de Jota Medeiros, “Poesia Submersa” de Alexandre Alves, e mais recentemente, “Delírio Urbano” de Afonso Martins e outros. Evidentemente, existem outros trabalhos e pesquisas na área.
Entretanto, é bom dizer que João Batista de Morais Neto, não se limitou apenas à experiência informal dessa fase, e deu um salto significativo em sua produção literária contribuindo de modo acentuado para nossa literatura, sobretudo ao publicar a novela “Temporada de Ingênuos”, em 1986, espécie de romance fragmentado, combinando aforismos, reflexões, prosa poética, dialogando com a literatura universal e fazendo uma espécie de balanço daquele período, antenado com o que acontecia no universo das artes. Tudo com um estilo moderno para a época, aqui na província, que via surgir seus primeiros espigões, como cantou Zila Mamede em seu famoso poema “Rua Trairí”.
Nos anos seguintes João Batista de Morais Neto continuou a contribuir com a nossa cultura publicando vários outros trabalhos como, por exemplo, “A Canção e o Absurdo Revisitados” (Natal: Edições Sebo Vermelho, 2001); “Revendo Itajubá” (Natal: Sebo Vermelho Edições, 2007); “Caetano Veloso e o Lugar Mestiço da Canção” (Natal: IFRN editora, 2009); “O Veneno do Silêncio” (Natal: Edições Sebo Vermelho, 2010), além de ser autor de dezenas de ensaios críticos e literários.
Graduado em Letras, João Batista fez mestrado na Universidade Federal da Bahia e doutorado em Estudos da Linguagem pela UFRN. Atua profissionalmente como Professor de Língua Portuguesa e Literatura Brasileira no IFRN de Natal. Mais recentemente, lançou o livro de poemas “Bissexto” (Editora Gageiro Curió, 2018). O livro traz uma amostra, em dezesseis poemas, da sua recente produção artística.
Ao ler os versos de João Batista rememoramos o mestre Mário Quintana, que disse, certa vez: “Esquece todos os poemas que fizeste/Que cada poema seja o número um”. Compreendemos através dos versos do genial escritor gaúcho a sugestão de criar, de se surpreender, de se espantar com novos textos.
Rememoramos Quintana após termos lido “Bissexto” percebendo bem o amplo potencial de criação, o poder intrigante e transformador da poesia. Seja pela mobilização da fantasia, seja para aliviar uma dor, pelo simples prazer da leitura ou até mesmo para desvendar os homens, a poesia, nos deixa nus diante da existência; é uma arte essencial ao ser humano e, como tal, revela muito do que somos e como somos hoje e sempre.
Encontramos na leitura dos versos de João Batista de Morais Neto uma espécie de intimismo que está ligado ao fato de que, sendo este um dos principais atributos de sua experiência poética, traz consigo também uma tensão, que transparece em versos como, por exemplo no trecho seguinte:
Meu bem,
Sejamos sublimes
Não deixemos
Que nos invadam
As almas pequenas
(…)
Interessante compreender também, que “Bissexto” não se trata de uma obra de poesia de vanguarda, dessas que parecem receita de laboratório, mas é moderno, e ao mesmo tempo alcança certos efeitos linguísticos e estéticos, cuja análise pode ser aprofundada em estudos futuros.
O inconformismo com os moldes literários impostos pela “academia” e com a chamada “cultura oficial” brasileira, responsável por deixar à margem toda produção cultural que estiver fora dos padrões, foi a propulsão para escritores como João Batista, assaz criativos subverterem o lugar comum ao propor uma constante inovação poética, tudo sem “forçar a barra”, mas de maneira interessantíssima.
Em nossa compreensão, embora João Batista tenha nascido artisticamente e participado de forma ativa da geração mimeógrafo no Estado, sendo uma das suas principais figuras, atualmente ele ganhou um destaque maior, e justo, de poeta, escritor e pesquisador consciente de seu oficio e da sua produção.
O livro “Bissexto” inaugura a mais nova editora do Estado, Gageiro “Curió, do também poeta e livreiro Oreny Júnior, que faz com o titulo homenagem ao grande Newton Navarro e sua novela publicada em 1974, “De Como se Perdeu o Gajeiro Curió”.
De tantas coisas que a região do Seridó tem para se orgulhar, além de sua historia, cultura, culinária e seu povo, os seus escritores também são motivos de ufanismo. A região que reúne várias cidades, doou, e continua doando, ao Estado importantes nomes da nossa literatura, no passado e no presente, basta lembrar de alguns que já se foram, como por exemplo, José Bezerra Gomes, José Gonçalves de Medeiros, Oswaldo Lamartine, Luís Carlos Guimarães, Paulo Bezerra, Moacy Cirne, Zila Mamede (embora tenha nascido em Nova Cuité, PB, era filha de pai caicoense, e teve primeira formação em Currais Novos), além de outros que também já se foram, e muitos que estão construindo uma carreira literária, atualmente.
Seridoense nascido em Acari, Humberto Hermenegildo de Araújo, é autor de inúmeros livros, ensaios, artigos, e publicações na área de literatura, principalmente como pesquisador. Dedicou toda sua carreira ao ensino e à pesquisa, sobretudo como professor titular da Universidade Federal do Rio Grande do Norte. Especializou-se em áreas com temáticas como: moderna literatura brasileira, regionalismo, epistolografia, literatura e ensino, com ênfase no estudo da literatura local e regional.
Deu os primeiros passos, de forma pública, como poeta, ainda na época da Faculdade de Letras, na UFRN, no final dos anos 70, publicando no jornal alternativo “Letreiro”, juntamente com alguns companheiros da geração que surgia no cenário das nossas letras, como por exemplo, a escritora Anchella Monte.
Também publicou no jornal-pôster “Dito e Feito”, em 1980, do Laboratório de Criatividade/UFRN, além de ter poemas de sua autoria incluídos no livro Grande Ponto, lançado em 1981 pela Editora Universitária, espécie de coletânea de contos, poesias e ensaios, que reunia jovens estudantes e escritores mais experientes.
No ano seguinte Humberto Hermenegildo foi aprovado em concurso público para o corpo docente da UFRN como professor de Teoria da Literatura. Três anos depois, em 1985, já recebia homenagens da turma de alunos do Campus de Nova Cruz, como professor de destaque na área.
Hermenegildo graduou-se em Letras, na UFRN, no final dos anos 70, depois fez mestrado, em Teoria e História Literária, na UNICAMP, doutorado em Letras na UFPB, além de um pós-doutorado em Teoria Literária e Literatura Comparada, na FFLCH/USP.
Publicou diversos trabalhos sobre o modernismo no Rio Grande do Norte, com foco na poesia de Jorge Fernandes, além de estudos sobre Luís da Câmara Cascudo e vários outros autores, por exemplo, mais recentemente, em parceria com João Maria Palhano, publicou Palmyra Warderley – Entre Trinta Botões de Uma Roseira Brava : Estudo crítico e seleção de poemas. (EDUFRN, 2018), livro sobre o qual escrevemos artigo para o Jornal de Fato.
“Num criterioso estudo, revelam-se novos e interessantes aspectos da obra em foco. Os pesquisadores se aprofundaram numa análise crítica, desnudando um dos livros de poemas mais famosos do Estado, e oferecem ao leitor uma verdadeira incursão pela poética de Palmyra, com alguns poemas selecionados junto ao ensaio critico.
Situando-se entre a tradição de Auta de Souza e a modernidade de Jorge Fernandes, Roseira Brava faz de Palmyra, uma espécie de poeta de transição, o que é admitido pelos pesquisadores, ao constatarem, no estudo, numa perspectiva historiográfica, que a obra de Palmyra condensa os dois grandes movimentos da nossa poesia na terceira década do século passado.
Palmyra Warderley – Entre Trinta Botões de Uma Roseira Brava : Estudo crítico e seleção de poemas homenageia a poeta natalense nos quarenta anos de sua morte, e a coloca no patamar que merece, proporcionando sobretudo para a nova geração a possibilidade de conhecer a importância e o valor de Palmyra Wanderley, denominada por Agrippino Grieco “Cigarra dos Trópicos”.”
Sobre o artista da palavra Humberto Hermenegildo de Araújo, tivemos oportunidade de discorrer em periódicos, como o Jornal de Fato e Tribuna do Norte, no blog Substantivo Plural do jornalista Tácito Costa e aqui no Papo Cultura comandando pelo também jornalista Sérgio Vilar. A respeito do seu livro de poesias escrevemos:
“De alguma forma o título da obra nos sugere uma relação com o linguajar sertanejo. Seria Argueirinha uma espécie de instrumento para tirar um argueiro preso nos olhos das pessoas? Seria uma sugestão para o leitor se despir de “pré-conceitos” para se aprofundar nos versos? Estaria o poeta sugerindo ao leitor, a retirada do cisco nos olhos da leitura? Como diz Milan Kundera: “Atravesso o presente de olhos vendados, mal podendo pressentir aquilo que estou vivendo… Só mais tarde, quando a venda é retirada, percebo o que foi vivido e compreendo o sentido do que se passou…”
Em 2015, Argueirnha foi vencedor do Prêmio de Poesia do concurso “Coleção Vertentes” da Universidade Federal de Goiás.
Relatos implícitos ou condensados nos versos, em muitas passagens nos lembram Sertania de Nivaldete Ferreira e O Arado de Zila Mamede. Vale salientar que outros poetas norte-rio-grandenses poetizaram as coisas do sertão, mas, apenas de forma teórica, como ouviram falar, diferente desses três poeta citados, que tiveram toda uma vivência no interior.
Transcrevemos a seguir um dos mais expressivos poemas de Argueirinha
Era uma casa de pedras:
gravuras nos paredões
na tinta encarnada, traços de feras
rascunhos de batalhas de outras eras.
Perto o riacho, leito de amores,
talvez um poço
talvez um caminho
talvez a pedra solta do destino
Era uma casa de sítio:
solidão profunda, estampa de ancestrais.
É bom lembrar que Humberto Hermenegildo de Araújo está incluso na nossa mais importante antologia poética organizada no século XX, por Assis Brasil, A Poesia Norte-rio-grandense do Século XX (Imago, 1998).
Sua estreia na ficção se deu também no século passado, publicando alguns contos no jornal “O Galo”; recentemente, publicou Rastejo (Editora Caravela, 2017), sobre o qual escrevemos resenha para o jornal Tribuna do Norte.
“Neste seu novo livro, a narrativa condensa, proustianamente, impressões do autor, de quando mudou-se de sua Acari para a capital do Estado, no início dos anos 1970. Ou seja, a narrativa é uma combinação de memórias e ficção. O titulo da obra – Rastejo – muito feliz, remete para o sertão assim como Navegos de Zila Mamede remete para o mar.
Notamos que a narrativa não tem um ápice, um clímax à maneira das histórias tradicionais, mas demonstra a capacidade do autor de envolver o leitor numa atmosfera um tanto indefinida, onde aparentam se misturar realidade e ficção, com momentos intensamente poéticos. Tudo bem expresso até mesmo com requintes de linguagem e estilo, tornando a leitura extremamente prazerosa.
Como gênero literário, Rastejo nos parece ser uma novela. Claro que isso de gênero não importa muito, mas, nessa obra – vale ressaltar – não há grande variedade de temas, e a narrativa se atém ao personagem principal; o foco não é bem a história e sim o próprio narrador. Um ou outro personagem que aparece, cumpre apenas função coadjuvante. Não se trata, pois, de romance. Sabemos que o romance é a modalidade mais complexa da ficção, contém personagens em número muito maior do que o conto e a novela, e, normalmente, desenvolve múltiplas tramas paralelas. Porém, o que importa é que “Rastejo” tem alto valor. Basta observar o preciso cuidado com o manejo da palavra, o zelo pela linguagem, em alguns pontos fazendo lembrar Guimarães Rosa, tanta é a inventividade verbal, que o autor demonstra possuir”.
Embora não seja iniciante na área das belas letras. Hermenegildo desde muito jovem trabalha com a arte da palavra, tem como já dissemos, poemas seus na coletânea “Grande Ponto”, do Laboratório de Criatividade da UFRN (1981), e consta na A Poesia Norte-rio-grandense no Século XX, de Assis Brasil (1998). Recentemente, em 2015 foi vencedor do Prêmio de Poesia do concurso “Coleção Vertentes” da Universidade Federal de Goiás, com o livro “Argueirinho/Visão”.
Escritor atento aos nossos valores, Humberto Hermenegildo de Araújo é um dos principais estudiosos da história do Modernismo no Rio Grande do Norte; Hermenegildo fez levantamentos de informações sobre as repercussões do movimento modernista no Estado, enfocando relações entre a nossa atividade literária e a vida cultural da região Nordeste nos anos 20, dentre outros aspectos.
Além da publicação de livros, ensaios e artigos, o escritor acariense formou e orientou inúmeros alunos e pesquisadores que estudaram a literatura norte-rio-grandense, e foi um dos fundadores do Núcleo de Estudos Câmara Cascudo, na UFRN.
Recentemente a Editora Vento Norte publicou o livro, em formato cartonero, Arredado Pé, de Humberto Hermenegildo de Araújo, juntamente com outra obra, da poeta chilena, Elizabeth Cárdenas.
Abaixo uma pequena amostra dos poemas do livro no capitulo denominado “vida natalense”:
I
Alta vida
Alto custo
Alta noite
Alta moda
Altos voos
Sonhos soltos.
Noite torta
Auta morta
Céu risonho.
II
Falha no asfalto
Beco tristonho
Lama e assalto
Sapatos gastos
Altas paradas
Sem divisão.
Antigas fitas
Do rio grande
Um grande ponto
De sonho vão.
I
Terra fértil sem arado
Nascida no campo santo.
Baldo abaixo, além, riacho
Quintas lá do outro lado.
II
Nos muros cuidados
Aromas de ramos.
Mossa da cidade
Casa de epitáfios:
Exoticidade
De apercebidos.
Um corte na pele
A passar nos sítios
A esfriar quenturas.
Chove forte
Sol chegou
Agora eu vou.
FRATERNIDADE
De boas intenções
A rua anda cheia.
Só vejo nos livros
Partilha de pão.
Na rua capeia
A forma do não.
Ainda vale dizer que Humberto Hermenegildo de Araújo, organizou, em parceira com outros autores, diversos outras obras, fez dezenas de prefácios e orelhas de livros, participou de centenas de bate-papos, palestras, oficinas literárias e inúmeras bancas de defesa no Brasil inteiro, sendo uma das maiores referencias na sua área de atuação.
Humberto Hermenegildo de Araújo foi eleito e tomou posse, em 2017, na cadeira número 2 da Academia Norte-rio-grandense de Letras. Grande aquisição para a Casa de Câmara Cascudo.
A escritora Cellina Muniz dispensa apresentações; como pesquisadora desenvolve estudos sobre humor e imprensa alternativa, professora do Departamento de Letras e do Programa de Pós-Graduação em Estudos da Linguagem da UFRN. Publicou inúmeros artigos, ensaios e capítulos de livros, além das obras voltadas para pesquisas acadêmicas como, por exemplo, Nietzscheanismos (2009), Fanzines: autoria, subjetividade e invenção de si (2010), Na tal cidade do humor (2013) e Notícias da Jerimunlândia: a imprensa de humor em Natal na Belle Époque (2016).
Reconhecendo a importância da pesquisadora, pretendemos, no entanto, abordar a Cellina Muniz como artista da palavra, autora das obras ‘O livro de contos de Alice N.’ (2012), ‘Uns contos ordinários’ (2014), e mais recentemente, ‘Contos do mundo delirante’ (2018).
Contista firmada, Cellina tem como suas principais características narrativas o humor, a crítica à sociedade, o pitoresco e a ironia, tudo dentro de um ambiente urbano. A narrativa leva o leitor para o universo ficcional criativo, todavia muito próximo da realidade.
A propósito o filósofo grego Aristóteles, na Poética, um dos textos mais conhecidos sobre o conceito de arte literária, afirma que arte é imitação. E justifica: “O imitar é congênito do homem, e é isso que o difere dos outros viventes, pois, de todos, é ele o mais imitador e, por imitação, aprende as primeiras noções, e o os homens se comprazem no imitado”.
Ou seja, o imitar faz parte da natureza humana e os homens sentem prazer nisso. Todavia, precisamos compreender o conceito de arte como imitação. Aristóteles afirma que não é oficio do poeta (artista da palavra) narrar o que aconteceu, e sim, o de representar o que poderia acontecer, quer dizer: o que é possível segundo a verossimilhança e a necessidade.
Compreendemos que o artista da palavra, recria a vida, mostrando-nos não como ela é e sim como ela poderia ser, dai o artista cria as obras de ficção. Ora, como todos sabem, a palavra ficção vem do latim, fictionem e significa o ato ou efeito de fingir, de simular; é produto da imaginação, da invenção.
Em face do exposto podemos classificar a narrativa de Cellina Muniz como verrossímil, pois guarda muitos pontos de contato com a realidade, os fatos narrados aproximam-se bastante da realidade, fazendo que o leitor sinta, presencie o acontecimento, como se estivesse vivendo-o, por exemplo, no conto “Operário-Padrão”, narra-se a estória de um personagem, que sentado no banco de uma praça, relata para alguém ter sido porteiro e que foi demitido, por dar em cima das secretárias que iam trabalhar nos apartamentos do prédio.
Entendemos também que os contos de Cellina, no seu universo ficcional, criam uma realidade mais ampla que a realidade concreta e palpável que conhecemos. Por meio da sua ficção podemos nos transportar para um universo em que certas situações nos parecem um pouco absurdas, como no conto “Catrevagens e Cotovias”, mas são perfeitamente plausíveis. Nesses casos os contos apresentam uma lógica interna, e o leitor acaba aceitando como verdade o universo ficcional da autora.
Alguns dos contos partem do pressuposto de que, o humor, parece servir como estratégia de desconstrução dos conceitos usuais atrelados aos fatos cotidianos e, também são, na verdade, de reflexão sobre a condição humana. Talvez este seja um dos pontos mais fortes na narrativa da autora, além claro, da crítica social. Outro aspecto digno de nota na narrativa de Cellina Muniz, é a linguagem literária. Interessante observar como ela usa os recursos linguísticos em favor do texto e os emprega em cada tipo de discurso.
Nos textos literários, com predomínio da linguagem, existem aspectos que devem ser considerados e neles se acha o diferencial da autora: as particularidades da narrativa da sua narrativa, como, por exemplo, a conotação das palavras, certa complexidade (entenda-se que a literatura não tem a obrigação de dar às palavras o seu sentido exato), a plurissignificação, dentre outros aspectos. O mais interessante de tudo isso é a própria experiência estética que textos dessa natureza podem nos trazer.
Narrativas inteligente e criativas erguem seu mundo imaginário, valorizando, de modo especial, os seus personagens. Observamos após a leitura dos contos de Cellina Muniz, por exemplo, os excelentes “A Grande Ocasião”, “Nada de Novo Sob a Lua”, além dos já citados, que a autora consegue o máximo de significados, em uma narrativa moderna, inclusive, em alguns momentos, assaz criativos, dialogando/homenageando de forma irreverente outros autores, como Câmara Cascudo, Juvenal Antunes, Paulo Mendes Campos, Lima Barreto, Belchior…
Na obra “Notas de teoria literária” (1978. p.31), Afrânio Coutinho nos diz que a ficção distingue-se de outras formas, pois é produto simplesmente da imaginação criadora, embora como toda arte, suas raízes mergulhem na experiência humana. Mas o que a distingue sobremodo das outras formas de escrita é que ela é uma transfiguração ou transmutação da realidade, feita pelo espírito do artista, num imprevisível e inesgotável laboratório. Para Coutinho, a ficção não pretende fornecer um simples retrato da realidade, mas antes criar uma imagem da realidade, uma reinterpretação, uma revisão. É o espetáculo da vida através do olhar interpretativo do artista. Tal como acontece nos contos de Cellina Muniz.
A intimidade da escritora com as palavras, e a desenvoltura com o fluir do conto curto deram à sua prosa um ritmo singular (não temos visto, pelo menos aqui no Estado, escritoras com o estilo e a desenvoltura, no CONTO, que Cellina possui). Entendemos que a flexibilidade do conto oferece essa possibilidade, pois, o conto é um gênero literário sobremodo maleável, podendo se aproximar da poesia e da crônica. Enfim, o gênio Mário de Andrade defendeu que “conto é tudo aquilo que o autor batizar com o nome de conto”.
Vale dizer, ainda, que a escritora tem contos de sua autoria inclusos nas obras Humor no Conto Potiguar, de Manoel Onofre Júnior, e Novos Contos Potiguares, de Thiago Jefferson Galdino, dentre outras coletâneas.
Todos esses quesitos relevados na prosa de Cellina a colocam entre os principais nomes da literatura produzida aqui no Estado.
O Alferes Onofre José da Silva nasceu a 23 de janeiro de 1787, em Olivença, distrito de Portalegre, Portugal. O que talvez seu pai, o soldado José da Silva, jamais fosse imaginar é que o filho iria atravessar o Atlântico e contribuir para a formação de uma nova árvore genealógica, ou seja, praticamente um novo tronco familiar, numa pequena cidade brasileira chamada Martins. E assim, podemos dizer, se fez a união dessas duas cidades – Olivença e Martins – separadas pelo oceano, porém, ligadas por laços de família.
Olivença é uma antiga vila do Alentejo e a sua origem nos remete ao século XIII, período da reconquista cristã pelos Templários. O lugar passou definitivamente a território português em 1297, quando assinado o Tratado de Alcanises, por D. Dinis, rei de Portugal, e Fernando IV de Castela, que definia os bens territoriais de cada reino. Nesse mesmo período D. Dinis ordenou a construção de uma fortificação na vila, reforçada posteriormente através da construção de uma torre de menagem, no reinado de D. João II, e da ponte N. Sra. da Ajuda, também conhecida por ponte da Ajuda ou de Olivença, sobre o rio Guadiana, ordenada por D. Manuel.
Após a ocupação do trono português pela dinastia filipina, começaram as disputas pela posse de Olivença entre Portugal e Espanha. No período da restauração, em 1640, e nas guerras que se seguiram, Olivença foi ocupada por um duque espanhol, sendo devolvida a Portugal na sequência da celebração de um tratado de paz, em 1668, no qual Espanha reconhecia a soberania de Portugal.
Olivença voltou a sofrer a ocupação espanhola em 1801, no episódio que ficaria conhecido como a Guerra das Laranjas. Foi nesse cenário, ao eclodir a Guerra Peninsular, que se registrou a invasão do reino de Portugal, em 20 de Maio de 1801, por tropas espanholas sob o comando de Manuel Godoy, as quais rapidamente conquistaram as praças de Olivença, Juromenha e outras no Alto Alentejo.
Como na luta contra a Inglaterra, Portugal recusou juntar-se à França, que tinha Espanha como aliada, estes dois países pretenderam conquistar o território português. Após as guerras napoleônicas, realizou-se o Congresso de Viena, onde não foi reconhecido internacionalmente o domínio espanhol de Olivença e foram reforçados os direitos de Portugal. Espanha assinou o tratado de devolução, mas, nunca cumpriu o acordo até os dias de hoje.
Atualmente, Olivença é administrada por Espanha, ainda que Portugal não reconheça a soberania espanhola sobre a cidade. A questão de Olivença ainda se mantém, porém, apesar dessa discórdia, as relações entre os dois países são boas.
Fruto dos dois séculos de administração espanhola e isolamento do resto de Portugal, o português oliventino já é quase uma língua morta, por sinal; os jovens não o falam mais, restando apenas alguns idosos e poucos outros que lutam pela sua preservação. O português deixou de ser a língua da população a partir da década de 1940, num processo acelerado pela política de castelhanização implementada pela Espanha.
Vindo para o Brasil, designado para servir em Natal, o alferes Onofre José da Silva constituiu família, casando-se com a paraibana, natural de Mamanguape, Inês Cipriana Geralda de Andrade (V. Câmara Cascudo, “O Livro das Velhas Figuras”, vol I, 1974, p. 91). Por haver participado das lutas pós-independência, o jovem militar teve que voltar ao seu país de origem, onde se envolveu na guerra travada entre constitucionalistas liberais e absolutistas, tomando o partido de D. Miguel.
Em Natal um filho seu, Manuel Onofre de Andrade, viria a se casar com a natalense Francisca Benvenuta de Borja. Um dos filhos do casal, João Onofre Pinheiro de Andrade, tornou-se professor e terminou por exercer o seu oficio, durante longos anos, na cidade de Martins (RN), onde casou-se com Agostinha de Souza e tiveram vários filhos.
Martins é sede de um município situado na mesorregião do Oeste Potiguar, a uma distância de quase 400 quilômetros de Natal. Com uma área territorial de 169 quilômetros quadrados, sua população, no censo de 2010 ,era de 8 228 habitantes, de acordo com o IBGE.
O município emancipou-se de Portalegre em 1841, com a denominação de Maioridade, em alusão à Maioridade do Imperador Pedro II, ocorrida no ano anterior. Seis anos depois, o nome foi alterado para Imperatriz, homenagem a D. Teresa Cristina de Bourbon-Duas Sicílias, esposa de D. Pedro II e imperatriz do Brasil por quase meio século, desde 1843 até a queda do regime monárquico, em 1889. Através da lei provincial n° 35, sancionada pelo governador Pedro Velho de Albuquerque Maranhão, em 7 de julho de 1890, “Imperatriz” passa a ser denominado de “Martins”, em referência a Francisco Martins Roriz, fundador de uma fazenda, origem da cidade, e construtor da capela de Nossa Senhora da Conceição, hoje igreja do Rosário.
Localizada a uma altitude de 740 metros em relação ao nível do mar, Martins recebe as alcunhas de Princesa Serrana e Campos do Jordão do Rio Grande do Norte, devido ao seu clima considerado agradável, em contraste com o clima semiárido das vizinhanças, podendo chegar a 15 °C nos meses mais frios.
Um dos principais destinos turísticos do interior potiguar, Martins se destaca no turismo de aventura, abrigando a segunda maior caverna de mármore do país, a Casa de Pedra, com 100 metros de comprimento. No ramo cultural destacam-se, um festival gastronômico, dois museus e a festa da padroeira, Nossa Senhora da Conceição, realizada a partir do final de dezembro, estendendo-se até o início de janeiro; merece menção, também, a Academia de Letras e Artes de Martins (ALAM) e a Casa de Cultura “José Câmara”.
O escritor Manoel Onofre Júnior, acabou de publicar o livro “Os Onofres – de Portugal Para o Brasil” (8 Editora, 2018) que resume a trajetória de três integrantes da família: Onofre José da Silva, o pioneiro, proveniente de Olivença, Portugal; Manuel Onofre de Andrade, que foi tipógrafo e ator, em Natal, encenando peças ao lado do poeta Lourival Açucena; e por fim, João Onofre Pinheiro de Andrade, conhecido como Professor Onofre.
As cidades de Olivença e Martins, dessa forma se unem, através do tempo e do espaço, pela ligação familiar entre o alferes, depois tenente oliventino e o professor, martinense adotivo.
“Esquece todos os poemas que fizeste/
Que cada poema seja o número um”
Mário Quintana.
Freud disse, certa vez: “Seja qual for o caminho que eu escolher, um poeta/romancista já passou por ele antes de mim”. O pai da psicanálise não criou apenas uma bela frase, ele defendia os escritores criativos em geral, e enfatizava que eles tinham acesso a fontes que ele próprio ainda desconhecia, pois ainda não eram acessíveis à ciência. Segundo Freud, ficcionistas e poetas sabiam, muito antes dele, todos os modos possíveis do funcionamento mental.
Retomamos essa famosa citação de Freud depois de ter lido o novo livro do poeta Marcos Campos, “Babel” (Caravela Selo Editorial, 2018). O universo poético de Marcos Campos projeta-se em dimensões variadas, destacando-se sobretudo a sua capacidade de criação e de inovação ao trabalhar com a palavra. Ora, sabemos que a criatividade revolucionária nos versos, vem desde o movimento modernista: a poesia é livre, qualquer um pode escrever um poema, o que torna a poesia um gênero diversificado e democrático por excelência.
Marcos Campos faz parte de um amplo cenário que chamamos de poesia potiguar contemporânea, o qual tem apresentando diversos estilos e facetas. Para exemplificar, citamos alguns nomes, em destaque cada um à sua maneira, trabalhando com versos: Maria Maria Gomes, Jeanne Araújo, João Andrade, Leocy Saraiva, Ada Lima, Wescley J. Gama, Iara Maria Carvalho, Regina Azevedo, Victor Oliveira, Ayrton Senna e alguns outros poetas que transmitem sua mensagem de maneira diversificada, versificando, digamos assim, da forma mais variada possível, o que é perfeitamente compreensível, tendo em vista a revolução que o modernismo causou na poesia brasileira.
Recentemente, tivemos o lançamento de obras minimalistas de José de Castro, Lívio Oliveira e Jarbas Martins. Outros poetas, da nova geração têm feito tentativas e experiências com a palavra. Por exemplo, Marcelo de Cristo, cujos versos aparentam ser simples, mas, na verdade, são elementos de uma elaborada pintura poética.
Marcos Campos canta nos seus poemas um forte anseio pela plenitude da criação artística. Em algumas passagens, o eu lírico revela preocupação quanto ao sentido filosófico da existência e demonstra a capacidade de transformação do bruto e doloroso em algo bucólico e suave. Em outras passagens, a liberdade e esplendor nas palavras, que adquirem transcendência, uma totalidade existencial do ser poeta. O eu-lírico nos faz crer que não basta trazer a síntese do que é abstrato e/ou concreto, e sim transformá-la em poesia.
Outro ponto interessante na sua poesia é a ousadia, tranquila e precisa com que desliza pelas fronteiras das palavras. Dessa maneira nos oferece uma poesia competente, sobretudo antenada com a modernidade, um texto claro, fácil de compreender, mas também poeticamente denso, reflexivo, e bastante intrigante, e porque não dizer, em alguns momentos, vanguardista. Alinhado às modernas correntes estéticas, Marcos Campos demorou certo tempo para estrear em livro, mas sempre se destacou ganhando concursos de poesia em várias partes do país.
A leitura de “Babel” é uma acolhedora exploração sonora e visual das palavras e das formas poéticas. Os versos são extensos e ricos em gamas temáticas e revelam um virtuosismo técnico que resulta de obstinada atividade criativa. A maneira de o poeta versar sobre a existência, o cotidiano, as pessoas, é de uma sensibilidade criadora em sintonia com a realidade física, com uma matéria-prima trabalhada – a palavra, – num processo de seleção e arrumação vocabular e vasta exploração de significados.
Notoriamente a palavra Babel, nos remete à antiga história da mistura de línguas, narrada no Antigo Testamento. A Torre de Babel, mencionada no Livro do Gênesis da Bíblia, teria sido construída por descendentes de Noé após o Dilúvio. Para os judeus adquiriu o significado de “confusão” como está descrito no livro do Gênesis. Moisés teria derivado o nome Babel, em hebraico Bavél, da raiz do verbo ba.lál, que significa “confundir”.
“Babel” compõe-se de múltiplas experiências com a palavra, que vão desde trovas, tercetos, poetrix e haicais, a poemas livres e gráficos experimentais. Nos seus poemas mantém a expressão de um lirismo atinado, contêm-se nos limites do equilíbrio e da harmonia. A tentativa de inovar está presente na própria ideia de misturar línguas, justificando o nome do livro. Devemos destacar também que muitos dos poemas incluídos no livro já foram premiados em concursos nacionais.
Marcos Campos estreou na poesia, com “Um Bêbado Sonhador”; embora esse titules, em nossa opinião, não seja muito acertado, foi uma excelente estreia, muito elogiada, pelos experientes poetas Anchieta Fernandes e Jarbas Martins, dentre outros nomes. Eu, particularmente, achei o livro muitíssimo interessante, rico visualmente, liricamente, e de amplo valor literário. O próprio editor do livro José Correia, da Editora Caravela, notou a virtude lírica do poeta e fez uma edição diferenciada para o mercado livreiro.
Marcos Campos veio para marcar presença em nossa literatura. Afora do livro citado, organizou a obra “Pipa”, reunindo a poesia de João Bosco Campos, “Coletâneas pelo País”, e colabora em revistas literárias nacionais, além, de ter participado da coletânea “Terra Brasilis”, reunião de textos de autores potiguares, lançados na Feira Internacional do Livro de Havana em 2017.
Marcos Campos é membro do Instituto Histórico e Geográfico do Rio Grande do Norte, da UBE/RN, e da SPVA-RN, participa ativamente da cena literária potiguar contemporânea.
Podemos destacar ainda, de modo especial, em, “Babel” o caráter visual de alguns poemas, que representam uma expansão no alcance da imagem poética: além de ser lida a poesia necessita ser vista. Em outros poemas o autor volta a sua atenção para o fazer poético e para várias concepções sobre o seu oficio. Ai enxergamos a função eficaz da metalinguística.
O livro “Babel” faz justiça à famosa frase de Jorge Luís Borges, segundo a qual “cada palavra é uma obra poética”.
Na história da literatura norte-rio-grandense, poucas obras de ficção, sobretudo na área do conto, obtiveram êxito de crítica e de público como o livro Chão dos Simples, do escritor Manoel Onofre Jr. Publicado pela Editora Clima originalmente em 1983, portanto, há 35 anos, a primeira e única obra do autor na área ficcional chega a sua quarta edição agora em novembro pela Editora Bagaço, de Recife.
Se porventura alguém acha que Chão dos Simples teve uma modesta recepção à época em que foi lançado, pelo menos da parte do público, vale destacar que a crítica foi bastante receptiva, e escritores do porte de Anchieta Fernandes, Nelson Patriota e Veríssimo de Melo enalteceram o valor dos contos, que foram ganhando cada vez mais leitores com o passar dos anos; basta observar a fortuna crítica do livro, a qual informa que o mesmo foi trabalhado em sala de aula à época da sua primeira edição pela poeta e professora Anchella Monte, uma das grandes fãs do livro.
Interessante notar, como já dissemos, que Chão dos Simples, com o passar do tempo, foi se enraizando, ou melhor, mantendo-se dentro da nossa tradição literária com bastante fõlego, e surgiu em segunda edição (1998), portanto quinze anos depois do seu lançamento, com um novo apelo, principalmente por outro motivo nobre: ter vários dos seus contos adaptados para o teatro pelo talentoso ator e teatrólogo Lenício Queiroga, dando origem a Chão dos Simples – A Peça.
Assim ganhava novamente jovens leitores, continuando a receber elogios, como por exemplo, o do crítico literário paraibano Hildeberto Barbosa Filho, que escreveu, na ocasião, artigo para o jornal “O Norte” de João Pessoa-PB, do qual destacamos o seguinte trecho:
“A maneira de narrar, em Manoel Onofre Jr., é linear, novelesca. Estribado no modelo clássico do narrador oral, o escritor tende a modular, com o jeito à vontade de Trancoso, ou mesmo dos contistas célebres dos séculos XIV e XV, como Boccaccio e a Rainha de Navarra o movimento da ação, pondo em pauta principalmente o acontecimento-surpresa, o episódio inesperado, o que faz rir ou chorar, não importa, sempre, contudo, consciente dos poderes sugestivos das experiências vividas. O estilo, por sua vez, se caracteriza: primeiro, pela precisão vocabular, entrevista sobretudo na recuperação de ditos e falares regionais que imprimem à frase aquele sabor típico de água de cacimba; segundo, pela clareza, concisão e habilidade no recorte verbal”.
Com duas edições bem sucedidas no Estado, passaram-se vários anos, até que em 2014, movido sobretudo por um apelo da nova geração de leitores, o autor acerta em cheio ao atender o convite da editora Sarau das Letras para fazer uma nova edição, dessa vez revista e ampliada. Edição luxuosa e com capa dura, novamente tem êxito de modo especial junto à juventude das escolas, mostrando que não perdeu o fôlego com o passar do tempo e deixa a nova geração encantada, de modo especial com a maneira de contar histórias, em linguagem simples, despojada, no mesmo nível de outro grande contista potiguar, Bartolomeu Correia de Melo.
Finalmente, em 2018, Chão dos Simples chega a sua quarta edição, por uma editora de renome em todo o Nordeste, a Bagaço, que publica escritores de todo o Brasil. E o livro é relançado num momento oportuno, pois tem obtido cada vez mais espaço na área acadêmica, seja no Mestrado e agora no Doutorado. Chão dos Simples também teve alguns dos contos adaptados para o cinema através do escritor e cineasta Edson Soares em parceria com o roteirista Rui Lopes, projeto que está em andamento.
Chão dos Simples foi tomado como livro de leitura , em disciplina do Mestrado na UFRN; vários dos seus contos amplamente discutidos, tornaram-se objeto de estudo, em uma dissertação da Profª Simara Ribeiro, orientada pelo professor Dr. Derivaldo dos Santos. É interessante observar como a obra vem ganhando novos leitores e consequentemente novos estudos, artigos, ensaios, sobretudo entre a nova geração. E voltamos a afirmar o que já havíamos notado no prefácio da terceira edição: O livro Chão dos Simples, que está completando 35 anos de lançamento, continua atemporal e moderno.
O Rio Grande do Norte sempre teve, em passagens significativas da sua história, mulheres notáveis; basta citarmos, como exemplos, Clara Camarão, esposa do índio Poti, primeira de que temos registro, a pegar em armas para defender sua terra da invasão holandesa; Celina Guimarães Viana, primeira mulher eleitora do Brasil e da América Latina; Alzira Soriano, primeira prefeita no Brasil; Maria do Céu Fernandes, primeira deputada estadual do RN; Lucy Garcia Maia, primeira aviadora do Nordeste; Ademilde Fonseca, primeira intérprete de letras de chorinho; Maria Gomes de Oliveira, primeira reitora de universidade pública do Brasil; Myriam Coeli, primeira jornalista diplomada…
O denominado movimento feminista nacional começa pioneiramente com a potiguar Nísia Floresta Brasileira Augusta (1810-1885), pseudônimo de Dionísia Gonçalves Pinto, nascida em Papari (hoje Nísia Floresta). Nísia Floresta lançou em 1832 seu primeiro livro, Direitos das Mulheres e Injustiças dos Homens (publicado quando ela tinha apenas 22 anos de idade, trazia estampada em sua capa, a informação de que se tratava de uma tradução livre de Vindications of the Rights of Woman, da escritora inglesa Mary Wollstonecraft).
Porém, nenhuma outra mulher potiguar, até meados do século XX, ganharia tanto prestigio e notoriedade na sociedade natalense, sobretudo pelo engajamento nas lutas feministas e na literatura, como Palmyra Wanderley (1894-1978). Palmyra, ainda muito jovem, começou a escrever poemas, publicando seu primeiro livro Esmeraldas, em 1918. Esmeraldas, embora com forte influência romântica, obteve relativo sucesso de público e de critica no Estado. Palmyra foi também uma espécie de agitadora cultural no seu tempo; participava ativamente da vida literária na capital, inclusive, com muitos trabalhos voltados ao engajamento social, inventando campanhas e contribuindo para ajudar instituições e pessoas carentes.
Em 1914, Palmyra idealizou, organizou e dirigiu, juntamente com sua prima, Carolina Wanderley, uma revista feminina pioneira, “Via Láctea”, periódico que circulou até 1915 e trazia colaborações de mulheres escritoras do Estado. Nessa revista, bradavam seu grito de liberdade contra a sociedade machista e opressora da época. O órgão literário, daria impulso significativo à carreira da jovem poeta que, como já dissemos, publicou o seu primeiro livro de poemas em 1918, e daria inicio a uma longa produção literária, num curto espaço de tempo.
Nos anos 20, Palmyra começa a escrever crônicas no jornal A República, divulgando ideias feministas. Além de ser incentivadora desses conceitos, orientava e aconselhava suas leitoras sobre a importância de ler bons livros, indispensáveis à formação intelectual e moral da mulher. Questões essas que estavam em processo de formação na província, e ganhariam ânimo após a vinda de Bertha Lutz (ativista do feminismo, bióloga e política brasileira) a Natal em meados dos anos 20.
Em 1922, publicou-se a primeira antologia poética do Rio Grande do Norte, organizada por Ezequiel Wanderley, dela constando 108 escritores. Doze mulheres, fazem parte da seleção, dentre estas, Nísia Floresta, Auta de Souza, Palmyra Wanderley, Anna Lima e Adelle de Oliveira. Palmyra também colaborou com a “Cigarra” (1928-1929), revista que documentou uma das fases mais movimentadas da vida intelectual da cidade.
Todavia, é no ano de 1929, ao publicar Roseira Brava, que Palmyra Wanderley dá um salto em sua carreira literária, consagrando-se como uma das principais poetas do país. Inclusive ganhando menção honrosa da Academia Brasileira de Letras, em 1930. Palmyra vivia o seu auge como escritora, sendo lida e badalada no meio literário de Natal e estados vizinhos.
Roseira Brava, teve capa de Adriel Lopes, poeta e ilustrador, considerado por muitos o primeiro capista do Estado. O livro foi lançado também no Recife tendo boa repercussão e recebeu muitos elogios da imprensa e da critica nacional, como, por exemplo, em artigos de Andrade Muricy, Tristão de Athayde, Agripino Griecco e João Ribeiro.
Palmyra se tornaria uma espécie de poeta oficial da cidade, e constantemente publicava seus versos em diversos periódicos, A República, A Ordem, Folha da Tarde, Diário de Natal, Tribuna do Norte, além de pronunciar conferências sobre Auta de Souza e sobre a condição feminina, atuando juntamente com sua prima Carolina Wanderley. Em 1936 a duas se consagrariam ao entrar pioneiramente para a Academia Norte-rio-grandense de Letras, Palmyra escolhendo como patrona Auta de Souza.
A escritora natalense era estrela de primeira grandeza à época. Embora não tenha, no nosso ponto de vista, incorporado o discurso feminista à poesia, fez com que seus versos também pudessem ser estudados sob a perspectiva de gênero, dada a forma como se impôs na sociedade machista e conservadora em que vivia.
No dia 19 de novembro de 1978, há exatos quarenta anos nos deixava a poeta nascida em 06 de Agosto de 1899, filha do Juiz Celestino Carlos Wanderley e de Ana Guimarães Wanderley. Faleceu, lamentavelmente, sozinha e esquecida na mesma cidade em que nasceu.
É lugar comum dizer que ela é um dos maiores nomes da poesia norte-rio-grandense. Tendo publicado apenas dois livros, deixou muita coisa inédita, versos, crônicas, teatro, conferências e novelas. Mulher antenada ao seu tempo, percebeu toda a movimentação na sua cidade e produziu bastante, inclusive muito material de circunstância, o que talvez tenha deixado sua obra poética irregular; todavia, é notório que ela foi bastante louvada em seu auge, não apenas no Rio Grande do Norte, mas também, como já dissemos, teve seu valor reconhecido em outros estados, como Pernambuco e Paraíba.
Os escritores, Humberto Hermenegildo de Araújo e João Maria Paiva Palhano, pesquisadores que dispensam apresentação, acabam de prestar uma justa homenagem à poeta natalense, com a obra Palmyra Warderley – Entre Trinta Botões de Uma Roseira Brava : Estudo crítico e seleção de poemas. ( EDUFRN, 2018)
Num criterioso estudo, revelam-se novos e interessantes aspectos da obra em foco. Os pesquisadores se aprofundaram numa análise crítica, desnudando um dos livros de poemas mais famosos do Estado, e oferecem ao leitor uma verdadeira incursão pela poética de Pamyra, com alguns poemas selecionados junto ao ensaio critico.
Palmyra Warderley – Entre Trinta Botões de Uma Roseira Brava contém prefácio da poeta e escritora Diva Cunha, acompanhado de um texto dos pesquisadores com esclarecimentos sobre o trabalho, justificando a escolha do tema e a seleção de poemas, além de um artigo da professora e pesquisadora Marilia Gonsalves Borges Silveira, seguido de um amplo estudo, de Araújo e Palhano, denominado “Uma Trama de Muitos Fios”. A seleta dos poemas está dividida em quatro partes: “Botões de Sol e de Espuma”, “Botões Entre Tercetos e Quartetos”, “Botões Entre Suspiros”, e por último, “Botões de Sempre e de Neblina”.
Situando-se entre a tradição de Auta de Souza e a modernidade de Jorge Fernandes, Roseira Brava faz de Palmyra uma espécie de poeta de transição, o que é admitido pelos pesquisadores, ao constatarem, no estudo, numa perspectiva historiográfica, que a obra de Palmyra condensa os dois grandes movimentos da nossa poesia na terceira década do século passado.
Palmyra Warderley – Entre Trinta Botões de Uma Roseira Brava : Estudo crítico e seleção de poemas homenageia a poeta natalense nos quarenta anos de sua morte, e a coloca no patamar que merece, proporcionando sobretudo para a nova geração a possibilidade de conhecer a importância e o valor de Palmyra Wanderley, denominada por Agripino Griego de a Cigarra dos Trópicos.
Ficcionista criativo, Márcio Benjamim é uma das boas revelações da nossa literatura neste início de novo milênio. Natalense, advogado, em meio aos papeis e a burocracia diária, o que mais ama é contar histórias. Escrever, sobretudo ficção. Vale dizer que Benjamim também é dramaturgo e escreveu algumas peças: “Hippie-Drive”, “Flores de Plástico” e “Ultraje”.
Estreou oficialmente na literatura em 2012, com o livro Maldito Sertão, publicado pela Editora Jovens Escribas. Sobre Maldito Sertão tivemos oportunidade de escrever, na época do seu lançamento, uma resenha, da qual extraímos os seguintes trechos:
O livro do escritor Márcio Benjamim, “Maldito Sertão” é um mundo, um universo onde se misturam mito, ficção, poesia e linguagem regionalista. É uma viagem, uma incursão pelas estórias da nossa região. Poucos os contistas potiguares que tratam deste tema com propriedade. Afonso Bezerra, Manoel Onofre Júnior, Bartolomeu Correia de Melo e Clauder Arcanjo são alguns dos nomes da lista de escritores que o abordam.
Nos contos notamos espaços existenciais, vivos, personificados, verdadeiramente regionais, além de um vasto universo folclórico, repleto de vida e imaginação, brotando assim os mais diversos sentimentos como o riso, o medo, a dúvida, angústias, esperanças, desilusões, o bem e o mal, e as tensões entre o homem, o sertão e o mundo, numa síntese onde tudo se transforma em linguagem.
O sertão é uma vasta (e indefinida) área do nosso país, que abrange boa parte dos Estados do Nordeste. Esta caracterização corrente de sertão é tida como a de uma área despovoada ou escassamente habitada, quase deserta. Qualquer tentativa de definição ou delimitação do sertão ou dos sertões implica não só uma explicação geográfica, mas, sobretudo, uma compreensão histórica e social.
Os causos do livro Maldito Sertão expressam um complexo de elementos fundamentais que valem nas relações humanas e sociais do país e as perpassam historicamente. Embora seu objeto de representação seja um ambiente determinado – o sertão – o autor recria, reinventa e localiza o sertão em uma realidade mais ampla, mais rica de significados folclóricos e culturais em narrativas fantásticas.
Neste livro, o sertão é um universo registrado como mítico, ativo e interativo, num ambiente natural e cultural, onde a figura do sertanejo salta aos nossos olhos em cada narrativa, em cada estória. Existe, nesse sentido, uma ponte de ligação, de transcendência entre o regional sertanejo e o universal humano na obra de Márcio Benjamim, que se dá no campo da linguagem, destacando-se nos relatos fabulosos. A linguagem constitui assim um aspecto rico, amplo, que nos traz de volta a vida no interior, as falas sertanejas, as angústias, os medos, as felicidades, as descobertas, os encontros e os desencontros humanos em temáticas universais.
E é no trato desta realidade sertaneja que destacamos uma grande síntese, uma capacidade de contar estórias em poucas palavras, mas com riqueza de léxico. Além disto, o fato de que as dimensões sociopolíticas e culturais do sertão extrapolam seus limites, tornando-se universais, apontando para uma tendência histórica posterior a esse momento.
No Maldito Sertão o homem se vê reduzido a um mero coadjuvante, onde o sertão é o principal personagem, um belo e imenso palco de estórias; ai se destacam o lado ficcional, o mítico e a exploração dos recursos da linguagem que adquirem contornos poéticos a cada nova estória.
Maldito Sertão também foi adaptado para os quadrinhos em 2016 e foi lançado na FLIQ – Feira de Livros e Quadrinhos de Natal, em nova roupagem e com linguagem adaptada para os quadrinhos, recontando histórias de personagens míticos como o lobisomem, a mula-sem-cabeça, o papa-figo, a caipora, além das lendas aterrorizantes da região.
Márcio Benjamim participou das antologias de contos ”Noctâmbulos” e “Caminho do Medo”.
Em 2016, lançou “Fome”, romance que concorreu ao Prêmio da Biblioteca Nacional como melhor Romance Juvenil de 2016. Benjamim foi convidado pela Universidade de Sorbonne, e expôs seu trabalho em Paris, na referida universidade, e participou também do Salão do Livro na capital francesa.
Em 2017, teve um dos contos do Maldito Sertão, intitulado “Casa de Fazenda”, traduzido para o espanhol, integrando a coletânea “Literatura Brasilis”, lançada na XXVI Feira do Livro em Havana, Cuba.
Em 2015, o entrevistamos para o livro “Impressões-Digitais- Escritores Potiguares Contemporâneos”, vol. III, e destacamos a seguir alguns trechos:
MÁRCIO BENJAMIM – Meu pai é militar da Aeronáutica e muitas vezes fui com ele à Base, no caso ao CATRE, em Parnamirim, e passei inúmeras tardes na biblioteca por falta de colegas da mesma idade para brincar, e lá tive contato com grandes livros e autores: Meu pé de laranja lima, O menino do dedo verde, Erêndira e sua avó desalmada, quando me apaixonei por Garcia Márquez, os quadrinhos do Recruta Zero e do Asterix! Eu adorava também uma coleção sobre as civilizações antigas, toda ilustrada. Do cheiro daqueles livros e a tranquilidade da biblioteca eu me lembro com muita força.
Em casa eu também lia muito por influência dos meus pais. É como me disse uma amiga minha, que é mãe: para a criança não adianta orientar, você tem que ser o exemplo. Inicialmente lia muito quadrinhos da Turma da Mônica, mas depois fui me encantando pelos livros mesmo, todos os de Pedro Bandeira e a Coleção Vagalume foram sempre presentes.
Também me lembro com muito prazer das Vinte Mil Léguas Submarinas de Júlio Verne, fiquei encantado com a fluidez da leitura, considerando o tamanho daquele livro! Dava pra encostar uma porta tranquilamente! (risos).
No começo da adolescência descobri esse meu amor antigo de hoje, que é Stephen King, talvez a minha maior influência. Lembro perfeitamente bem que aos treze anos pedi de presente de Natal três livros dele: O Cemitério, Sombras da Noite e A Metade Negra. Não sei como minha mãe não me internou (risos).
Desses, principalmente “Sombras da noite”, é um livro fabuloso, de contos, que me influencia muito até hoje. O seu prefácio é uma verdadeira lição de escrita de terror e vez por outra me pego lendo-o novamente. Quem sabe um dia aprendo?
Gostei tanto do estilo dele que acabei comprando vários outros livros e descobri que era um gênio também em outros estilos que não o terror.
Depois fui me encantando por Érico Veríssimo e Luis Fernando Veríssimo, até porque na época comecei a fazer teatro na escola e montamos uma adaptação das “Comédias da Vida Privada”. Foi por meio do teatro que passei a descobrir os nossos autores teatrais (Nelson Rodrigues, Plínio Marcos…) e também fui me interessando também pela dramaturgia mundial, aí veio Tchecov, Ionesco, Tennessee Williams, e toda uma profusão de outros gênios.
Depois mantive um blog (www.umanjopornografico.blogspot.com), que hoje anda meio parado, mas serviu para conhecer um mói de gente do Brasil todo, grandes escritores, e firmar amizades que tenho até hoje. Serviu também para apurar meu estilo e ouvir críticas construtivas sobre o meu trabalho, as quais ainda me servem muito. Fizemos até um blog interativo (Revista Engrenagem) no qual postávamos com regularidade textos criados a partir de temas sugeridos.
E foi também na época do blog que através de um elogio de uma grande amiga, e grande poetisa e grande escritora, Rosângela Azeredo, que eu conheci o trabalho do Cortazar, e até hoje a cada dia morro um pouco de pura inveja.
Já no final da adolescência tive outro vício chamado Caio Fernando Abreu, bem antes dele virar celebridade literária do facebook (risos) e aprendi que você pode escrever divinamente sem ser prolixo. Ainda não escrevo divinamente, mas pelo menos deixei de ser prolixo! (risos)
MÁRCIO BENJAMIM – É um apaixonado por terror e, consequentemente, pelo seu trabalho. Irremediavelmente viciado em leitura, ele quer acreditar que vai escrever até o fim dos seus dias. Pelo menos é o que diz aquele senhor de preto que lhe aparece em sonho.
O mestre Mário Quintana, disse, certa vez: “Esquece todos os poemas que fizeste/Que cada poema seja o número um”. Compreendemos através dos versos do genial poeta gaúcho a sugestão de criar, de se surpreender, de se espantar com novos versos. Rememoramos Quintana após termos lido os poemas de R. Leontino Filho em “Anatomia do Ócio” (ARC Edições, 2018) percebendo bem o imenso potencial de criação, o poder intrigante e transformador da poesia. Seja pela mobilização da fantasia, seja para aliviar uma dor, pelo prazer da leitura ou até mesmo para desvendar os homens a poesia, nos deixar nus diante da existência; é uma arte essencial ao ser humano e, como tal, revela muito do que somos e como somos hoje e sempre.
Essas virtudes encontram-se nos poemas do livro de Leontino. A multiplicidade de temas, o acentuado detalhe de construção dos versos demonstram, algumas vezes, as inúmeras possibilidades a que um poema pode nos levar. Como, por exemplo, uma viagem pelo tempo e pela memória, no poema FEITO PRECE.
Toda infância é grandeza
muito laço apertado
p´ra mover um pouco
os perigos do mundo.
Cada infância é um pouco
dessa epopeia cansada
no muito habitar os rigores
graúdos da poesia.
(…)
Em seus versos Leontino resgata um pouco da infância, que fica dentro de cada um de nós; e por vezes, parece nos levar a uma reflexão sobre essa infinita busca intima.
Embora seja clichê, citamos a propósito, outro gênio, Fernando Pessoa, que registrou em um dos seus mais famosos versos: “… O poeta é um fingidor/Finge tão completamente/que chega a fingir que é dor/a dor que deveras sente…”
Eu, e você, caro leitor, temos certeza de que o grande poeta português não poderia estar mais certo. Vejamos um trecho de um dos poemas de Leontino:
NÁUGRAFO
a dor resiste
em rúinas
imutável
a dor encobre
em cartas
indiferente
a dor recua
em fronteira
sequiosa
a dor desconhece
em farsas
soturna
a dor aprisiona
em derrotas
frágil
.(…)
Lendo trechos desse poema sentimos a dor do eu lírico, ao mesmo tempo que questionamos a nossa própria dor e nos identificamos com ela.
Também é importante dizer que ler R. Leontino Filho nos fez relembrar uma frase dita por Umberto Eco, que definiu o efeito poético como a capacidade que um texto oferece de continuar a gerar diferentes leituras, sem nunca se consumir de todo. Esta é a sensação causada pela leitura de “Anatomia do Ócio”, onde o signo verbal se transforma a cada nova leitura.
Bachelard, filósofo e poeta francês disse em uma das suas obras que a poesia sob sua forma simples, natural, primitiva, longe de qualquer ambição estética, de qualquer metafísica, seria uma espécie de alegria do sopro, uma evidente felicidade de respirar. Eis que o leitor encontra este sopro poético nos versos do livro em foco.
A poesia de Leontino navega entre diferentes temáticas: memória, erotismo, outras imagéticas, dentro de seu campo de visão e interpretação interior. Algumas vezes, metafísica, em certos momentos com versos mais longos; outras vezes, sucinta, muitas vezes clara, outras mais enigmática e ainda, outras vezes, de difícil interpretação. Com frequência, o poeta é direto. mas, não raro, precisamos de uma chave para desvendar o seu poema.
A escritora portuguesa Rita Ferro disse, certa vez. “A filosofia é fascinante, mas a poesia, com menos papel, faz as mesmas perguntas”. “Anatomia do Ócio”, navega por esse mesmo caminho; sentimos isso sobretudo quando lemos poemas como PARTIDA INTEIRA, FIO, DE (NÃO) PODER SER PALAVRA, dentre outros.
Saudamos a volta do poeta em grande estilo, e deixamos para os leitores um trecho de A TOADA DO NAVEGANTE, (página 63 do livro), concordando com o que disse Rita Ferro:
Pequeno é o mar
para uma vida tão curta.
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