Em um período que estamos todos necessitando de cuidados especiais contra uma pandemia, é provável que assistir a bons filmes durante o tempo a mais em casa seja uma das melhores saídas. Pensando nisso e partindo primeiramente da Netflix, preparamos uma lista com filmes de gêneros variados, mas sem pensar exatamente em uma espécie de melhores filmes do catálogo. A ideia é indicar filmes bacanas para muitos gostos diferentes, tanto para assistir quanto para reassistir.
Sem mais demora e, como sempre, dentro de uma abordagem sem verdades absolutas, vamos à lista de 10 filmes para assistir na Netflix durante a quarentena – a disposição só não é aleatória porque está em ordem alfabética (desconsiderando os artigos).
O cinema argentino tem produzido filmes relevantes ano após ano (desde muito tempo). E, felizmente, não está restrito a Ricardo Darín. O ator, que encabeçou aquele que, para muitos (entre os quais me incluo), é o melhor filme do seu país em muitos anos (O Segredo dos Seus Olhos, de 2009) e é sinônimo de talento e, acima de tudo, competência, parece ter “somente” aberto alas em um novo período para nossos hermanos. Se, em 1986, A História Oficial (1985) já havia recebido um Oscar, foi com a mais fácil difusão das produções (especialmente com o advento da internet e, mais recentemente, dos streamings) que houve uma merecida repercussão e grande reconhecimento público.
O Cidadão Ilustre trata de inspiração e criação como poucos filmes conseguem. De uma sutileza sem tamanho ao tratar o comportamento de um escritor com muito humor, o filme ainda consegue revelar os abismos culturais que cercam nossas vidas… ainda mais em um mundo globalizado. No fim, a maneira como discorre sobre as diferenças entre realidade e ficção é das mais originais do cinema e, se fosse somente esse encerramento, ainda assim mereceria ser visto.
Um Contratempo parece beber de algumas das melhores fontes que retratam crimes perfeitos, como o Alfred Hitchcock e Agatha Christie, além de ter uma evolução progressiva que traz muito dos melhores suspenses de Brian De Palma e uma dinamicidade fácil que se assemelha aos bons textos de Sidney Sheldon.
É um filme construído com muita racionalidade, amarrado com cuidado e tem uma tensão crescente constante. Cheio de reviravoltas, o filme espanhol do diretor Oriol Paulo, conscientemente, engana, reengana e engana novamente. Ele faz o coração do espectador acelerar e, sabiamente, tem uma leve despretensão, no sentido de que precisa que o público deixe de lado o que tem como verdades possíveis e aceite se submeter a uma história construída para entreter.
Como finalizei a crítica sobre o ele: É um filme excepcional, que depende, sim, do grau de aceitação de quem estiver o assistindo. Pode ser, também, um exercício cardíaco bem interessante, porque, aceitando-o, o coração vai acelerar. E vai ser sem piedade.
Se o subgênero filme-de-tubarão sempre merece uma atenção em listas despretensiosas nas questões qualitativas, esse filme tem o direito de ser redescoberto. Nada é muito diferente ou novo, mas são tubarões com os cérebros vitaminados, mais inteligentes e espertos, que antagonizam esse filme de Renny Harlin.
Por mais que Harlin seja um nome pouco conhecido no meio mainstream, já foi festejado por amantes do terror com filmes razoavelmente bem sucedidos como A Hora do Pesadelo 4: O Mestre dos Sonhos (1988) e Condenação do Além (1987). Aqui, o diretor faz com que a história morna e os personagens caricatos – como o herói Carter Blake (Thomas Jane) – sejam contornados por um processo imponente. Tudo é engrandecido: das expressões e reações overs do protagonista ao alívio cômico sem noção do cozinheiro Preacher (LL Cool J).
Do Fundo do Mar é, essencialmente, uma grande sequência de ação, com cenas sem sutilezas estéticas executadas uma após a outra e com todas as situações comuns de filmes do tipo, com criaturas perseguindo as pessoas dentro de um ambiente fechado. Seja Alien, o Oitavo Passageiro (de Ridley Scott, 1979) ou até Tentáculos (de Stephen Sommers, 1998), encontram eco nesse filme curioso.
Um bilionário forja a própria morte e, a partir de então, torna-se um fantasma para o mundo. Reunindo uma equipe de profissionais tão invisíveis para o sistema quanto ele, parte para a missão de derrubar um ditador em um país ao leste. Esse país fictício, o Turgistão, funciona como uma fusão de países reais que supostamente esperam pela libertação (a salvação americana diluída em uma equipe aparentemente cosmopolita). E não importa o nome do lugar – nem mesmo para algum personagem que não consegue pronunciá-lo –, o que importa é cumprir a missão, a meta.
Em Esquadrão 6, o que menos importa é a política envolvida. A força da linguagem literalmente explosiva de Michael Bay está em conseguir retirar toda a atenção do tema, fazendo do resultado uma espécie de transtorno do déficit de atenção com hiperatividade (TDAH) para todos – apostando na força estética – e insere a hiperatividade como ferramenta-chave. Assim, uma mãe-figurante com um bebê no colo e dois cachorrinhos ganham mais destaque – claro que para fazer comédia – do que os tantos que poderiam morrer com a ameaça de gás sarin exposta pelo roteiro.
Trata-se de um filme completamente ligado na ação e desligado do planeta (como seu diretor). Pode ser considerado irresponsável por isso, mas se a procura é por entretenimento, explosões, diálogos fáceis e espertos, perseguições e artifícios non sense, Esquadrão 6 pode ser um filme que venha a suprir essas necessidades. Bay assina o que é seu como se estivesse sendo eletrocutado enquanto segura a caneta, mas isso tem sua legitimidade saudável quando se busca algo mais forte do que uma lata de energético ou uma xícara grande de café expresso.
Escrito e dirigido pela jovem italiana de 36 anos de idade Alice Rohrwacher (que já tem na bagagem o Grande Prêmio do Júri em Cannes por As Maravilhas, de 2014), Feliz como Lázaro é um acontecimento em 2018. Longe de causar burburinho ou ser utilizado em alguma campanha de mercado (como o foi o tão recente quanto Caixa de Pássaros – ou Bird Box –, de 2018), o filme é genuinamente puro no seu modo de lidar com o mundo contemporâneo e as bizarras relações de trabalho e escravidão moderna.
Ao mesmo tempo em que parte de um princípio de pureza – da direção de arte ao comportamento do personagem título –, Lazzaro Felice (no original) também é perturbador ao deixar vazar, em suas entrelinhas, o quão desumana pode ser a humanidade, o que é reforçado pelo lirismo de sua mise-en-scène (em uma síntese já bem resumida: tudo aquilo que aparece nas cenas e a forma com a qual cada detalhe é montado e posicionado na intenção de criar uma unidade estilística).
Ainda, a atuação de Adriano Tardiolo (o Lazzaro) exala uma bondade, um desconhecimento de qualquer mal, que as adversidades impostas pelo roteiro são desconcertantes.
Em 2001, o Afeganistão está sob o controle do Talibã. No meio desse contexto, uma jovem determinada se disfarça de menino para sustentar sua família quando seu pai é capturado.
A Ganha-Pão não é somente uma animação dolorosa e assustadoramente real. Ela é daquelas que tocam tão fundo na gente que, por mais de um motivo, pode despertar a nossa empatia – algo tão necessário nos dias de hoje.
Dirigido por Nora Twomey, que havia realizado antes os lindíssimos curtas-metragens From Darkness (de 2002) e Cúilín Dualach (de 2004), a história é, talvez, a que tem a maior possibilidade de fazer chorar desta lista, tamanha a sensibilidade de Twomey e do roteiro da ucraniana Anita Doron (roteirista e diretora do ótimo The Lesser Blessed, de 2012)
Sendo um filme menos badalado do seu diretor – Christopher Nolan (de Dunkirk, 2017) –, O Grande Truque é meio drama e meio ficção científica recheado de mistério. Assim, com esse mistério tomando conta da atmosfera, o suspense ganha contornos bem interessantes. Há uma magia na condução desse filme que Nolan parece ter escondido em boa parte dos seus demais. Toda a sua racionalidade e uma certa pretensa exposição, aqui, jamais deixam o resultado cruzar a linha da frieza. É, sim, tudo muito calculado, mas há uma compaixão que torna as camadas mais intensas. Eu, pessoalmente, gosto de Nolan (com um ou outro questionamento pelo caminho) e tenho O Grande Truque como o filme de sua carreira que mais me toca.
O filme ainda conta com Christian Bale, Hugh Jackman, Scarlett Johansson, Rebecca Hall e Michael Caine e foi indicado a dois Oscars (Melhor Fotografia e Melhor Direção de Arte). E, apesar do elenco, tudo gira em torno do roteiro – como boa parte dos filmes de Nolan. É um trabalho que merece ser visto com atenção.
Além de ter a direção de Bong Joon Ho (de Parasita, 2019), O Hospedeiro já carrega tudo o que o diretor sul-coreano exponenciaria no filme que fez história no Oscar 2020: luta de classes, debates sociais, fusão de gêneros e um roteiro (coescrito pelo próprio Joon Ho) que progride com uma elegância enorme.
É interessante perceber como o público americano e a própria crítica receberam o filme e, ao mesmo tempo, levar em conta que se trata de uma obra sul-coreana – cultura diferente, formas de ver o mundo diferentes, jeitos de agir diferentes e até humor diferente. Assim sendo, pode parecer que o filme desperdiça alguns momentos dramáticos na construção de alívios cômicos, mas a questão é que tudo vai se emaranhando e construindo uma enorme bola de sentimentos.
O Hospedeiro, no final das contas, é uma das redefinições do horror no século XXI e já mostra o diretor enorme que é Joon Ho.
Eis um filme que foi muito comentado em sua estreia, mas que começou a cair no esquecimento rapidamente. Não por sua qualidade – é o mais premiado desta lista –, mas talvez por misturar dois universos do cinema de gênero: terror e ação… levando tudo a uma esquisitice quântica.
Invasão Zumbi subverte o subgênero dos zumbis, o próprio terror e constrói e quebra em pedaços caricaturas de filmes de ação. E vai muito além: à medida que os zumbis se multiplicam e uma variedade de pessoas comuns os enfrenta, há uma alusão certeira e uma avaliação sobre a insensibilidade corporativa.
É um filmaço que tem poder de adrenalina e que pode chocar com suas quebras de expectativas.
Repleto de diálogos realistas e, ao mesmo tempo, estranhos, Os Meyerowitz: Família Não Se Escolhe é de uma precisão cirúrgica na concepção da relação entre um pai e seus filhos. Muito bem alicerçado nas atuações de Dustin Hoffmann (Harold), Ben Stiller (Matthew) e Adam Sandler (Danny), o diretor e roteirista Noah Baumbach (do oscarizado História de um Casamento, de 2019) fundamenta um filme cheio de humanidade, capaz de causar confusão, felicidade, acessos de raiva… sempre de uma maneira muito genuína e por meio da criação de sintonia entre filme e espectador.
Os Meyerowitz: Família Não Se Escolhe é, também, uma prova dupla: para os fãs e para os não-adeptos da carreira de Adam Sandler. Aqui, eles podem encontrar o ator em uma das suas atuações mais relevantes (ao lado de Reine Sobre Mim, Embriagado de Amor e Joias Brutas), tanto que o ator, merecidamente, foi ovacionado no Festival de Cannes de 2017. Apesar do humor meio amargo do personagem coincidir com muito do que Sandler já fez, há detalhes que o levam muito além: são camadas e mais camadas de um homem que jamais desistiu de ser feliz, mas, mesmo assim, sente-se fracassado.
Provavelmente um dos menos conhecidos da lista, Sing Street: Música e Sonho é uma pequena obra-prima dirigida por John Carney (do já ótimo Mesmo Se Nada Der Certo, 2013). A partir de uma premissa aparentemente genérica, que diz sobre um rapaz que foge de uma conturbada vida familiar ao se tornar integrante de uma banda para impressionar uma moça misteriosa, o filme – escrito também por Carney – constrói conexões tanto dentro do seu próprio desenrolar quanto entre os personagens que parecem refletir em um nível subcutâneo: não arrepia somente, mas faz vibrar.
Tudo tão íntimo, com barreiras sinceras, triunfos satisfatórios e frustrações quase palpáveis que tudo pode ir além da identificação. É a vida em metáforas. São alegorias simples, mas passíveis de interpretações intensas… resta somente estar disponível e aberto para elas.
Eu havia pausado, deixado de lado mesmo, o bônus Adam Sandler em minhas últimas listas. Mas é bom retornar com um filme completamente diferente em sua carreira, dirigido por Benny e Josh Safdie… mesmo que já tenha um Sandler na lista.
A ideia do cinema realizado pelos irmãos Safdie é, por um lado, semelhante à do franco-argentino Gaspar Noé (de Clímax, 2019). Há uma intensa busca pelo sensorial do público, uma procura pela desestabilização proposital deste, que acaba por se sentir engolido por sensações e, de tão imerso, pode absorver o que assiste como se estivesse em um provável efeito alucinógeno. Isso, no caso de Joias Brutas, leva a um prazer de pouco mais de duas horas ou a uma bad trip – claro que tudo totalmente lícito.
Mas as semelhanças entre o que Benny e Josh Safdie fazem e o trabalho de Noé terminam nas questões sensoriais. Isso porque, tanto no filme protagonizado por Adam Sandler quanto nos anteriores da dupla, há uma absoluta inserção da história e dos acontecimentos na construção de um todo muito coeso – frenético sim, talvez nauseante, mas não é somente uma escolha que leva a qualquer sensação, é o conjunto, a união da totalidade.
Joias Brutas, com toda essa agonia, mais parece um quadro único, renascentista, pintado como uma releitura por um artista contemporâneo que decidiu mergulhar as mãos em tinta e pintar socando a tela. É genuíno, raivoso e intenso; é uma mistura das construções de personagens e de naturalidade de um gênio como John Cassavetes e a desordem psíquica recorrente nas obras de Brian De Palma.
Agora, ficam aí os comentários para que, em um momento tão delicado, possamos trocar indicações e ir criando uma corrente de filmes cada vez maior. Tenho certeza que vocês podem complementar e enriquecer tudo. Vamos conversando, debatendo…
Texto originalmente publicado no Canaltech
As expectativas raramente são benéficas quando se trata de cinema. Há sempre que se deixar levar por uma obra para que ela tenha a oportunidade de provar seu valor. Preconceber julgamentos antes de ter contato real com o objeto pode ser um gesto que venha a desmerecer ou enaltecer o que, a partir de uma visão neutra, não passaria de merecedor de opiniões medianas, mornas.
O cinema de gênero vem exatamente ao encontro das expectativas, abraçando-as com carinho. Isso porque o funcionamento interno de um filme que venha a se encaixar nessa definição é uma leitura específica do seu gênero. Mantém-se uma estrutura narrativa base, reafirma-se convenções tradicionais e, ao seu modo, cada filme fica livre justamente para subverter o que é preestabelecido para si: eis o surgimento das quebras de expectativas. Tais filmes criam suas próprias galáxias, mas sempre dentro de um universo corajoso, este que enfrenta as expectativas. E, mesmo que possam expandir esse universo ao subverter convenções e gestos tradicionais, jamais uma produção de gênero criará o seu próprio cosmo. Um filme de gênero real – raiz – está muito mais preocupado em fazer jus ao seu universo do que posar com alguma arrogância e se dizer mais do que é.
Filmes de terror encaixam-se exatamente em um universo próprio, consolidado e, ao longo dos últimos anos, tais filmes vêm recobrando espaço com competência absoluta. São, enfim, filmes que fazem jus ao pertencimento desse gênero que formam a lista a seguir, sejam filmes de um possível vanguardismo (para o hoje ou para a sua época) ou aqueles que fazem uma abordagem sólida da tradição.
Lembrando que nenhuma lista é taxativa. Não existe verdade absoluta quando se trata de cinema. Listas fazem o papel de indicação e não devem ser levadas como algo exato.
Seguem os escolhidos:
Verônica é um terror carregado de suspense que sabe muito bem onde está pisando. Ao contrário de investir em quebras de expectativas, o corroteirista e diretor Paco Plaza (da trilogia iniciada por [REC] – fica a dica), doa-se completamente à construção delas. Há, sem dúvidas, subversões de gênero, mas o filme está mais disposto a construir um horror crescente, sem descanso, típico do cinema espanhol – algo como faz o ótimo Um Contratempo (indicação fora do gênero do terror).
O trabalho cuidadoso e consciente de Plaza edifica bases sólidas para o filme de uma forma única: é um terror, de fato, que traz o sempre revisitado tema da possessão demoníaca, mas é claramente realizado com muito carinho e naturalidade. Pode ser perceptível que, nem tão em segundo plano, Verônica é sobre os “monstros” que despertam durante a adolescência.
Talvez bizarro, trash para alguns, sanguinolento, sinistro… Cujo traz a história de um amigável São Bernardo que contrai raiva e conduz um reino de terror em uma pequena cidade americana. O filme é um dos melhores exemplares de terror protagonizados (ou antagonizados) por um ou mais animais.
Quando foi lançado, em 1983, o filme foi um sucesso de bilheteria e acabou, com o perdão do trocadilho, abocanhando algumas nomeações e prêmios, entre eles a indicação ao Saturn Award de Melhor Filme, o prêmio do público no Fantasporto e, no mesmo festival, a nomeação ao International Fantasy Film Award. Um filme que merece reconhecimento como uma das melhores adaptações feitas a partir de uma obra de Stephen King.
Baseado em obra de Stephen King e premiado em festivais de terror, especialmente pela atuação de Carla Gugino, esse filme dirigido por Mike Flanagan (como outras duas obras da lista) acompanha Jessie e sua tentativa de apimentar seu casamento em uma casa remota (olha uma convenção). Inesperadamente, seu marido morre e ela, algemada ao estrado da cama, inicia uma luta para sobreviver.
A impressão mais forte de Jogo Perigoso pode ser a de que ele (o filme em si) reforça uma metáfora sobre o quanto é assustador estar em um mundo no qual perder qualquer sentido é motivo suficiente para se instalar o medo. Sendo as protagonistas de ambos os filmes mulheres, Flanagan demonstra empatia ao entender que o terror é um gênero de enorme poder metafórico, revelando o pavor da submissão – algo que, infelizmente, é recorrente em meios sociais devido ao machismo.
Mais atual do que deveria, o filme traz à tona o que há de melhor no terror: direcionamentos para o gênero sem medo de ser raiz, subtextos e mais subtextos para comentar temas relevantes e, em sua camada superficial, uma história que pode ser assistida sem muitos problemas. É de uma inteligência enorme a construção do roteiro vencedor do Oscar de 2018, escrito pelo próprio diretor, Jordan Peele.
Em nossa crítica, sobre o paralelo com a realidade e o tanto de ficção do filme, Laísa Trojaike escreveu: “É justamente por sabermos que as questões raciais (e de preconceitos de modo geral) não foram superadas que o terror de Corra! é ainda mais aterrorizante: até onde sabemos, toda a parte da intervenção cirúrgica é completa ficção, mas a sensação de estar constantemente isolado, em posição defensiva ou até mesmo ameaçado é uma realidade ainda comum.”
Corra! tem um total de 153 vitórias em festivais ao redor do planeta e outras 201 indicações a prêmios. É um dos recordistas do gênero na história do cinema.
Além de ter a direção de Bong Joon Ho (de Parasita, 2019), O Hospedeiro já carrega tudo o que o diretor sul-coreano exponenciaria no filme que fez história no Oscar 2020: luta de classes, debates sociais, fusão de gêneros e um roteiro (coescrito pelo próprio Joon Ho) que progride com uma elegância enorme.
É interessante perceber como o público americano e a própria crítica receberam o filme e, ao mesmo tempo, levar em conta que se trata de uma obra sul-coreana – cultura diferente, formas de ver o mundo diferentes, jeitos de agir diferentes e até humor diferente. Assim sendo, pode parecer que o filme desperdiça alguns momentos dramáticos na construção de alívios cômicos, mas a questão é que tudo vai se emaranhando e construindo uma enorme bola de sentimentos.
O Hospedeiro, no final das contas, é uma das redefinições do horror no século XXI e já mostra o diretor enorme que é Joon Ho.
A premissa parece simples: Há uma casa localizada em uma floresta. Nessa casa, uma mulher surda-muda está sozinha. A tranquilidade, obviamente, é interrompida. Isso porque um assassino começa a perturbar a pobre moça.
Parece e é simples! E é nessa simplicidade que o diretor Mike Flanagan (o mesmo de Ouija: A Origem do Mal e dos bons O Sono da Morte e O Espelho) aposta, muitas vezes deixando de lado os velhos sustos induzidos pela trilha repentinamente forte e investindo em uma tensão crescente que culmina no excelente terceiro ato. Conseguindo driblar a maioria dos clichês, a tensão é crescente de uma forma que, ao final, faz querer sentir sua própria respiração.
Além de ser um filme curto, seus 81 minutos passam como 20 e conseguem o essencial para um filme do gênero: fazer com que nos importemos com quem está protagonizando a história e torçamos contra quem antagoniza.
Hush: A Morte Ouve não é uma obra-prima. Pode até estar bem longe disso. Mas é uma boa pedida para esse dia mal-assombrado.
Eis um filme que foi, de fato, muito comentado em sua estreia, mas que começou a cair no esquecimento rapidamente. Não por sua qualidade – é o mais premiado dessa lista –, mas talvez por misturar dois universos do cinema de gênero: terror e ação… levando tudo a uma esquisitice quântica.
Invasão Zumbi subverte o subgênero dos zumbis, o próprio terror e constrói e quebra em pedaços caricaturas de filmes de ação. E vai muito além: à medida que os zumbis se multiplicam e uma variedade de pessoas comuns os enfrenta, há uma alusão certeira e uma avaliação sobre a insensibilidade corporativa.
É um filmaço que tem poder de adrenalina e que pode chocar com suas quebras de expectativas.
Invocação do Mal, além de trazer uma combinação extremamente equilibrada de jump scare e tensão gradativa, tem um final mais do que satisfatório. Se dentro do gênero Hollywood costumava apostar em términos com algum gancho, a direção de James Wan, aqui, prefere dar um fim de fato. Nesse sentido, o sucesso da produção exigiu que a sequência fosse criativa na retomada, algo que, por si só, já coloca o filme como originário de algo que tenderia a crescer.
Considerado por muitos como o melhor filme do mestre do terror John Carpenter, O Enigma de Outro Mundo Grupo conta a história de 12 pesquisadores em uma missão na Antártica que desenterram um alienígena que estava sob a neve há milênios. Descongelado, o extraterrestre volta à vida e começa a espalhar o terror no acampamento científico.
Mas não é somente a história do filme que é aterrorizante: o modo como Carpenter filma tudo é o que dá muito mais vigor ao filme. Ao mesmo tempo em que, com a costumeira classe de planos limpos e pouca ou nenhuma tremedeira, o diretor aborda o roteiro de maneira claustrofóbica, reforçando o aprisionamento de estar em um continente gelado e dentro de uma estação. É uma aula de cinema.
Tubarão é um clássico que parece sempre atual. Sendo um dos primeiros trabalhos de Steven Spielberg, o filme já trazia todo o estilo entertainer do diretor que, aliado aos seus sempre sugestivos comentários sociais e à sua competência artística, acabou criando ou redefinindo o conceito de blockbuster.
Além disso, a composição de John Williams para a trilha sonora é das mais emblemáticas da história: um intervalo simples, entre duas notas, substitui a aparição do tubarão durante mais de dois terços das pouco mais de duas horas de duração. Sabemos que o bicho está presente e quem indica isso é a música. Um filmaço, um clássico, um trabalho que moldou o cinema em mais de uma camada.
Ficam, então, as indicações e o espaço dos comentários para acréscimos e tudo o que desejarem. Sem dúvida, como sempre ao fazer uma lista, foi dolorido, mas tenho certeza que vocês conseguirão complementar e enriquecer tudo o que está aí.
Bons (ou ruins?) filmes para nós!
Texto originalmente publicado no Canaltech
Em um período que estamos todos necessitando de cuidados especiais contra uma pandemia, é provável que assistir a bons filmes durante o tempo a mais em casa seja uma das melhores saídas. Pensando nisso e partindo primeiramente da Netflix, preparei uma lista com filmes de gêneros variados, mas sem pensar exatamente em uma espécie de melhores filmes do catálogo. A ideia é indicar filmes bacanas para muitos gostos diferentes, tanto para assistir quanto para reassistir.
Sem mais demora e, como sempre, dentro de uma abordagem sem verdades absolutas, vamos à lista de 10 filmes para assistir na Netflix durante a quarentena – a disposição só não é aleatória porque está em ordem alfabética (desconsiderando os artigos).
O cinema argentino tem produzido filmes relevantes ano após ano (desde muito tempo). E, felizmente, não está restrito a Ricardo Darín. O ator, que encabeçou aquele que, para muitos (entre os quais me incluo), é o melhor filme do seu país em muitos anos (O Segredo dos Seus Olhos, de 2009) e é sinônimo de talento e, acima de tudo, competência, parece ter “somente” aberto alas em um novo período para nossos hermanos. Se, em 1986, A História Oficial (1985) já havia recebido um Oscar, foi com a mais fácil difusão das produções (especialmente com o advento da internet e, mais recentemente, dos streamings) que houve uma merecida repercussão e grande reconhecimento público.
O Cidadão Ilustre trata de inspiração e criação como poucos filmes conseguem. De uma sutileza sem tamanho ao tratar o comportamento de um escritor com muito humor, o filme ainda consegue revelar os abismos culturais que cercam nossas vidas… ainda mais em um mundo globalizado. No fim, a maneira como discorre sobre as diferenças entre realidade e ficção é das mais originais do cinema e, se fosse somente esse encerramento, ainda assim mereceria ser visto.
Um Contratempo parece beber de algumas das melhores fontes que retratam crimes perfeitos, como o Alfred Hitchcock e Agatha Christie, além de ter uma evolução progressiva que traz muito dos melhores suspenses de Brian De Palma e uma dinamicidade fácil que se assemelha aos bons textos de Sidney Sheldon.
É um filme construído com muita racionalidade, amarrado com cuidado e tem uma tensão crescente constante. Cheio de reviravoltas, o filme espanhol do diretor Oriol Paulo, conscientemente, engana, reengana e engana novamente. Ele faz o coração do espectador acelerar e, sabiamente, tem uma leve despretensão, no sentido de que precisa que o público deixe de lado o que tem como verdades possíveis e aceite se submeter a uma história construída para entreter.
Como finalizei a crítica sobre o ele: É um filme excepcional, que depende, sim, do grau de aceitação de quem estiver o assistindo. Pode ser, também, um exercício cardíaco bem interessante, porque, aceitando-o, o coração vai acelerar. E vai ser sem piedade.
Se o subgênero filme-de-tubarão sempre merece uma atenção em listas despretensiosas nas questões qualitativas, esse filme tem o direito de ser redescoberto. Nada é muito diferente ou novo, mas são tubarões com os cérebros vitaminados, mais inteligentes e espertos, que antagonizam esse filme de Renny Harlin.
Por mais que Harlin seja um nome pouco conhecido no meio mainstream, já foi festejado por amantes do terror com filmes razoavelmente bem sucedidos como A Hora do Pesadelo 4: O Mestre dos Sonhos (1988) e Condenação do Além (1987). Aqui, o diretor faz com que a história morna e os personagens caricatos – como o herói Carter Blake (Thomas Jane) – sejam contornados por um processo imponente. Tudo é engrandecido: das expressões e reações overs do protagonista ao alívio cômico sem noção do cozinheiro Preacher (LL Cool J).
Do Fundo do Mar é, essencialmente, uma grande sequência de ação, com cenas sem sutilezas estéticas executadas uma após a outra e com todas as situações comuns de filmes do tipo, com criaturas perseguindo as pessoas dentro de um ambiente fechado. Seja Alien, o Oitavo Passageiro (de Ridley Scott, 1979) ou até Tentáculos (de Stephen Sommers, 1998), encontram eco nesse filme curioso.
Leia também: 10 filmes de tubarão que vão fazer você se borrar de medo
Um bilionário forja a própria morte e, a partir de então, torna-se um fantasma para o mundo. Reunindo uma equipe de profissionais tão invisíveis para o sistema quanto ele, parte para a missão de derrubar um ditador em um país ao leste. Esse país fictício, o Turgistão, funciona como uma fusão de países reais que supostamente esperam pela libertação (a salvação americana diluída em uma equipe aparentemente cosmopolita). E não importa o nome do lugar – nem mesmo para algum personagem que não consegue pronunciá-lo –, o que importa é cumprir a missão, a meta.
Em Esquadrão 6, o que menos importa é a política envolvida. A força da linguagem literalmente explosiva de Michael Bay está em conseguir retirar toda a atenção do tema, fazendo do resultado uma espécie de transtorno do déficit de atenção com hiperatividade (TDAH) para todos – apostando na força estética – e insere a hiperatividade como ferramenta-chave. Assim, uma mãe-figurante com um bebê no colo e dois cachorrinhos ganham mais destaque – claro que para fazer comédia – do que os tantos que poderiam morrer com a ameaça de gás sarin exposta pelo roteiro.
Trata-se de um filme completamente ligado na ação e desligado do planeta (como seu diretor). Pode ser considerado irresponsável por isso, mas se a procura é por entretenimento, explosões, diálogos fáceis e espertos, perseguições e artifícios non sense, Esquadrão 6 pode ser um filme que venha a suprir essas necessidades. Bay assina o que é seu como se estivesse sendo eletrocutado enquanto segura a caneta, mas isso tem sua legitimidade saudável quando se busca algo mais forte do que uma lata de energético ou uma xícara grande de café expresso.
Escrito e dirigido pela jovem italiana de 36 anos de idade Alice Rohrwacher (que já tem na bagagem o Grande Prêmio do Júri em Cannes por As Maravilhas, de 2014), Feliz como Lázaro é um acontecimento em 2018. Longe de causar burburinho ou ser utilizado em alguma campanha de mercado (como o foi o tão recente quanto Caixa de Pássaros – ou Bird Box –, de 2018), o filme é genuinamente puro no seu modo de lidar com o mundo contemporâneo e as bizarras relações de trabalho e escravidão moderna.
Ao mesmo tempo em que parte de um princípio de pureza – da direção de arte ao comportamento do personagem título –, Lazzaro Felice (no original) também é perturbador ao deixar vazar, em suas entrelinhas, o quão desumana pode ser a humanidade, o que é reforçado pelo lirismo de sua mise-en-scène (em uma síntese já bem resumida: tudo aquilo que aparece nas cenas e a forma com a qual cada detalhe é montado e posicionado na intenção de criar uma unidade estilística).
Ainda, a atuação de Adriano Tardiolo (o Lazzaro) exala uma bondade, um desconhecimento de qualquer mal, que as adversidades impostas pelo roteiro são desconcertantes.
Feliz como Lázaro é daqueles filmes para guardar no coração.
Em 2001, o Afeganistão está sob o controle do Talibã. No meio desse contexto, uma jovem determinada se disfarça de menino para sustentar sua família quando seu pai é capturado.
A Ganha-Pão não é somente uma animação dolorosa e assustadoramente real. Ela é daquelas que tocam tão fundo na gente que, por mais de um motivo, pode despertar a nossa empatia – algo tão necessário nos dias de hoje.
Dirigido por Nora Twomey, que havia realizado antes os lindíssimos curtas-metragens From Darkness (de 2002) e Cúilín Dualach (de 2004), a história é, talvez, a que tem a maior possibilidade de fazer chorar desta lista, tamanha a sensibilidade de Twomey e do roteiro da ucraniana Anita Doron (roteirista e diretora do ótimo The Lesser Blessed, de 2012)
Sendo um filme menos badalado do seu diretor – Christopher Nolan (de Dunkirk, 2017) –, O Grande Truque é meio drama e meio ficção científica recheado de mistério. Assim, com esse mistério tomando conta da atmosfera, o suspense ganha contornos bem interessantes. Há uma magia na condução desse filme que Nolan parece ter escondido em boa parte dos seus demais. Toda a sua racionalidade e uma certa pretensa exposição, aqui, jamais deixam o resultado cruzar a linha da frieza. É, sim, tudo muito calculado, mas há uma compaixão que torna as camadas mais intensas. Eu, pessoalmente, gosto de Nolan (com um ou outro questionamento pelo caminho) e tenho O Grande Truque como o filme de sua carreira que mais me toca.
O filme ainda conta com Christian Bale, Hugh Jackman, Scarlett Johansson, Rebecca Hall e Michael Caine e foi indicado a dois Oscars (Melhor Fotografia e Melhor Direção de Arte). E, apesar do elenco, tudo gira em torno do roteiro – como boa parte dos filmes de Nolan. É um trabalho que merece ser visto com atenção.
Além de ter a direção de Bong Joon Ho (de Parasita, 2019), O Hospedeiro já carrega tudo o que o diretor sul-coreano exponenciaria no filme que fez história no Oscar 2020: luta de classes, debates sociais, fusão de gêneros e um roteiro (coescrito pelo próprio Joon Ho) que progride com uma elegância enorme.
É interessante perceber como o público americano e a própria crítica receberam o filme e, ao mesmo tempo, levar em conta que se trata de uma obra sul-coreana – cultura diferente, formas de ver o mundo diferentes, jeitos de agir diferentes e até humor diferente. Assim sendo, pode parecer que o filme desperdiça alguns momentos dramáticos na construção de alívios cômicos, mas a questão é que tudo vai se emaranhando e construindo uma enorme bola de sentimentos.
O Hospedeiro, no final das contas, é uma das redefinições do horror no século XXI e já mostra o diretor enorme que é Joon Ho.
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Eis um filme que foi muito comentado em sua estreia, mas que começou a cair no esquecimento rapidamente. Não por sua qualidade – é o mais premiado desta lista –, mas talvez por misturar dois universos do cinema de gênero: terror e ação… levando tudo a uma esquisitice quântica.
Invasão Zumbi subverte o subgênero dos zumbis, o próprio terror e constrói e quebra em pedaços caricaturas de filmes de ação. E vai muito além: à medida que os zumbis se multiplicam e uma variedade de pessoas comuns os enfrenta, há uma alusão certeira e uma avaliação sobre a insensibilidade corporativa.
É um filmaço que tem poder de adrenalina e que pode chocar com suas quebras de expectativas.
Repleto de diálogos realistas e, ao mesmo tempo, estranhos, Os Meyerowitz: Família Não Se Escolhe é de uma precisão cirúrgica na concepção da relação entre um pai e seus filhos. Muito bem alicerçado nas atuações de Dustin Hoffmann (Harold), Ben Stiller (Matthew) e Adam Sandler (Danny), o diretor e roteirista Noah Baumbach (do oscarizado História de um Casamento, de 2019) fundamenta um filme cheio de humanidade, capaz de causar confusão, felicidade, acessos de raiva… sempre de uma maneira muito genuína e por meio da criação de sintonia entre filme e espectador.
Os Meyerowitz: Família Não Se Escolhe é, também, uma prova dupla: para os fãs e para os não-adeptos da carreira de Adam Sandler. Aqui, eles podem encontrar o ator em uma das suas atuações mais relevantes (ao lado de Reine Sobre Mim, Embriagado de Amor e Joias Brutas), tanto que o ator, merecidamente, foi ovacionado no Festival de Cannes de 2017. Apesar do humor meio amargo do personagem coincidir com muito do que Sandler já fez, há detalhes que o levam muito além: são camadas e mais camadas de um homem que jamais desistiu de ser feliz, mas, mesmo assim, sente-se fracassado.
Provavelmente um dos menos conhecidos da lista, Sing Street: Música e Sonho é uma pequena obra-prima dirigida por John Carney (do já ótimo Mesmo Se Nada Der Certo, 2013). A partir de uma premissa aparentemente genérica, que diz sobre um rapaz que foge de uma conturbada vida familiar ao se tornar integrante de uma banda para impressionar uma moça misteriosa, o filme – escrito também por Carney – constrói conexões tanto dentro do seu próprio desenrolar quanto entre os personagens que parecem refletir em um nível subcutâneo: não arrepia somente, mas faz vibrar.
Tudo tão íntimo, com barreiras sinceras, triunfos satisfatórios e frustrações quase palpáveis que tudo pode ir além da identificação. É a vida em metáforas. São alegorias simples, mas passíveis de interpretações intensas… resta somente estar disponível e aberto para elas.
Eu havia pausado, deixado de lado mesmo, o bônus Adam Sandler em minhas últimas listas. Mas é bom retornar com um filme completamente diferente em sua carreira, dirigido por Benny e Josh Safdie… mesmo que já tenha um Sandler na lista.
A ideia do cinema realizado pelos irmãos Safdie é, por um lado, semelhante à do franco-argentino Gaspar Noé (de Clímax, 2019). Há uma intensa busca pelo sensorial do público, uma procura pela desestabilização proposital deste, que acaba por se sentir engolido por sensações e, de tão imerso, pode absorver o que assiste como se estivesse em um provável efeito alucinógeno. Isso, no caso de Joias Brutas, leva a um prazer de pouco mais de duas horas ou a uma bad trip – claro que tudo totalmente lícito.
Mas as semelhanças entre o que Benny e Josh Safdie fazem e o trabalho de Noé terminam nas questões sensoriais. Isso porque, tanto no filme protagonizado por Adam Sandler quanto nos anteriores da dupla, há uma absoluta inserção da história e dos acontecimentos na construção de um todo muito coeso – frenético sim, talvez nauseante, mas não é somente uma escolha que leva a qualquer sensação, é o conjunto, a união da totalidade.
Joias Brutas, com toda essa agonia, mais parece um quadro único, renascentista, pintado como uma releitura por um artista contemporâneo que decidiu mergulhar as mãos em tinta e pintar socando a tela. É genuíno, raivoso e intenso; é uma mistura das construções de personagens e de naturalidade de um gênio como John Cassavetes e a desordem psíquica recorrente nas obras de Brian De Palma.
Leia também: Crítica | Joias Brutas é pintado a soco: um filme raivoso e intenso
Texto originalmente publicado no Canaltech
O que são filmes picantes? Seriam aqueles onde o sexo é, se não explícito, fortemente implícito na história? Seriam aqueles mais carnais mesmo, onde o sexo é o motor do roteiro e as imagens fazem o sangue ferver? Para mim, um filme picante é aquele que provoca os sentidos. Alguns deles, por exemplo, nem precisam ter cenas de sexo. Um olhar pode ser muito mais potente do que uma roupa sendo rasgada. Um toque nas mãos pode fazer mais estrago do que qualquer exposição de nudez – gratuita ou não.
Pensando nisso, listar os melhores filmes picantes disponíveis na grade da Netflix foi um trabalho ainda mais subjetivo do que qualquer outra lista. Isso porque é muito claro que aquilo que é picante para uma pessoa pode ser um balde de água gelada em outra… e justamente um balde de água gelada pode ser excitante para uma terceira pessoa. Somos todos muito diferentes e, não sendo a Netflix um streaming pornô, os filmes selecionados são completamente diferentes entre si. Um ou mais deles pode ter cenas mais explícitas, mas não é essa a questão… a intenção fala mais alto aqui.
Há um motivo sempre muito influente quando se tenta elencar filmes dessa forma: a identificação. Quando se trata de desejo, tudo ganha outras proporções, porque mexe com a imaginação… e isso é algo quase sagrado, além de ser, sobretudo, intransferível.
Pensando nisso, a ideia das minhas listas de cinema geralmente é indicar. Sem a menor pretensão de criar algo exato, definitivo ou qualquer coisa do tipo, os filmes citados e brevemente resenhados mais abaixo servem como indicações para quem não os assistiu ou para quem gostaria de reassisti-los. Para mim, é óbvio que, dentro do catálogo da Netflix, podem ser encontrados outros tão bons quanto, mais picantes – que seja –, mas, como dito, isso vai depender de questões subjetivas do imaginário e, claro, do gosto pessoal (até por isso a lista é, apesar de curta, bem diversa).
Sem mais demora e dentro dessa abordagem sem verdades absolutas, vamos à lista dos 10 melhores filmes de fantasia disponíveis na Netflix:
Dando a impressão de estar sempre buscando emular o cinema de Pedro Almodóvar, Kiki: Os Segredos do Desejo é um filme irreverente que conta com um elenco especialmente afiado. Muitos dos momentos mais engraçados chegam a ser ultrajantes (o que é um elogio aqui) e, quando as situações parecem passar do limite, há sempre uma certa empatia procurando envolver o espectador. Não consegue, de fato, copiar Almodóvar (e quem consegue?), mas é um exemplo de um filme picante com muito humor.
A picância desse filme é de uma maneira ampla: Ele enfrenta uma certa repressão sexual existente na Índia e traz quatro histórias íntimas de quatro mulheres diferentes. Todos vão além de uma simples contação, transformando seus objetos em seres humanos extremamente palpáveis. Há sempre um sentimento de compaixão exposto com muita maturidade. Quatro Histórias de Desejo é um filme (ou quatro) sensível e, ao seu modo, muito atraente.
Divertido – muito divertido – e com um conteúdo intensamente político, A Arte de Amar é um filme feminista que não deixa muito espaço para assexuais. A positividade sexual está no foco e ela é, inclusive, um motor instigante de risadas. Um filme que merece ser descoberto ou, pelo menos, muito mais visto no catálogo da Netflix.
A roteirista e diretora brasileira Fernanda Pessoa traz à tona o mundo da pornochanchada, com esse documentário fundamentalmente marcado pela montagem (de Luiz Cruz). Histórias Que Nosso Cinema (Não) Contava revela o lado humano do universo do soft porn brasileiro, misturado a humor e realizado em pleno período de ditadura militar. É interessante e fundamental perceber que o filme não explica absolutamente nada diretamente… porque deixa as imagens falarem por si. E elas (as imagens) conseguem.
Toda a picância de Carol está principalmente nos olhares. Basta perceber as vezes em que a personagem título (interpretada por Cate Blanchett) baixa a guarda com relação à Therese (Rooney Mara) para entender do que um olhar é capaz. Acima de tudo, Carol é um filme comovente, que usa da química entre as personagens para que o simples desejo de andar de mãos dadas em público seja cobiçado pelo espectador.
Agora, ficam aí os comentários. Como sempre, foi difícil fazer uma lista com um material tão subjetivo, mas tenho certeza que vocês podem complementar e enriquecer tudo. Ficaram filmes de fora, então vamos conversando, debatendo… de repente, aumentando a lista.
Texto originalmente publicado no Canaltech
Em outra lista, escrevi: As expectativas raramente são benéficas quando se trata de cinema. Há, sempre, a necessidade se deixar levar por uma obra para que ela tenha a oportunidade de provar o seu valor. Preconceber julgamentos antes de ter contato real com o objeto pode ser um gesto que venha a desmerecer ou enaltecer o que, a partir de uma visão neutra, não passaria de merecedor de opiniões medianas, mornas.
Quando se trata de dramas, tudo ganha mais contornos. Isso porque um dos ganchos mais utilizados no cinema é a identificação – algo pensando já na escrita do roteiro. Se há o desejo de que o filme toque o público, é quase imprescindível que haja algum reconhecimento próprio no que se assiste. Não há, nesse sentido, imparcialidade. Todos temos histórias de vidas diferentes, particularidades intransferíveis… e tudo o que nos constrói acaba moldando essa assimilação.
É verdade que, para um julgamento crítico, é interessante que se faça o possível para que gostos pessoais não maculem o todo, mas jamais se pode deixar de lado o que se é. Se nos abrirmos para uma completa neutralidade, podemos nos tornar um tanto quanto robóticos e, no final das contas, acabamos criando a noção errada de que cinema – como arte que é – pode ser algo exato, quando, na verdade, é bem subjetivo.
Ao fazer uma lista, estamos invocando tanto aspectos objetivos e concretos (como a qualidade técnica, a competência da equipe) quanto os subjetivos (quem somos e o porquê de tais filmes serem marcantes em nós mesmos). E o drama tem uma carga enorme, visto que é, na prática, o gênero que mais diretamente reflete a vida como ela é – sempre tão dramática.
Ainda assim, para fazer a lista que exponho abaixo, procurei não ir aos filmes mais óbvios. A ideia foi trazer indicações que possam acrescentar. Então, dentro do catálogo da Netflix, podem ser encontrados outros tão bons quanto ou até objetivamente e particularmente melhores (como Um Sonho de Liberdade, O Pianista, A Lista de Schindler, Réquiem para um Sonho, Roma… e tantos outros). Isso só depende da observação individual de cada um de nós. Nada, aqui, tem a pretensão de ser uma verdade absoluta.
Dentro dessa abordagem, vamos à lista dos 5 melhores filmes de drama disponíveis na Netflix:
Desde sua idealização, Com Amor, Van Gogh é um filme inovador. Há quem diga que o roteiro é superficial e que o filme se vale da técnica – sendo, frame a frame, todo pintado a óleo. E pode ser verdade. Mas, simultaneamente, pode ser um dos maiores acertos. Isso porque me parece bastante complexo estar absorto na técnica de animação escolhida aqui e, ao mesmo tempo, conseguir se prender a qualquer história muito complexa.
Nesse sentido, a investigação de como se deu a morte de Van Gogh passa a ser um segundo plano. Pode ser um exagero (provavelmente é), mas como Fantasia o fez em 1940, trazendo a música como matéria-prima, aqui se trata da pintura muito mais do que da história contada. É um filme para apreciar a técnica, os traços, as pinceladas… com um roteiro que, se não fosse esses aparatos, poderia ser completamente descartável e banal.
Acima de tudo, ganha a história do cinema, ganha cada espectador apreciador de arte ao redor do planeta e ganha, com certeza, os amantes de Van Gogh.
Com a ajuda de um companheiro sobrevivente de Auschwitz e uma carta manuscrita, um homem idoso e machucado pela idade sai em busca da pessoa que ele acredita ser responsável pela morte de sua família… para se vingar com as próprias mãos.
Protagonizado pela lenda Christopher Plummer (entre tantos papéis memoráveis, é quem dá a voz a Charles Muntz em Up: Altas Aventuras na versão americana), Memórias Secretas é daqueles filmes que podem bater bem fundo na gente. Com o suspense bem construído pelo diretor egípcio Atom Egoyam (de À Procura, 2014), o filme toca em elementos fundamentais da existência humana – como a dúvida – e rebate nas únicas certezas sobre a vida: todos iremos morrer e, se tivermos sorte, envelhecer antes disso.
Indicado ao Leão de Ouro no Festival de Veneza de 2015, Memórias Secretas ainda conta com o fantástico ator alemão Bruno Ganz (o Hitler de A Queda! As Últimas Horas de Hitler) e contorna todo o drama do protagonista com uma intrincada ação com pitadas de thriller.
Um pai dedicado a criar seus seis filhos com uma rigorosa educação é forçado a deixar seu paraíso – nas florestas do estado de Washington, nos EUA – e entrar no mundo dito civilizado, desafiando a ideia do que significa ser… pai.
Premiado ao redor do planeta, Capitão Fantástico traz reflexões sociais e religiosas de maneira muito aberta. Não é um filme que pretende abraçar a todos, podendo trazer algum desconforto em seus questionamentos para parte dos espectadores, mas, mesmo assim, talvez seja um tanto quanto impossível não estar acessível à sua qualidade geral. Permitir-se tocar pelo roteiro de Matt Ross (que também dirigiu o filme) e pelo seu conteúdo (às vezes bem ácido) é um caminho quase sem volta.
As atuações, por sinal – especialmente a de Viggo Mortensen (o Aragorn da trilogia O Senhor dos Anéis) – são um espetáculo à parte. E uma das mensagens que ficam é a da necessidade do amor, sendo o ódio relegado a uma função coadjuvante e totalmente antagônica.
Há dramas biográficos fantásticos na Netflix. Há dramas com um poder de identificação enorme para muitos e de alcance público imenso (como o recente O Menino que Descobriu o Vento). Há outros que, apesar de terem sido relativamente bem badalados, acabaram caindo a um segundo plano. Não nas malhas do esquecimento, mas foram apenas deixados um pouco de lado. Frida, então, está nesse segundo grupo e talvez seja uma injustiça enorme.
Dirigido pela fantástica Julie Taymor (que dirigiria ainda, no mínimo, mais um escanteado – o belíssimo Across the Universe), Frida é muito mais do que uma cinebiografia, é uma lição de vida, de amor, de fúria, de força. A história de uma mulher que canalizou a sua dor em seu trabalho e se transformou em um ícone. É a visão de uma mulher sofrida, mas livre e consciente através do olhar de uma diretora de muita competência.
Além disso, conta com uma atuação hipnótica de Salma Hayek (do recente Dupla Explosiva) que, por si só, vale cada minuto do filme.
Em 2001, o Afeganistão está sob o controle do Talibã. No meio desse contexto, uma jovem determinada se disfarça de menino para sustentar sua família quando seu pai é capturado.
A Ganha-Pão não é somente uma animação dolorosa e assustadoramente real. Ela é daquelas que tocam tão fundo na gente que, por mais de um motivo, podem despertar a nossa empatia – algo tão necessário nos dias de hoje.
Dirigido pela diretora Nora Twomey, que havia realizado antes os lindíssimos curtas-metragens From Darkness (de 2002) e Cúilín Dualach (de 2004), e com Angelina Jolie como produtora executiva, a história é, talvez, a que tem a maior possibilidade de fazer chorar dessa lista, tamanha a sensibilidade de Twomey e do roteiro da ucraniana Anita Doron (roteirista e diretora do ótimo The Lesser Blessed, de 2012)
Repleto de diálogos realistas e, ao mesmo tempo, estranhos, Os Meyerowitz: Família Não Se Escolhe é de uma precisão cirúrgica na concepção da relação entre um pai e seus filhos. Muito bem alicerçado nas atuações de Dustin Hoffmann (Harold), Ben Stiller (Matthew) e Adam Sandler (Danny), o diretor e roteirista Noah Baumbach (indicado ao Oscar pelo roteiro de A Lula e a Baleia, em 2006) fundamenta um filme cheio de humanidade, capaz de causar confusão, felicidade, acessos de raiva… sempre de uma maneira muito genuína e por meio da criação de sintonia entre filme e espectador.
Os Meyerowitz: Família Não Se Escolhe é, também, uma prova dupla: para os fãs e para os não-adeptos da carreira de Adam Sandler. Aqui, eles podem encontrar o ator em uma das suas atuações mais relevantes (ao lado de Reine Sobre Mim e Embriagado de Amor), tanto que o ator, merecidamente, foi ovacionado no Festival de Cannes. Apesar do humor meio amargo do personagem coincidir com muito do que Sandler já fez, há detalhes que o levam muito além, são camadas e mais camadas de um homem que jamais desistiu de ser feliz, mas, mesmo assim, sente-se fracassado.
ps: É a segunda vez que esse mesmo filme se encaixa no bônus Adam Sandler.
Devido ao grande número de dramas de altíssima qualidade no catálogo atual da Netflix, talvez seja injusto eu listar algumas menções honrosas de fato. Sendo assim, farei as menções a seguir em tom de indicação, do mesmo modo que fiz a lista principal:
1. Frances Ha:
Porque é dirigido lindamente por um dos diretores do momento (ele novamente – Noam Baumbach), é protagonizado por Greta Gerwig e é uma história sobre entrar de cabeça nos nossos sonhos.
2. Julieta:
Poderia ser, somente, porque é um Almodóvar, mas, para não cair em qualquer espécie de argumento de autoridade, é das histórias mais sensíveis (sem deixar de ser filmada com humor) do diretor e roteirista espanhol.
3. La Bamba:
Porque “para bailar La Bamba se necessita una poca de gracia”. É uma história biográfica de ascensão bombástica e queda trágica que merece ser conhecida.
4. Amor Além da Vida:
Porque o romantismo não pode morrer, porque tem abertura para questionamentos religiosos pouco comentados no cinema hollywoodiano (sendo a doutrina espírita o foco), porque é sensível, porque tem uma interação entre homem e arte lindíssima; e porque… Robin Williams.
5. Cinema, Aspirinas e Urubus:
Porque, além de ser um filme dos mais bem conceituados do cinema nacional no século XXI, coescrito pelo recém-premiado em Cannes Karim Aïnouz (por A Vida Invisível de Eurídice Gusmão), uma sinopse oficial (a que está no IMDb) diz (em tradução livre): “Um road movie sobre um alemão que foi para o Nordeste do Brasil em 1942 para vender aspirina.”
Ficam, então, as indicações e o espaço dos comentários para acréscimos e tudo o que desejarem. Sem dúvida, como sempre ao fazer uma lista, foi dolorido, mas tenho certeza que vocês conseguirão complementar e enriquecer tudo o que está aí.
Texto originalmente publicado no Canaltech
Listar as melhores comédias românticas do cinema é tão pretensioso quanto compor qualquer lista individual. Resumir às melhores disponíveis em uma provedora de streaming (como o é a Netflix) ajuda, mas ainda assim é uma ambição que nunca vai ter um final 100% feliz. E há um motivo especialmente influente quando se tentar elencar filmes dessa forma: a identificação. Quando se trata de romances, tudo ganha outras proporções e isso se torna muito mais pessoal e, às vezes, intransferível.
Pensando nisso, a ideia das minhas listas de cinema geralmente é indicar. Sem a menor pretensão de criar uma lista exata, definitiva ou qualquer coisa do tipo, os filmes citados e brevemente resenhados mais abaixo servem como indicações para quem não os assistiu ou para quem gostaria de reassisti-los. Para mim, é óbvio que, dentro do catálogo da Netflix, podem ser encontrados outros tão bons quanto, mas, como dito, isso vai depender de questões subjetivas como a identificação.
Sem mais demora e dentro dessa abordagem sem verdades absolutas, vamos à lista dos 10 melhores filmes de comédia romântica disponíveis na Netflix:
Incensado na Austrália, premiado em festivais, pela crítica e muito bem-visto pelo público local, O Casamento de Ali é um filme tão leve quanto efetivo ao tratar o amor justamente como algo muito particular e pessoal. O roteiro, de quebra, passeia por questões ligadas à cultura australiana de um modo tão corajoso e verdadeiro que torna o filme muito mais contundente para além das suas quase duas horas de duração. Tendo as tradições muçulmanas como pano de fundo, é uma comédia que atinge bem a vida real, especialmente as questões de intolerância religiosa. Aqui, a identificação, para boa parte do público, pode ser instantânea.
Outro multipremiado, Amor a Toda Prova é um filme fundamental dentro do gênero (ou subgênero) por um motivo bem particular: O roteiro de Dan Fogelman (da animação Enrolados) está muito mais preocupado com seus personagens do que com a própria história em si. Essa atenção dada a cada um do quarteto principal (estelar, formado por Julianne Moore, Steve Carell, Emma Stone e Ryan Gosling) permite que o espectador possa testar sentimentos reais e faz tudo ir muito além da função de comédia. Alguns dos sentimentos que surgem, inclusive, podem surpreender e ecoar por algum tempo após os créditos finais.
Tudo aqui é tão divertido e, ao mesmo tempo, verdadeiro que o sentimentalismo quase no limite do desfecho parece natural após tanta tensão (sim) e humor afiado. Na verdade, Questão de Tempo poderia se encaixar em um subgênero do subgênero (sem qualquer ideia pejorativa): seria uma tragicomédia romântica. E é interessante perceber o quanto a direção e especialmente o roteiro de Richard Curtis faz do filme uma crítica necessária ao machismo na personagem de Domhnall Gleeson (o Tim), resultando em um filme onde a justaposição de felicidade e dor, doce e amargo, é chave de um resultado passível de muitos debates.
Talvez, esse seja o filme com o coração mais no lugar certo da lista. O envolvimento com os personagens se dá de forma tão gradativa e natural que não é difícil se imaginar tendo algum tipo de amizade com Patrick e Katarina (Heath Ledger e Julia Stiles respectivamente). A trilha sonora (especialmente a utilização das canções) de Richard Gibbs é inventiva a ponto de soar tão espontânea quanto a dupla protagonista. Por mais que seja possível, em algum momento, perceber que Patrick e Katarina estão sendo manipulados pela história (e isso tenha alguma força para derrubar o encanto), 10 Coisas que Eu Odeio em Você é um filme praticamente indispensável para quem gosta de uma comédia romântica (adolescente ou não).
Provavelmente um dos menos conhecidos da lista, Sing Street: Música e Sonho é uma pequena obra-prima dirigida por John Carney (do já ótimo Mesmo Se Nada Der Certo, 2013). A partir de uma premissa aparentemente genérica, que diz sobre um rapaz que foge de uma conturbada vida familiar ao se tornar integrante de uma banda para impressionar uma moça misteriosa, o filme – escrito também por Carney –, constrói conexões tanto dentro do seu próprio desenrolar quanto entre os personagens que parecem refletir em um nível subcutâneo: não arrepia somente, mas faz vibrar. E é tudo tão íntimo, com barreiras sinceras, triunfos satisfatórios e frustrações quase palpáveis que tudo pode ir além da identificação. É a vida em metáforas. São alegorias simples, mas passíveis de interpretações intensas… resta somente estar disponível e aberto para elas.
A falta de direcionamento proposital em um roteiro, que cede um grau de espontaneidade especialmente crível é, talvez, o maior mérito do texto de Laura Terruso (de Fits and Starts) e Michael Showalter (de O Encalhado). Dirigido pela própria Terruso, Doris, Redescobrindo o Amor estuda não somente a personagem título (interpretada por Sally Field), mas uma situação que preconceituosamente é raramente exposta na vida real: o amor de uma mulher mais velha por alguém jovem. O horror social, aqui, é tratado com uma leveza linda de se apreciar e, simultaneamente, dolorosa para se refletir. E tudo se mostra ainda mais forte a partir da atuação tão comovente de Field.
Indicado ao Oscar de Melhor Atriz – para Diane Keaton – o filme escrito e dirigido por Nancy Meyers (do excelente O Amor Não Tira Férias, 2006) é bem rimado com o anterior (Doris, Redescobrindo o Amor) na questão do amor entre pessoas com idades tão distantes. Além de Keaton, o Alguém tem que Ceder conta também com Jack Nicholson, Keanu Reeves, Frances McDormand, Amanda Peet e Jon Favreau. Mas a verdade é que Keaton e Nicholson trazem tanta experiência e são de um humor tão natural que suas personagens funcionam de uma forma quase que inesperada pelo roteiro. Não que o texto de Meyers seja ruim – longe disso –, mas a impressão é que o filme ganha muito mais camadas a partir de uma dupla com tanta química e tanta cumplicidade.
Para muitos, um filme bobo ou até chato mesmo. Mas vejo uma ligação muito próxima com uma das melhores comédias românticas já realizadas: Feitiço de Tempo (de Harold Ramis, 1993). É verdade que não existe em Como se Fosse a Primeira Vez a profundidade do filme de Ramis – estrelado pelo impagável Bill Murray e Andie MacDowell –, mas há um quê de inocência e de romantismo que difere da maioria dos filmes que traziam Sandler como protagonista à época – com exceção do excepcional Embriagado de Amor (de Paul Thomas Anderson, 2002). Tanto que, na sequência, o ator emendaria Espanglês (de James L. Brooks, 2004), outro bom filme dessa sua leva romântica.
Como se Fosse a Primeira Vez revela um olhar mais intimamente passional de Sandler. Existem outras verdades por trás de cada interação sua com a personagem de Drew Barrymore (a Lucy) que, além de terem força para tornar o filme interessante, fazem com que tudo possa ser agradável e positivamente inofensivo.
***
É isso. Poderiam ser muitos… caberiam alguns títulos a mais, de repente, substituindo os que citei. Na prática, é impossível listar cinco ou 10 filmes de maneira unânime. Como dito na introdução, comédias – especialmente as românticas – batem de uma maneira muito pessoal na gente. Resta a subjetividade de cada um para compor a própria lista.
Agora, ficam aí os comentários para que vocês complementem e enriqueçam tudo. Vamos fazendo uma corrente de indicações! Nada melhor do que compartilhar.
Texto originalmente publicado no Canaltech
Um mantra que repito: As expectativas raramente são benéficas quando se trata de cinema. Há, sempre, a necessidade se deixar levar por uma obra para que ela tenha a oportunidade de provar o seu valor. Preconceber julgamentos antes de ter contato real com o objeto pode ser um gesto que venha a desmerecer ou enaltecer o que, a partir de uma visão neutra, não passaria de merecedor de opiniões medianas, mornas.
É verdade que, para um julgamento crítico, é interessante que se faça o possível para que gostos pessoais não maculem o todo, mas jamais se pode deixar de lado o que se é. Se nos abrirmos para uma completa neutralidade, podemos nos tornar um tanto quanto robóticos e, no final das contas, acabamos criando a noção errada de que cinema – como arte que é – pode ser algo exato, quando, na verdade, é bem subjetivo.
Ainda assim, como sempre, para fazer a lista que exponho mais abaixo, procurei não ir aos filmes mais óbvios. A ideia foi trazer indicações que possam acrescentar. Então, dentro do catálogo da Netflix, podem ser encontrados outros tão bons quanto ou até objetivamente (se for possível de algum jeito) e particularmente melhores. Deixei de fora, inclusive, alguns bem aclamados por crítica e público e que estariam em uma lista minha mais clichê, como O Sexto Sentido, Garota Exemplar, Zodíaco… e outros.
Desse modo, garimpei à procura de produções que pudessem servir de indicações para quem gosta de suspense. Assisti aos filmes pensando em como transformar a lista desse que é um dos gêneros mais icônicos do cinema, que tem Hitchcock como mestre, em algo útil, que possa valer, de repente, para expandir o repertório de vocês de alguma forma.
Pensando nisso, vamos à lista dos 5 melhores filmes de suspense disponíveis na Netflix:
Para fãs de suspense, o final pode parecer um tanto quanto previsível. Mas The Fury of a Patient Man se difere dos demais da lista por não alicerçar o seu suspense em reviravoltas. O que o diretor espanhol estreante Raúl Arévalo guia é um roteiro (escrito por ele mesmo e pelo também debutante David Pulido) que jamais julga seus personagens. É uma história que, por si só, é uma grande personagem. Na verdade, ela (a história) é a vilã, é uma marcha inevitável e destrutiva.
Vencedor do Prêmio Goya de 2017 em quatro categorias – Melhor Filme, Melhor Ator Coadjuvante (para Manolo Solo, o Santi no filme), Melhor estreia na Direção e Melhor Roteiro original – Tarde para la ira (o título espanhol) é, provavelmente, o ponto mais fora da curva da lista. Não por permanecer entre gêneros ou se encaixar em outros, mas por não se tratar de algo clássico ou fechado e acabar por ser um recorte, um conto aberto… em direção ao tormento.
Quando Yoo-seok (Mu-Yeol Kim) retorna sem memória dos 19 dias que passou sequestrado, ele está transformado em um homem diferente. Então, Jin-seok (Ha-Neul Kang), seu irmão, decide perseguir a verdade por trás do sequestro.
Contornado por um suspense mais racional do que emocional (como boa parte dos filmes coreanos), Rastros de um Sequestro é um filme que pode deixar o espectador atônito. Se a execução talvez não seja tão acertada, as reviravoltas do roteiro são de se engasgar (cuidado) e o conceito – a estrutura do filme em si – é genial.
Eis um filme que fica no limiar entre gêneros (equilibrando-se entre o drama e o suspense).
Memórias Secretas conta a história de um homem idoso e machucado pela idade que, com a ajuda de um companheiro sobrevivente de Auschwitz e uma carta manuscrita, sai em busca da pessoa que ele acredita ser responsável pela morte de sua família. Seu desejo: vingar-se com as próprias mãos.
Protagonizado pela lenda Christopher Plummer (entre tantos papéis memoráveis, é quem dá a voz a Charles Muntz em Up: Altas Aventuras na versão americana), Memórias Secretas é daqueles filmes que podem bater bem fundo na gente. Com o suspense bem construído pelo diretor egípcio Atom Egoyam (de À Procura, 2014), o filme toca em elementos fundamentais da existência humana – como a dúvida – e rebate nas únicas certezas sobre a vida: todos iremos morrer e, se tivermos sorte, envelhecer antes disso.
Indicado ao Leão de Ouro no Festival de Veneza de 2015, Memórias Secretas ainda conta com o fantástico ator alemão Bruno Ganz (o Hitler de A Queda! As Últimas Horas de Hitler) e contorna todo o drama do protagonista com uma intrincada ação e um final arrebatador.
Um Contratempo parece beber de algumas das melhores fontes que retratam crimes perfeitos, como o próprio Hitchcock e Agatha Christie, além de ter uma evolução progressiva que traz muito dos melhores suspenses de Brian De Palma e uma dinamicidade fácil que se assemelha aos bons textos de Sidney Sheldon.
A verdade é que Um Contratempo é construído com muita racionalidade, amarrado com cuidado e tem uma tensão crescente constante. Cheio de reviravoltas, o filme espanhol do diretor Oriol Paulo, conscientemente, engana, reengana e engana novamente. Ele faz o coração do espectador acelerar e, sabiamente, tem uma leve despretensão, no sentido de que precisa que o público deixe de lado o que tem como verdades possíveis e aceite se submeter a uma história construída para entreter.
Como finalizei a crítica sobre o ele: É um filme excepcional, que depende, sim, do grau de aceitação de quem estiver o assistindo. Pode ser, também, um exercício cardíaco bem interessante, porque, aceitando-o, o coração vai acelerar. E vai ser sem piedade.
Eu não iria colocar esse filme na lista. Em parte, por ser, talvez, mais conhecido que os demais e, também, por não se encaixar exatamente como suspense. Sendo um filme menos badalado do seu diretor – Christopher Nolan (de Dunkirk, 2017) –, O Grande Truque é um meio drama e meio ficção científica recheado de mistério. Assim, com esse mistério tomando conta da atmosfera, o suspense ganha contornos bem interessantes.
Há uma magia na condução desse filme que Nolan parece ter escondido em boa parte dos seus demais. Toda a sua racionalidade e uma certa pretensa exposição, aqui, jamais deixa o resultado cruzar a linha da frieza. É, sim, tudo muito calculado, mas há uma compaixão que torna as camadas mais intensas. Eu, pessoalmente, gosto muito de Nolan (com um ou outro questionamento pelo caminho) e tenho O Grande Truque como o filme de sua carreira que mais me toca.
Infelizmente, não consegui encaixar Adam Sandler na lista. Até tentei, como o fiz na lista de terror, com a animação Hotel Transilvânia (na qual ele dubla o Drácula), mas senti que para suspense seria muita forçação de barra. Se alguém quiser indicar esse bônus nos comentários, fique à vontade por favor!
Mas… vai um extra bem interessante:
Baseado em obra de Stephen King e premiado em festivais de terror, especialmente pela atuação de Carla Gugino (a Olivia Crain da ótima série A Maldição da Residência Hill – nova dica), esse filme dirigido por Mike Flanagan (de Hush – A Morte Ouve – outra dica) acompanha Jessie e sua tentativa de apimentar seu casamento em uma casa remota (uma convenção do gênero). Inesperadamente, seu marido morre e ela, algemada ao estrado da cama, inicia uma luta para sobreviver.
No limite entre gêneros – tanto que está em minha lista de terror –, Jogo Perigoso é criativo o suficiente para fazer o espectador mais empático não desgrudar os olhos da personagem de Gugino e torcer para que toda a situação passada por ela chegue ao fim.
Talvez seja injusto eu listar algumas menções honrosas de fato, já que não acredito em verdades objetivas ou absolutas quando se fala de cinema. Sendo assim, farei as menções a seguir em tom de indicação, do mesmo modo que fiz a lista principal:
Porque trata de um homem demitido, desesperado, caçando um serial killer… e porque coreanos são excepcionais em criar suspenses.
Porque pode ser, de alguma maneira, muito inquietante em sua invasão de privacidade.
Porque é o típico filme de cronômetro: ou você faz em um tempo predeterminado ou você morre… no caso, explode.
Porque, além de ser escrito pelo Oriol Paulo (do e Um Contratempo), pode deixar o espectador tonto com a possibilidade de suspeitar de tudo e de todos.
Porque, além de ser mais uma confrontação com um serial killer, em alguns pontos lembra a obra-prima O Silêncio dos Inocentes (de Jonathan Demme,), especialmente por trazer uma inspetora que lida com seus próprios fantasmas como contraponto.
Porque, apesar de ter sido bem comercializado e muitos conhecerem, é um filme de tubarão… e tubarões sempre merecem estar em listas de suspense ou de terror.
Ficam, então, as indicações e o espaço dos comentários para acréscimos e tudo o que desejarem. Sem dúvida, como sempre ao fazer uma lista, foi dolorido, mas tenho certeza que vocês conseguirão complementar e enriquecer tudo o que está aí.
Texto originalmente publicado no Canaltech
Posso recorrer em erro brutal já no título. Não sou historiador, mas tampouco uma ilha isolada do senso comum. E se perguntar a qualquer transeunte na Venezuela, Colômbia, Bolívia, Equador (talvez Peru, não sei), eles têm um herói em comum na ponta da língua: Simón Bolívar. A Argentina, libertada por San Martin, tem lá seu Che, sua Evita Peron. E o Brasil?
Bolívar não foi um ídolo, como Ayrton Senna e outros mais confundidos com heróis (ultimamente também na seara política). Mas um herói de fato, repleto de conquistas, feitos e atos dignos do status. Bolívar libertou nada menos que seis nações do domínio espanhol em nossa América: Venezuela, Colômbia, Bolívia, Equador, Peru e Panamá.
A recente série Bolívar, da Netflix, retrata toda a sua saga em 60 capítulos de quase uma hora. Digna de maratona! Uma verdadeira novela biográfica de um filho de família abastada, órfão muito cedo e que desde jovem se capacitou para um futuro de glória e também desprezo, já nos últimos dias de vida (um spoiler que não prejudica em nada a andar da série).
A série também narra, em segundo plano, a trajetória de Manuela Saenz, equatoriana amante de Bolívar, conhecida como “Libertadora do Libertador”, de um feminismo pioneiro e responsável por outros atos dignos de heroismo. A série nem conta, mas “Manuelita”, após a morte de Bolívar, foi ainda mais renegada pela sociedade, mas sua história ganhou o mundo e ela mereceu visita de ilustres, como o escritor Helman Melville, autor de Moby Dick.
Estátua de Simón Bolivar no RJ
“Bolívar” mostra ainda um exército corajoso, idealista, que ajudou “O Libertador” em sua empreitada. E eu pensava: afora a epopeia do comandante Luiz Carlos Prestes, totalmente desconhecido do “povão” brazuca, quem mais poderemos comparar com a saga de Bolívar e seu “Exército Patriótico”? Ninguém. Não à toa existe estátua de Bolívar no Rio de Janeiro, sem ele nunca sequer ter pisado aqui!
Nossos livros de história nos conta, sim, a vida de alguns heróis: um Zumbi dos Palmares, um Tiradentes, um Antônio Conselheiro (Prestes sequer é lembrado nos livros!)… Mas são histórias, no âmbito geral e prático, de insucesso, por mais que tenham servido de exemplo. O Quilombo dos Palmares, Canudos, a Coluna Prestes, foram derrotados. E o Brasil foi “descolonizado” a partir de uma quartelada safada, é preciso que se diga!
A série Bolívar conta muito da história da nossa América, de um herói vitorioso, idealista, e também dos efeitos e custos de uma guerra. Como pano de fundo, a corrupção que permeia nosso continente desde o começo das repúblicas latino-americanas, além, como já citado, da fantástica história da heroína Manuela Saens.
Vale a maratona!
Making a Murderer conta a surpreendente história de Steven Avery, um jovem arruaceiro que cometeu pequenos roubos e herdou ainda o sobrenome de uma família marginalizada pela sociedade do pequeno condado de Manitowoc, no interior do estado de Winsconsin. Os Avery, além de pobres, donos de um ferro-velho que margeia a cidade, eram reclusos e de hábitos distintos da população.
Com a fama de contravenções (roubo de sanduíches e morte de um gato, além de agressões entre membros da própria família), Avery é acusado, em 1985, de um crime totalmente fora do seu perfil de até então: um violento estupro a uma figura proeminente da sociedade Manitowoquense. A descrição da vítima batia com as características físicas de Steven Avery. E a polícia não teve dúvida em prendê-lo, sem maiores investigações.
Steven passou 18 anos na prisão. Poderia ganhar a condicional em 10, mas se recusou a admitir o crime. Somente em 2003 foi realizado novo exame de DNA a partir de material recolhido á época e se descobriu o verdadeiro criminoso, que nesse ínterim cometeu outros dois estupros. Inocentado, Avery a ação movida por ele contra o Estado previa 36 milhões de indenização.
Claro, o pequeno Estado ou mesmo os oficiais responsáveis pela prisão errônea não queriam pagar essa fortuna. E logo Steven foi acusado e preso de um homicídio doloso, desta vez, com prisão perpétua sem direito à condicional. A mídia relata o fato de forma destruidora. Parecia o fim do que restava de reputação de Steven.
A partir daí a série se torna ainda mais interessante. A coleção de contraprovas que os dois advogados de Steven consegue para anular a sentença parece indiferente aos olhos da Justiça. Era uma briga judicial entre o poder do Estado e o cidadão pobre. Entre a mídia e os fatos. E a corda sempre arrebenta do lado mais fraco.
A docussérie é dividida em duas partes. A primeira com 10 capítulos aborda o período dos 18 anos de Steven na prisão, a soltura após 18 anos, a segunda condenação e a tentativa dos advogados em anular a sentença. A segunda parte mostra uma advogada que assume o caso para tentar novo julgamento. E paro por aqui.
É uma série que nos traz inúmeras lições a respeito da barbárie humana, do poder estatal, da influência midiática sobre a visão das pessoas. E se o noticiário destroçou a reputação de Steven, de seu sobrinho e da família, Making a Murderer mostra o papel de uma mídia bem trabalhada. A docussérie foi lançada ainda durante o julgamento e reacendeu o caso após uma revolta de âmbito mundial.
Mas muito mais que tudo isso, Making a Murderer trata sobre limites do ser humano. Seja na crueldade ou no sofrimento.
É isso. Está disponível na Netflix. #FicaDica
Filmes baseados em fatos, ok. Filmes baseados em fatos sobre montanhismo e escalada, chega! Pelo menos uns três que assisti contavam a mesma história. Aquela dureza infinita para chegar ao cume, e as histórias de heroísmo e perda durante o processo. Mas ‘Escalando Dawn Wall’ reinventou o gênero e não à toa foi indicado ao Oscar de melhor documentário.
O filme documenta e humaniza a saga de Tommy Caldwell, filho de um fisiculturista grosseirão que o criou junto às intempéries da natureza para acostumar a cria às dificuldades. Mas Tommy se tornou uma criança tímida e até “retardada” na escola. A guinada veio aos 16 anos quando se inscreveu num concurso de escalada e, mesmo sem currículo, alcançou uma marca inédita na competição. Daí a crescente foi vertiginosa e logo foi considerado dos maiores do esporte no mundo.
Anos depois, Tommy foi convidado, junto à apaixonada esposa e mais dois profissionais para uma escalada no Quirguistão, na Ásia Central. Lá a equipe foi tomada como refém de rebeldes. Foram seis dias de fome e medo. E só esse episódio já renderia um filme. Mas condensaram o acontecimento a um detalhe influenciador na carreira de Tommy.
Um inferno astral se seguiria com o fim do casamento, a perda de um dedo numa serra de marcenaria e uma obstinação rara de superação. Volta-se a possibilidade de clichê de uma trajetória de heroismo. Mas é diferente. Tem algo de mais técnico na seara audiovisual, tem algo mais humano e ainda uma ironia fina com a repercussão midiática dos feitos de Tommy, afora o tom biográfico do filme.
É um documentário que vale assistir. Se acaba com sorriso no rosto e, aos mais sensíveis, talvez até um cisco ou lágrima de cebola ralada.
O maior escritor colombiano da história e um dos maiores da América Latina, Gabriel García Márquez faria 92 anos hoje e ganhou um senhor anúncio de presente: seu mais célebre livro, 100 Anos de Solidão, será adaptado às telas e virará série da Netflix.
De acordo com matéria do Estadão, a série será toda “gravada na Colômbia e apenas com atores latinos, condições impostas pela família Márquez”.
García Márquez morreu em 2014 e desde muito tempo recebia convites para transformar a obra literária em audiovisual. Mas exigências de que fosse feita em espanhol espantava gigantes de Hollywood.
“Em realismo fantástico, 100 anos de solidão narra a história da família Buendía ao longo de gerações. O livro, que já vendeu mais de 50 milhões de cópias e foi traduzido para 46 idiomas, é considerado uma obra-prima da literatura latino-americana, alçando Gabriel García Márquez à condição de grande autor do século XX e ganhador do Nobel de Literatura em 1982”, completa a matéria.
A docussérie Vai Anitta estreou sexta-feira na Netflix. São seis episódios curtos, com média de 30 minutos sobre a carreira e a vida pessoal da talvez maior estrela da música brasileira na atualidade. Pelo menos em termos de alcance e reconhecimento.
Vai Anitta conta com produção executiva da própria artista. É claramente mais uma ferramenta de marketing da cantora, além de outra cartada da Netflix para capitalizar em cima do inegável e ainda crescente sucesso de Anitta.
No entanto, a série é muito bem produzida e traz ao telespectador aspectos interessantes e até novos na gerência artística e de marketing nesses tempos de redes sociais, plataformas de streaming e quetais.
E sob esse ângulo, a série é diferenciada. Mostra as origens de Anitta até o estrelato e os esforços, a criatividade e a organização dela nessa gestão de carreira, abrindo espaço no cenário internacional. Tudo retratado de forma muito transparente, como a própria Anitta afirma nesta entrevista AQUI.
Aos mais curiosos ou à mídia do espetáculo, vale alguns fatos curiosos, como os poucos minutos em qua fala do seu período depressivo ou quando vomitou em cima do namorado após uma hora da oficialização da relação.
Embora a série tente “humanizar” a artista, mostrando sua simpatia, determinação e personalidade cativante, além de cenas descontraídas de bastidores e depoimentos de familiares, amigos e de sua equipe, no fim vale mais como documentário para entendermos um pouco como funciona o business por trás dos grandes artistas de hoje.
É um produto com excelente ritmo, bem estruturado e que cumpre seu propósito de entretenimento. E apesar da suspeição desse propósito, retrata uma artista legítima, que conquistou seu espaço com talento e esforço próprios. E isso é muito bem mostrado. Parte da própria Anitta muitas das estratégias de publicidade e produção de videoclipes, além das próprias composições.
É um doc que foge dos padrões de outros do tipo. Se assemelha mais a reality-shows, do tipo da família Kardashian, focado na vida pessoal, cenas de bastidores e na personalidade da artista. E esse lado funciona como liga para o recorte de sua carreira.
Parcerias de Anitta com algumas estrelas do atual mercado musical internacional, o acesso a mídias estrangeiras, a colocação na Billboard e o espaço crescente neste universo coloca a artista em posição de estrela maior da música brasileira, como um dia foi Tom Jobim. E isso poderia ser melhor explorado.
Uma segunda temporada já foi confirmada. E pelo menos o desfecho da primeira não deixa pistas do que virá. Claro, sua carreira ascendente no mercado internacional está em voga e provavelmente esteja bem presente nos próximos capítulos. Só espero que mais aprofundada em sua carreira e menos na vida pessoal.
Como toda crítica, o texto contém alguns spoilers. Nada demais para o que vem a ser, talvez, a melhor
das três temporadas da série Demolidor. Ou pelo menos a mais densa do ponto de vista psicológico e religioso, sem deixar as cenas de quebrapau de lado.
Por essência, o advogado Matt Murdock, o Demolidor, é mentalmente perturbado pelo abandono durante a infância e adolescência. Isso ficou claro nas duas temporadas iniciais, mas nesta última, com 13
capítulos disponíveis na Netlix desde sábado, ganhou intensidade.
Matt parece cansado e confuso sobre seu papel de justiceiro. A todo instante se martiriza sobre perdas de pessoas próximas e se isola com medo dos amigos Foggy e Karen também sofrerem o mesmo destino. Parece querer fugir da sua essência e, de fato, em nenhum episódio ele veste a farda do Demolidor.
Na tentativa de reencontrar seu eu, ele se refugia no orfanato onde viveu sua infância. Enquanto isso, o Rei do Crime, Wilson Fisk arquiteta seu plano dominante com ajuda de um galado especialista em foder os outros por tabela, que viria a ser o Mercenário e durante boa parte da temporada, ele comanda geral.
A aflição do espectador perdura bastante com esse crescimento vertiginoso do poder de Fisk. O Demolidor apanha mais que sovaco de aleijado nessa temporada. Talvez pela confusão mental que lhe perturba, talvez pela falta do traje que alivia as pancadas. Por vezes me lembrou Logan, o derradeiro filme de Wolverine. E não só pelo tom um pouco mais decadente do herói, mas pela dramatização da série. Um drama com heróis e não o inverso.
E os dramas, muitas vezes provocados pela linha tênue que separa o bem e o mal, afligem também outros personagens, como a agora “jornalista” Karen Page, o agente Ray ou o “falso Demolidor” e grande vilão da nova temporada, Dex. Alguns capítulos, inclusive, pouco se vê ação; alguns até com participação bem reduzida do protagonista, o que, penso, ser um dos poucos defeitos.
Embora o personagem Dex, interpretado por Wilson Bethel tenha sido construído como o grande antagonista desta temporada, é impressionante o impacto do Wilson Fisk de Vicent D’Onofrio. Não só pelo trabalho majestoso de interpretação, com todos aqueles trejeitos de um ser frio e calculista, mas pela identificação com cenários políticos atuais mundo afora, de compra de subornos a instituições de poder e de manipulação da mídia. Muito disso visto em séries baseadas em fatos, como Narcos.
E diante deste cenário, a quem recorrer, se a Justiça está comprada, se a polícia foi subornada e a mídia distorce os fatos? A um super-herói cheio de conflitos internos? Aos heróis da realidade, como uns poucos advogados, jornalistas e agentes de polícia idôneos? O que sei é que a Marvel se salvou mais uma vez com esta terceira temporada de Demolidor.
Aos fãs de documentários sobre música há um universo convidativo de filmes no catálogo da Netflix, e relativamente novos. Tenho explorado alguns de uns dias para cá, com resultado satisfatório. Pretendo assistir ainda os da banda Chicago, Greateful Dead e da Nina Simeone, pelo menos. Sim, todos “dazantiga”, mas há também aos adeptos dos anos 90, como Oasis. Aos do rock, a trajetória do Foo Figheters, do Metallica. E aos mais moderninhos, a Lady Gaga. Enfim, opções variadas para quem gosta do universo dos bastidores da música e antes explorava a gôndola de biografias na videolocadora.
Nesse duelo de guitarristas das duas maiores bandas do pop-rock mundial, quem leva de goleada é Keith Richards. Pelo menos nos dois documentários que vi sobre eles. E olha que o do caçula dos Beatles foi dirigido por ninguém menos que Martin Scorsese. Chama-se ‘George Harrison: Living in the Material World’ (2011). E traz personagens e depoimentos interessantes, curiosos, mas sem apuro estético, sem inovação e, para um beatlemaníaco, sem tantas novidades.
Já o ‘Under The Influence’ (2015), dirigido por um tal Morgan Neville, desmistifica pelo menos dois mitos sobre o guitarrista e compositor dos Rolling Stones: o de que ele é um porra louca e o de que é um guitarrista simplório. O doc mostra um cara centrado, mesmo com copo de whisky e cigarro na mesma mão, e um puta músico multi-instrumentista. Vale dar uma sacada nos dois docs, mas se escolher um, mergulha na figura mais underground dos Stones.
‘Bowie: The Man Who Changed the World’ (2016), de Sonia Anderson, vai além de guitarras e composições. Deixa essa disputa para os dois acima. Aqui falemos de estética, de arte e cultura e… tudo bem, de música, claro. Me serviu demais para dimensionar ainda mais a importância e, sobretudo, a influência desse cara para a música e o comportamento de um jovem rocker ao longo de décadas.
Na construção técnica e criativa de um documentário, ainda prefiro o Under The Influence, mas a figura icônica e multifacetada de David Bowie ajuda a tornar qualquer filme interessante. Alguns podem sentir falta de mais detalhes na construção dos álbuns, na cronologia dos fatos e outras informações comuns em docs sobre figuras da música. Mas Bowie vai além disso e o filme também quebra esses paradigmas.
Com o pomposo nome de ‘It Was Fifty Years Ago Today! The Beatles: Sgt Pepper And Beyond’, este doc lançado ano passado celebra os 50 anos do maior álbum pop da história. E sim, mesmo aos beatlemaníacos já extasiados de tanta bibliografia da banda, vale assistir. Muita gente curiosa entre os entrevistados, como a irmã de Lennon e alguns dos principais jornalistas e biógrafos do quarteto, afora muitas entrevistas pouco exibidas da banda.
Não sei se proposital, mas o doc começa exatamente no período posterior ao último filme lançado sobre os Beatles: ‘Eight Days a Week’, dirigido por Ron Howard e que compreende os primeiros anos da banda, até 1966, quando finalizaram as turnês. Então, ‘It Was Fifty Years Ago…’, dirigido por Alan Parker, funciona com uma espécie de continuação. O filme começa no segundo semestre de 1966 e termina em 1967 com o sucesso de Sgt. Peppers. Seria massa outro doc que encerrasse o ciclo, até 1970.
O clássico Hotel California me puxou a assistir ‘History of the Eagles’. Nunca fui fã da banda, mas adoro Hotel Califórnia e ansiava por alguma história bacana ou um doc bem acabado sobre a história por trás da música. Mas resisti estoicamente a duas das mais de três horas do filme e não há nada além daqueles cinco caras de calças jeans tocando canções country-pop legaizinhas com um baterista de voz rouca e muito massa e um documentário bonzinho. O Eagles é aquele aluno que, com muito esforço, passa por média na escola.
Se eu disser que existe um plano minuciosamente arquitetado pelos mais ricos para que as riquezas do mundo estejam nas mãos de cada vez menos gente?
Se eu disser que os mais ricos usam de todos os artifícios, do lobby com os políticos à retirada de direitos adquiridos, pra manter você com pouco dinheiro?
Se eu disser que esse plano vem sendo tão bem-sucedido que hoje 1% da população mundial detém a mesma riqueza que os outros 99% restantes?
Tudo isso parece teoria da conspiração, coisa de episódio de Arquivo X, viagem de anticapitalista, mas não é. Trata-se apenas da observação da história da Humanidade e dos rumos que a economia mundial vem tomando.
E essa observação minuciosa foi feita por ninguém menos que Noam Chomsky, premiadíssimo intelectual americano que é hoje um dos pensadores mais importantes do mundo, num documentário certeiro disponível na Netflix.
Analisando a evolução da economia norte-americana, Chomsky mostra em “Requiem for the American Dream” (EUA, 2015) como as relações espúrias entre o meio político e o empresarial vêm minando a democracia e aumentando a concentração de renda.
São análises expostas numa linguagem acessível, sem tecnicismos, com muitos exemplos práticos para compor o que o documentário chama de “10 princípios da concentração de renda e poder”. E é um tiro a cada pensamento.
Uma teoria que explica como chegamos aquiO documentário acompanhou o pensador durante quatro anos, registrando suas observações sobre os rumos da economia e a deterioração da democracia. Apesar de falar diretamente sobre a política dos EUA, o panorama que Chomsky traça vale para todas as realidades.
A teoria é bem simples — e não contém nenhuma novidade pra quem vem acompanhando as notícias sobre a Lava Jato e as relacões escusas entre políticos e empresas. Segundo Chomsky, os grandes grupos empresariais corrompem políticos para conseguir mais lucro; quando têm mais lucro, corrompem mais políticos; e assim indefinidamente até chegar ao que vemos hoje: 1% da população mundial detém a mesma renda que os outros 99%.
Para embasar sua tese, Chomsky viaja pela história da economia norte-americana, mostrando exemplos incontestes da deterioração da democracia devido ao capitalismo.
Um bom exemplo foi o crescimento da atividade dos lobistas, que nos EUA é uma profissão legalizada — mas nem por isso moral. Os lobistas são pagos para convencer políticos a votar conforme as multinacionais desejam, e os efeitos disso são devastadores: um mundo que na prática é governado pelas megacorporações e não pelo povo.
Chomsky em ação: ideias afiadas e embasadas
Como é possível que alguns tenham tanto dinheiro a ponto de não terem como gastá-lo, enquanto outros morrem de fome? Como é possível que o processo eleitoral se encha de promessas revolucionárias que nunca são postas em prática? Como é possível que o mundo tenha chegado ao ponto que chegou?
Chomsky aponta como única saída possível o ativismo. Segundo ele, somente quando as pessoas se unem e se insurgem contra o Sistema é que conseguem alterações substanciais em suas vidas.
Ou seja: para as megacorporações, você é tão pobre quanto os 99% do mundo que já citei. E tem que ser controlado, doutrinado e contido para que o plano da concentração de renda e poder siga a todo vapor.
Não se engane, tá? A falsa ilusão de que você tem riqueza e poder é parte do plano. Porque mesmo vivendo melhor que a média, você continua enfrentando problemas que os realmente ricos não enfrentam: violência urbana, serviços públicos ruins, suscetibilidade às inseguranças econômicas, jornadas de trabalho excruciantes etc.
“Requiem for the American Dream” cai como uma luva no Brasil pós-Lava Jato — esse Brasil em que a classe média acha que é rica e trata os pobres como escória. E é por isso que o documentário é obrigatório: para entendermos onde estamos, e também para onde vamos, é imprescindível que compreendamos como chegamos até esse ponto.
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Eis um trechinho que catei no YouTube pra dar o gostinho do que te espera:
Requiem for the American Dream (EUA, 2015)
Direção: Kelly Nyks, Jared P. Scott
Elenco: Noam Chomsky
Duração: 1h18min.
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Pra quem se interessou, mas ainda está em dúvida, vou fazer um resumo dos 10 princípios chomskyanos para a concentração de riqueza e poder. Não substitui o documentário, mas vai dar uma instigada em você.
Concentração do poder político na mão dos mais ricos, para que as decisões privilegiem quem já tem muito dinheiro.
Afastar os mais jovem da política através de instrumentos como a mídia e a escola, por exemplo. Alguém pensou no Escola Sem Partido?
O mercado financeiro é uma invenção recente e redesenhou a economia. Antes baseada em produção, agora baseada em lucro. Ou seja, quem tem muito dinheiro ganha mais dinheiro sempre.
O sistema é pensado para dividir o prejuízo entre os mais pobres e o lucro entre os mais ricos. Na prática, os mais pobres sustentam os mais ricos. Sabe o pato da Fiesp?
A cultura do eu, típica do capitalismo, afasta as pessoas umas das outras. Isso gera a diminuição dos levantes populares e, consequentemente, mina o poder dos mais pobres.
A regulação do Governo precisa ser dominada, para que aja a favor de quem está sendo regulado. Por exemplo, parlamentares têm suas campanhas financiadas por corporações e depois criam leis que são benéficas apenas a essas corporações. #LavaJatoFeelings
Através do poder econômico, as corporações elegem quem querem e retiram do poder quem não querem. Dilma, algo a dizer a respeito?
Dar insegurança econômica através de poucos direitos trabalhistas é uma forma de manter o povo com a bola baixa. Parece que Temer viu esse documentário, hein!
A tal sociedade de consumo, basicamente, é isso — desejos doutrinados. Você quer uma vida melhor e até pensa em lutar por isso, mas aí vai no shopping, compra uma smartTV e essas ideias esquerdistas somem magicamente.
Sabe aquela história “Brasil, ame-o ou deixe-o”? Pois bem, o lema da Ditadura de 1964 é a marginalização da população em sua essência: se você se insurge contra o Sistema, você é tratado como ameaça. E extirpado. Lembrou dos blackblocs?
É óbvio que minha lista parca não chega aos pés da genialidade com que Chomsky expôe seus pontos de vista no documentário. Então não se dê por satisfeito. Busque essa horinha de elevação intelectual na sua Netflix.
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“Jorge Paulo Lemann (AB Inbev), Joseph Safra (Banco Safra), Marcel Hermmann Telles (AB Inbev), Carlos Alberto Sicupira (AB Inbev), Eduardo Saverin (Facebook) e Ermirio Pereira de Moraes (Grupo Votorantim) são as seis pessoas mais ricas do Brasil. Eles concentram, juntos, a mesma riqueza que os 100 milhões mais pobres do país, ou seja, a metade da população brasileira (207,7 milhões).”
“As desigualdades social e de gênero se acentuaram no Brasil. Esse é o diagnóstico revelado pelo Programa das Nações Unidas para o Desenvolvimento(PNUD), o Índice de Desenvolvimento Humano (IDH), com dados de 2015, divulgado nesta terça-feira. O país ocupa o 79º lugar entre 188 nações no ranking de IDH, que leva em conta indicadores de educação, renda e saúde, mas despencou 19 posições na classificação correspondente à diferença entre ricos e pobres.”
À primeira vista, “Cara gente Branca” (Netflix, 2017, criada por Justin Simien, baseada no filme homônimo de 2014) é apenas uma comédia sobre universitários. Bem à primeira vista. Já logo após a abertura, entendemos que a série veio para cutucar questões sociais até então adormecidas na dramaturgia.
É comum que séries, filmes e novelas explorem o tema do racismo (é um excelente pontapé dramático para contar histórias com alta carga de conflito), mas em geral esses produtos trabalham com o racismo clássico — a saber: escravidão, Apartheid, segregação social. Ou seja: a dramaturgia acaba explorando o tema apenas em seu viés mais exagerado, dando a sensação confortável de que o racismo é um problema bem distante de nossas vidas.
Não é.
O que “Cara Gente Branca” traz de novo é isso: a série explora o racismo cotidiano, aquele tão sutil e tão velado que até pode ser disfarçado de piada ou opinião — o racismo que você provavelmente já vivenciou, como vítima ou como algoz.
“Cara Gente Branca” expõe esses conflitos com humor ácido, por vezes incômodo, mas tão próximo à realidade que é impossível não se sentir tocado. A série não é militante, mas é sobre militância. Neste sentido, é uma série para todos: negros, brancos, índios etc.
É com esse conselho que Sam (Tessa Thompson) inicia seu programa na rádio universitária logo após a desastrosa festa de Halloween que uma irmandade organiza. O episódio é o grande fio condutor da série: querendo fazer humor, os alunos brancos do tabloide Pastiche organizam uma Blackface Party — ou seja, uma festa em que brancos vão fantasiados de negros. Mas os negros da universidade não ficam nada contentes com a piada: invadem a festa, destroem o equipamento de som, ameaçam os convidados e tudo vira um caso de polícia.
Em cima desse conflito, a série se constrói: é ofensivo quando um branco se fantasia de negro?; é legítimo lançar mão da liberdade de expressão para defender um ponto de vista racista?; é possível que brancos e negros convivam pacificamente depois de tudo que já aconteceu?
Sam, que apresenta o programa “Dear White People” na rádio da Universidade de Winchester, compra essa briga e parte pra cima do pessoal do Pastiche, se transformando num símbolo da luta racial. Mas Sam tem um segredo. Ela namora Gabe, um homem branco que não está mais a fim de manter a relação em segredo.
Troy (Brandon Bell), por exemplo, está prestes a ser o primeiro negro eleito para a presidência do centro acadêmico. Orientado por seu pai, que é reitor da universidade, Troy tenta não tomar partido na tensão que cresce entre brancos e negros — e assim vai mostrando como muitos oprimidos se acostumam a agir como o opressor para serem plenamente aceitos.
Blackface Party: cara gente branca, nao façam isso
Já Coco (Teyonah Parris) nos mostra como a opressão pode fazer com que sigamos caminhos totalmente alheios à nossa cultura. Objetificada como a maioria das mulheres negras, Coco é inteligente, sagaz e forte, mas está sempre relegada ao papel de amante ou namorada silenciosa. Coco precisa entender seu papel no mundo, como todos os seres humanos, mas com uma diferença: para entender seu papel, precisa entender primeiro os males que a sociedade machista e racista causam em sua história de vida.
Enquanto isso, o calouro Lionel (Tyler James Williams) entra para a equipe do jornal da universidade com profundos questionamentos sobre sua sexualidade. Como escapar do esteriótipo de homem negro viril e hipersexualizado para fazer com que compreendam que ele é mais complexo que essa simplificação?
A recusa de Lionel em se encaixar em um rótulo (gay, hétero, bi) é quase um ato de resistência: é o homem negro negando-se a ser qualificado apenas pelo que a Casa Grande permitiu. Enquanto apura a historia que jogou brancos e negros para lados opostos, Lionel vai criando seus próprios rótulos — e lutando contra eles.
A negra que age como branca: mais uma vítima do racismo velado
A questão racial ganha o olhar do outro, numa inédita inversão de perspectivas neste tema, quando temos acesso ao ponto de vista de Gabe (John Patrick Amedori). O novo namorado de Sam é branco, hipster e entusiasta de causas sociais. Mas as limitações que a própria luta racial impõe a brancos que convivem com negros parecem estar atrapalhando seu relacionamento. Quando Sam está chateada comum caso de racismo, por exemplo, Gabe tenta demonstrar empatia e recebe de volta a seguinte resposta: “Você nunca vai entender a dor do meu povo”. A série retrata bem o impacto que o empoderamento do negro tem na vida dos brancos.
“Cara Gente Branca” trata de conflitos atuais, que muito provavelmente ocorrem no seu ambiente de trabalho, na sua escola ou na sua casa. Como, por exemplo, o branco que não se considera racista porque tem amigos negros — e por não se considerar racista, se acha no direito de fazer piadas racistas sob o argumento da liberdade de expressão. Ou então a mulher negra que é objetificada a ponto de aceitar essa objetificação — e alisa o cabelo, e adota hábitos que não são da sua cultura, e renega seu passado, tudo para ser aceita no clubinho dos homens brancos.
Que homão da porra!
A sequência em que um personagem negro repreende um branco por dizer “nigga” é um resumo quase didático do conflito. Os dois estão cantando um hip hop numa festa e o negro se sente ofendido quando o branco, seguindo a letra da música, entoa um verso que termina com “nigga”. O branco não entende por que aquele fato ofende o negro; o negro se irrita porque o branco não faz esforço algum para compreender a questão.
Em determinada hora, o negro pergunta: “Se eu te chamasse de branquelo azedo, você se ofenderia?” O branco prontamente responde: “Não”. E aí vem a resposta que encerra a questão. Sem condescendências, o negro joga a sua tréplica: “Pois é, essa é a diferença entre nós: eu me ofendo quando você me chama de crioulo”.
Convenhamos, não é tão complicado compreender. É só ter um pouquinho de generosidade.
Cara Gente Branca — 1ª Temporada — EUA, 2017
Criação: Justin Simien
Direção: Justin Simien, Tina Mabry, Barry Jenkins, Steven Tsuchida, Nisha Ganatra, Charlie McDowell
Roteiro: Justin Simien, Chuck Hayward, Njeri Brown, Leann Bowen, Jack Moore, Nastaran Dibai
Duração: 10 episódios de aprox. 30 min.
Inspirado na série, resolvi fazer a minha própria listinha de conselhos para as pessoas brancas. Lá vai:
1. Não, eu não sou parecido com Will Smith, nem com Shaquile O’Neal, nem com Joaquim Barbosa. Nós apenas somos negros. As semelhanças acabam aí.
2. Quando você diz “Ela é uma negra bonita” é sim racista. Afinal, você nunca diz “Ela é uma branca bonita”.
3. Eu não sei de onde veio minha família. Só sei que em algum momento meus antepassados foram propriedade de uma família portuguesa. Isso provoca um vazio em minha trajetória que você nunca vai compreender.
4. Nenhuma intimidade é suficientemente forte a ponto de permitir piadas racistas. Quando você pressupõe isso, está apenas sendo racista. Da pior espécie.
5. Meu pau não é enorme. Parem com isso, por favor.
6. Cabelo bom é cabelo hidratado, brilhante e bem nutrido. Parem de chamar cabelo crespo de cabelo ruim. É vergonhoso.
7. Quando eu afirmo que você tem privilégios, não estou dizendo que sua vida é fácil. Estou apenas afirmando que enfrentei e enfrentarei alguns problemas na vida que nunca acontecerão com você.
8. Você não sabe a sensação de desterro e desesperança que dá quando alguém muda de calçada por se sentir ameaçado com sua presença.
9. Eu achava que não era negro. Consegue imaginar? Eu me olhava no espelho e via uma criança branca. Enquanto isso, no colégio, meu melhor amigo me chamava de boneco de piche.
10. Beyoncé é negra. Aceite.
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