Posso recorrer em erro brutal já no título. Não sou historiador, mas tampouco uma ilha isolada do senso comum. E se perguntar a qualquer transeunte na Venezuela, Colômbia, Bolívia, Equador (talvez Peru, não sei), eles têm um herói em comum na ponta da língua: Simón Bolívar. A Argentina, libertada por San Martin, tem lá seu Che, sua Evita Peron. E o Brasil?
Bolívar não foi um ídolo, como Ayrton Senna e outros mais confundidos com heróis (ultimamente também na seara política). Mas um herói de fato, repleto de conquistas, feitos e atos dignos do status. Bolívar libertou nada menos que seis nações do domínio espanhol em nossa América: Venezuela, Colômbia, Bolívia, Equador, Peru e Panamá.
A recente série Bolívar, da Netflix, retrata toda a sua saga em 60 capítulos de quase uma hora. Digna de maratona! Uma verdadeira novela biográfica de um filho de família abastada, órfão muito cedo e que desde jovem se capacitou para um futuro de glória e também desprezo, já nos últimos dias de vida (um spoiler que não prejudica em nada a andar da série).
A série também narra, em segundo plano, a trajetória de Manuela Saenz, equatoriana amante de Bolívar, conhecida como “Libertadora do Libertador”, de um feminismo pioneiro e responsável por outros atos dignos de heroismo. A série nem conta, mas “Manuelita”, após a morte de Bolívar, foi ainda mais renegada pela sociedade, mas sua história ganhou o mundo e ela mereceu visita de ilustres, como o escritor Helman Melville, autor de Moby Dick.
Estátua de Simón Bolivar no RJ
“Bolívar” mostra ainda um exército corajoso, idealista, que ajudou “O Libertador” em sua empreitada. E eu pensava: afora a epopeia do comandante Luiz Carlos Prestes, totalmente desconhecido do “povão” brazuca, quem mais poderemos comparar com a saga de Bolívar e seu “Exército Patriótico”? Ninguém. Não à toa existe estátua de Bolívar no Rio de Janeiro, sem ele nunca sequer ter pisado aqui!
Nossos livros de história nos conta, sim, a vida de alguns heróis: um Zumbi dos Palmares, um Tiradentes, um Antônio Conselheiro (Prestes sequer é lembrado nos livros!)… Mas são histórias, no âmbito geral e prático, de insucesso, por mais que tenham servido de exemplo. O Quilombo dos Palmares, Canudos, a Coluna Prestes, foram derrotados. E o Brasil foi “descolonizado” a partir de uma quartelada safada, é preciso que se diga!
A série Bolívar conta muito da história da nossa América, de um herói vitorioso, idealista, e também dos efeitos e custos de uma guerra. Como pano de fundo, a corrupção que permeia nosso continente desde o começo das repúblicas latino-americanas, além, como já citado, da fantástica história da heroína Manuela Saens.
Vale a maratona!
Making a Murderer conta a surpreendente história de Steven Avery, um jovem arruaceiro que cometeu pequenos roubos e herdou ainda o sobrenome de uma família marginalizada pela sociedade do pequeno condado de Manitowoc, no interior do estado de Winsconsin. Os Avery, além de pobres, donos de um ferro-velho que margeia a cidade, eram reclusos e de hábitos distintos da população.
Com a fama de contravenções (roubo de sanduíches e morte de um gato, além de agressões entre membros da própria família), Avery é acusado, em 1985, de um crime totalmente fora do seu perfil de até então: um violento estupro a uma figura proeminente da sociedade Manitowoquense. A descrição da vítima batia com as características físicas de Steven Avery. E a polícia não teve dúvida em prendê-lo, sem maiores investigações.
Steven passou 18 anos na prisão. Poderia ganhar a condicional em 10, mas se recusou a admitir o crime. Somente em 2003 foi realizado novo exame de DNA a partir de material recolhido á época e se descobriu o verdadeiro criminoso, que nesse ínterim cometeu outros dois estupros. Inocentado, Avery a ação movida por ele contra o Estado previa 36 milhões de indenização.
Claro, o pequeno Estado ou mesmo os oficiais responsáveis pela prisão errônea não queriam pagar essa fortuna. E logo Steven foi acusado e preso de um homicídio doloso, desta vez, com prisão perpétua sem direito à condicional. A mídia relata o fato de forma destruidora. Parecia o fim do que restava de reputação de Steven.
A partir daí a série se torna ainda mais interessante. A coleção de contraprovas que os dois advogados de Steven consegue para anular a sentença parece indiferente aos olhos da Justiça. Era uma briga judicial entre o poder do Estado e o cidadão pobre. Entre a mídia e os fatos. E a corda sempre arrebenta do lado mais fraco.
A docussérie é dividida em duas partes. A primeira com 10 capítulos aborda o período dos 18 anos de Steven na prisão, a soltura após 18 anos, a segunda condenação e a tentativa dos advogados em anular a sentença. A segunda parte mostra uma advogada que assume o caso para tentar novo julgamento. E paro por aqui.
É uma série que nos traz inúmeras lições a respeito da barbárie humana, do poder estatal, da influência midiática sobre a visão das pessoas. E se o noticiário destroçou a reputação de Steven, de seu sobrinho e da família, Making a Murderer mostra o papel de uma mídia bem trabalhada. A docussérie foi lançada ainda durante o julgamento e reacendeu o caso após uma revolta de âmbito mundial.
Mas muito mais que tudo isso, Making a Murderer trata sobre limites do ser humano. Seja na crueldade ou no sofrimento.
É isso. Está disponível na Netflix. #FicaDica
Filmes baseados em fatos, ok. Filmes baseados em fatos sobre montanhismo e escalada, chega! Pelo menos uns três que assisti contavam a mesma história. Aquela dureza infinita para chegar ao cume, e as histórias de heroísmo e perda durante o processo. Mas ‘Escalando Dawn Wall’ reinventou o gênero e não à toa foi indicado ao Oscar de melhor documentário.
O filme documenta e humaniza a saga de Tommy Caldwell, filho de um fisiculturista grosseirão que o criou junto às intempéries da natureza para acostumar a cria às dificuldades. Mas Tommy se tornou uma criança tímida e até “retardada” na escola. A guinada veio aos 16 anos quando se inscreveu num concurso de escalada e, mesmo sem currículo, alcançou uma marca inédita na competição. Daí a crescente foi vertiginosa e logo foi considerado dos maiores do esporte no mundo.
Anos depois, Tommy foi convidado, junto à apaixonada esposa e mais dois profissionais para uma escalada no Quirguistão, na Ásia Central. Lá a equipe foi tomada como refém de rebeldes. Foram seis dias de fome e medo. E só esse episódio já renderia um filme. Mas condensaram o acontecimento a um detalhe influenciador na carreira de Tommy.
Um inferno astral se seguiria com o fim do casamento, a perda de um dedo numa serra de marcenaria e uma obstinação rara de superação. Volta-se a possibilidade de clichê de uma trajetória de heroismo. Mas é diferente. Tem algo de mais técnico na seara audiovisual, tem algo mais humano e ainda uma ironia fina com a repercussão midiática dos feitos de Tommy, afora o tom biográfico do filme.
É um documentário que vale assistir. Se acaba com sorriso no rosto e, aos mais sensíveis, talvez até um cisco ou lágrima de cebola ralada.
O maior escritor colombiano da história e um dos maiores da América Latina, Gabriel García Márquez faria 92 anos hoje e ganhou um senhor anúncio de presente: seu mais célebre livro, 100 Anos de Solidão, será adaptado às telas e virará série da Netflix.
De acordo com matéria do Estadão, a série será toda “gravada na Colômbia e apenas com atores latinos, condições impostas pela família Márquez”.
García Márquez morreu em 2014 e desde muito tempo recebia convites para transformar a obra literária em audiovisual. Mas exigências de que fosse feita em espanhol espantava gigantes de Hollywood.
“Em realismo fantástico, 100 anos de solidão narra a história da família Buendía ao longo de gerações. O livro, que já vendeu mais de 50 milhões de cópias e foi traduzido para 46 idiomas, é considerado uma obra-prima da literatura latino-americana, alçando Gabriel García Márquez à condição de grande autor do século XX e ganhador do Nobel de Literatura em 1982”, completa a matéria.
A docussérie Vai Anitta estreou sexta-feira na Netflix. São seis episódios curtos, com média de 30 minutos sobre a carreira e a vida pessoal da talvez maior estrela da música brasileira na atualidade. Pelo menos em termos de alcance e reconhecimento.
Vai Anitta conta com produção executiva da própria artista. É claramente mais uma ferramenta de marketing da cantora, além de outra cartada da Netflix para capitalizar em cima do inegável e ainda crescente sucesso de Anitta.
No entanto, a série é muito bem produzida e traz ao telespectador aspectos interessantes e até novos na gerência artística e de marketing nesses tempos de redes sociais, plataformas de streaming e quetais.
E sob esse ângulo, a série é diferenciada. Mostra as origens de Anitta até o estrelato e os esforços, a criatividade e a organização dela nessa gestão de carreira, abrindo espaço no cenário internacional. Tudo retratado de forma muito transparente, como a própria Anitta afirma nesta entrevista AQUI.
Aos mais curiosos ou à mídia do espetáculo, vale alguns fatos curiosos, como os poucos minutos em qua fala do seu período depressivo ou quando vomitou em cima do namorado após uma hora da oficialização da relação.
Embora a série tente “humanizar” a artista, mostrando sua simpatia, determinação e personalidade cativante, além de cenas descontraídas de bastidores e depoimentos de familiares, amigos e de sua equipe, no fim vale mais como documentário para entendermos um pouco como funciona o business por trás dos grandes artistas de hoje.
É um produto com excelente ritmo, bem estruturado e que cumpre seu propósito de entretenimento. E apesar da suspeição desse propósito, retrata uma artista legítima, que conquistou seu espaço com talento e esforço próprios. E isso é muito bem mostrado. Parte da própria Anitta muitas das estratégias de publicidade e produção de videoclipes, além das próprias composições.
É um doc que foge dos padrões de outros do tipo. Se assemelha mais a reality-shows, do tipo da família Kardashian, focado na vida pessoal, cenas de bastidores e na personalidade da artista. E esse lado funciona como liga para o recorte de sua carreira.
Parcerias de Anitta com algumas estrelas do atual mercado musical internacional, o acesso a mídias estrangeiras, a colocação na Billboard e o espaço crescente neste universo coloca a artista em posição de estrela maior da música brasileira, como um dia foi Tom Jobim. E isso poderia ser melhor explorado.
Uma segunda temporada já foi confirmada. E pelo menos o desfecho da primeira não deixa pistas do que virá. Claro, sua carreira ascendente no mercado internacional está em voga e provavelmente esteja bem presente nos próximos capítulos. Só espero que mais aprofundada em sua carreira e menos na vida pessoal.
Como toda crítica, o texto contém alguns spoilers. Nada demais para o que vem a ser, talvez, a melhor
das três temporadas da série Demolidor. Ou pelo menos a mais densa do ponto de vista psicológico e religioso, sem deixar as cenas de quebrapau de lado.
Por essência, o advogado Matt Murdock, o Demolidor, é mentalmente perturbado pelo abandono durante a infância e adolescência. Isso ficou claro nas duas temporadas iniciais, mas nesta última, com 13
capítulos disponíveis na Netlix desde sábado, ganhou intensidade.
Matt parece cansado e confuso sobre seu papel de justiceiro. A todo instante se martiriza sobre perdas de pessoas próximas e se isola com medo dos amigos Foggy e Karen também sofrerem o mesmo destino. Parece querer fugir da sua essência e, de fato, em nenhum episódio ele veste a farda do Demolidor.
Na tentativa de reencontrar seu eu, ele se refugia no orfanato onde viveu sua infância. Enquanto isso, o Rei do Crime, Wilson Fisk arquiteta seu plano dominante com ajuda de um galado especialista em foder os outros por tabela, que viria a ser o Mercenário e durante boa parte da temporada, ele comanda geral.
A aflição do espectador perdura bastante com esse crescimento vertiginoso do poder de Fisk. O Demolidor apanha mais que sovaco de aleijado nessa temporada. Talvez pela confusão mental que lhe perturba, talvez pela falta do traje que alivia as pancadas. Por vezes me lembrou Logan, o derradeiro filme de Wolverine. E não só pelo tom um pouco mais decadente do herói, mas pela dramatização da série. Um drama com heróis e não o inverso.
E os dramas, muitas vezes provocados pela linha tênue que separa o bem e o mal, afligem também outros personagens, como a agora “jornalista” Karen Page, o agente Ray ou o “falso Demolidor” e grande vilão da nova temporada, Dex. Alguns capítulos, inclusive, pouco se vê ação; alguns até com participação bem reduzida do protagonista, o que, penso, ser um dos poucos defeitos.
Embora o personagem Dex, interpretado por Wilson Bethel tenha sido construído como o grande antagonista desta temporada, é impressionante o impacto do Wilson Fisk de Vicent D’Onofrio. Não só pelo trabalho majestoso de interpretação, com todos aqueles trejeitos de um ser frio e calculista, mas pela identificação com cenários políticos atuais mundo afora, de compra de subornos a instituições de poder e de manipulação da mídia. Muito disso visto em séries baseadas em fatos, como Narcos.
E diante deste cenário, a quem recorrer, se a Justiça está comprada, se a polícia foi subornada e a mídia distorce os fatos? A um super-herói cheio de conflitos internos? Aos heróis da realidade, como uns poucos advogados, jornalistas e agentes de polícia idôneos? O que sei é que a Marvel se salvou mais uma vez com esta terceira temporada de Demolidor.
Aos fãs de documentários sobre música há um universo convidativo de filmes no catálogo da Netflix, e relativamente novos. Tenho explorado alguns de uns dias para cá, com resultado satisfatório. Pretendo assistir ainda os da banda Chicago, Greateful Dead e da Nina Simeone, pelo menos. Sim, todos “dazantiga”, mas há também aos adeptos dos anos 90, como Oasis. Aos do rock, a trajetória do Foo Figheters, do Metallica. E aos mais moderninhos, a Lady Gaga. Enfim, opções variadas para quem gosta do universo dos bastidores da música e antes explorava a gôndola de biografias na videolocadora.
Nesse duelo de guitarristas das duas maiores bandas do pop-rock mundial, quem leva de goleada é Keith Richards. Pelo menos nos dois documentários que vi sobre eles. E olha que o do caçula dos Beatles foi dirigido por ninguém menos que Martin Scorsese. Chama-se ‘George Harrison: Living in the Material World’ (2011). E traz personagens e depoimentos interessantes, curiosos, mas sem apuro estético, sem inovação e, para um beatlemaníaco, sem tantas novidades.
Já o ‘Under The Influence’ (2015), dirigido por um tal Morgan Neville, desmistifica pelo menos dois mitos sobre o guitarrista e compositor dos Rolling Stones: o de que ele é um porra louca e o de que é um guitarrista simplório. O doc mostra um cara centrado, mesmo com copo de whisky e cigarro na mesma mão, e um puta músico multi-instrumentista. Vale dar uma sacada nos dois docs, mas se escolher um, mergulha na figura mais underground dos Stones.
‘Bowie: The Man Who Changed the World’ (2016), de Sonia Anderson, vai além de guitarras e composições. Deixa essa disputa para os dois acima. Aqui falemos de estética, de arte e cultura e… tudo bem, de música, claro. Me serviu demais para dimensionar ainda mais a importância e, sobretudo, a influência desse cara para a música e o comportamento de um jovem rocker ao longo de décadas.
Na construção técnica e criativa de um documentário, ainda prefiro o Under The Influence, mas a figura icônica e multifacetada de David Bowie ajuda a tornar qualquer filme interessante. Alguns podem sentir falta de mais detalhes na construção dos álbuns, na cronologia dos fatos e outras informações comuns em docs sobre figuras da música. Mas Bowie vai além disso e o filme também quebra esses paradigmas.
Com o pomposo nome de ‘It Was Fifty Years Ago Today! The Beatles: Sgt Pepper And Beyond’, este doc lançado ano passado celebra os 50 anos do maior álbum pop da história. E sim, mesmo aos beatlemaníacos já extasiados de tanta bibliografia da banda, vale assistir. Muita gente curiosa entre os entrevistados, como a irmã de Lennon e alguns dos principais jornalistas e biógrafos do quarteto, afora muitas entrevistas pouco exibidas da banda.
Não sei se proposital, mas o doc começa exatamente no período posterior ao último filme lançado sobre os Beatles: ‘Eight Days a Week’, dirigido por Ron Howard e que compreende os primeiros anos da banda, até 1966, quando finalizaram as turnês. Então, ‘It Was Fifty Years Ago…’, dirigido por Alan Parker, funciona com uma espécie de continuação. O filme começa no segundo semestre de 1966 e termina em 1967 com o sucesso de Sgt. Peppers. Seria massa outro doc que encerrasse o ciclo, até 1970.
O clássico Hotel California me puxou a assistir ‘History of the Eagles’. Nunca fui fã da banda, mas adoro Hotel Califórnia e ansiava por alguma história bacana ou um doc bem acabado sobre a história por trás da música. Mas resisti estoicamente a duas das mais de três horas do filme e não há nada além daqueles cinco caras de calças jeans tocando canções country-pop legaizinhas com um baterista de voz rouca e muito massa e um documentário bonzinho. O Eagles é aquele aluno que, com muito esforço, passa por média na escola.
Se eu disser que existe um plano minuciosamente arquitetado pelos mais ricos para que as riquezas do mundo estejam nas mãos de cada vez menos gente?
Se eu disser que os mais ricos usam de todos os artifícios, do lobby com os políticos à retirada de direitos adquiridos, pra manter você com pouco dinheiro?
Se eu disser que esse plano vem sendo tão bem-sucedido que hoje 1% da população mundial detém a mesma riqueza que os outros 99% restantes?
Tudo isso parece teoria da conspiração, coisa de episódio de Arquivo X, viagem de anticapitalista, mas não é. Trata-se apenas da observação da história da Humanidade e dos rumos que a economia mundial vem tomando.
E essa observação minuciosa foi feita por ninguém menos que Noam Chomsky, premiadíssimo intelectual americano que é hoje um dos pensadores mais importantes do mundo, num documentário certeiro disponível na Netflix.
Analisando a evolução da economia norte-americana, Chomsky mostra em “Requiem for the American Dream” (EUA, 2015) como as relações espúrias entre o meio político e o empresarial vêm minando a democracia e aumentando a concentração de renda.
São análises expostas numa linguagem acessível, sem tecnicismos, com muitos exemplos práticos para compor o que o documentário chama de “10 princípios da concentração de renda e poder”. E é um tiro a cada pensamento.
Uma teoria que explica como chegamos aquiO documentário acompanhou o pensador durante quatro anos, registrando suas observações sobre os rumos da economia e a deterioração da democracia. Apesar de falar diretamente sobre a política dos EUA, o panorama que Chomsky traça vale para todas as realidades.
A teoria é bem simples — e não contém nenhuma novidade pra quem vem acompanhando as notícias sobre a Lava Jato e as relacões escusas entre políticos e empresas. Segundo Chomsky, os grandes grupos empresariais corrompem políticos para conseguir mais lucro; quando têm mais lucro, corrompem mais políticos; e assim indefinidamente até chegar ao que vemos hoje: 1% da população mundial detém a mesma renda que os outros 99%.
Para embasar sua tese, Chomsky viaja pela história da economia norte-americana, mostrando exemplos incontestes da deterioração da democracia devido ao capitalismo.
Um bom exemplo foi o crescimento da atividade dos lobistas, que nos EUA é uma profissão legalizada — mas nem por isso moral. Os lobistas são pagos para convencer políticos a votar conforme as multinacionais desejam, e os efeitos disso são devastadores: um mundo que na prática é governado pelas megacorporações e não pelo povo.
Chomsky em ação: ideias afiadas e embasadas
Como é possível que alguns tenham tanto dinheiro a ponto de não terem como gastá-lo, enquanto outros morrem de fome? Como é possível que o processo eleitoral se encha de promessas revolucionárias que nunca são postas em prática? Como é possível que o mundo tenha chegado ao ponto que chegou?
Chomsky aponta como única saída possível o ativismo. Segundo ele, somente quando as pessoas se unem e se insurgem contra o Sistema é que conseguem alterações substanciais em suas vidas.
Ou seja: para as megacorporações, você é tão pobre quanto os 99% do mundo que já citei. E tem que ser controlado, doutrinado e contido para que o plano da concentração de renda e poder siga a todo vapor.
Não se engane, tá? A falsa ilusão de que você tem riqueza e poder é parte do plano. Porque mesmo vivendo melhor que a média, você continua enfrentando problemas que os realmente ricos não enfrentam: violência urbana, serviços públicos ruins, suscetibilidade às inseguranças econômicas, jornadas de trabalho excruciantes etc.
“Requiem for the American Dream” cai como uma luva no Brasil pós-Lava Jato — esse Brasil em que a classe média acha que é rica e trata os pobres como escória. E é por isso que o documentário é obrigatório: para entendermos onde estamos, e também para onde vamos, é imprescindível que compreendamos como chegamos até esse ponto.
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Eis um trechinho que catei no YouTube pra dar o gostinho do que te espera:
Requiem for the American Dream (EUA, 2015)
Direção: Kelly Nyks, Jared P. Scott
Elenco: Noam Chomsky
Duração: 1h18min.
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Pra quem se interessou, mas ainda está em dúvida, vou fazer um resumo dos 10 princípios chomskyanos para a concentração de riqueza e poder. Não substitui o documentário, mas vai dar uma instigada em você.
Concentração do poder político na mão dos mais ricos, para que as decisões privilegiem quem já tem muito dinheiro.
Afastar os mais jovem da política através de instrumentos como a mídia e a escola, por exemplo. Alguém pensou no Escola Sem Partido?
O mercado financeiro é uma invenção recente e redesenhou a economia. Antes baseada em produção, agora baseada em lucro. Ou seja, quem tem muito dinheiro ganha mais dinheiro sempre.
O sistema é pensado para dividir o prejuízo entre os mais pobres e o lucro entre os mais ricos. Na prática, os mais pobres sustentam os mais ricos. Sabe o pato da Fiesp?
A cultura do eu, típica do capitalismo, afasta as pessoas umas das outras. Isso gera a diminuição dos levantes populares e, consequentemente, mina o poder dos mais pobres.
A regulação do Governo precisa ser dominada, para que aja a favor de quem está sendo regulado. Por exemplo, parlamentares têm suas campanhas financiadas por corporações e depois criam leis que são benéficas apenas a essas corporações. #LavaJatoFeelings
Através do poder econômico, as corporações elegem quem querem e retiram do poder quem não querem. Dilma, algo a dizer a respeito?
Dar insegurança econômica através de poucos direitos trabalhistas é uma forma de manter o povo com a bola baixa. Parece que Temer viu esse documentário, hein!
A tal sociedade de consumo, basicamente, é isso — desejos doutrinados. Você quer uma vida melhor e até pensa em lutar por isso, mas aí vai no shopping, compra uma smartTV e essas ideias esquerdistas somem magicamente.
Sabe aquela história “Brasil, ame-o ou deixe-o”? Pois bem, o lema da Ditadura de 1964 é a marginalização da população em sua essência: se você se insurge contra o Sistema, você é tratado como ameaça. E extirpado. Lembrou dos blackblocs?
É óbvio que minha lista parca não chega aos pés da genialidade com que Chomsky expôe seus pontos de vista no documentário. Então não se dê por satisfeito. Busque essa horinha de elevação intelectual na sua Netflix.
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“Jorge Paulo Lemann (AB Inbev), Joseph Safra (Banco Safra), Marcel Hermmann Telles (AB Inbev), Carlos Alberto Sicupira (AB Inbev), Eduardo Saverin (Facebook) e Ermirio Pereira de Moraes (Grupo Votorantim) são as seis pessoas mais ricas do Brasil. Eles concentram, juntos, a mesma riqueza que os 100 milhões mais pobres do país, ou seja, a metade da população brasileira (207,7 milhões).”
“As desigualdades social e de gênero se acentuaram no Brasil. Esse é o diagnóstico revelado pelo Programa das Nações Unidas para o Desenvolvimento(PNUD), o Índice de Desenvolvimento Humano (IDH), com dados de 2015, divulgado nesta terça-feira. O país ocupa o 79º lugar entre 188 nações no ranking de IDH, que leva em conta indicadores de educação, renda e saúde, mas despencou 19 posições na classificação correspondente à diferença entre ricos e pobres.”
À primeira vista, “Cara gente Branca” (Netflix, 2017, criada por Justin Simien, baseada no filme homônimo de 2014) é apenas uma comédia sobre universitários. Bem à primeira vista. Já logo após a abertura, entendemos que a série veio para cutucar questões sociais até então adormecidas na dramaturgia.
É comum que séries, filmes e novelas explorem o tema do racismo (é um excelente pontapé dramático para contar histórias com alta carga de conflito), mas em geral esses produtos trabalham com o racismo clássico — a saber: escravidão, Apartheid, segregação social. Ou seja: a dramaturgia acaba explorando o tema apenas em seu viés mais exagerado, dando a sensação confortável de que o racismo é um problema bem distante de nossas vidas.
Não é.
O que “Cara Gente Branca” traz de novo é isso: a série explora o racismo cotidiano, aquele tão sutil e tão velado que até pode ser disfarçado de piada ou opinião — o racismo que você provavelmente já vivenciou, como vítima ou como algoz.
“Cara Gente Branca” expõe esses conflitos com humor ácido, por vezes incômodo, mas tão próximo à realidade que é impossível não se sentir tocado. A série não é militante, mas é sobre militância. Neste sentido, é uma série para todos: negros, brancos, índios etc.
É com esse conselho que Sam (Tessa Thompson) inicia seu programa na rádio universitária logo após a desastrosa festa de Halloween que uma irmandade organiza. O episódio é o grande fio condutor da série: querendo fazer humor, os alunos brancos do tabloide Pastiche organizam uma Blackface Party — ou seja, uma festa em que brancos vão fantasiados de negros. Mas os negros da universidade não ficam nada contentes com a piada: invadem a festa, destroem o equipamento de som, ameaçam os convidados e tudo vira um caso de polícia.
Em cima desse conflito, a série se constrói: é ofensivo quando um branco se fantasia de negro?; é legítimo lançar mão da liberdade de expressão para defender um ponto de vista racista?; é possível que brancos e negros convivam pacificamente depois de tudo que já aconteceu?
Sam, que apresenta o programa “Dear White People” na rádio da Universidade de Winchester, compra essa briga e parte pra cima do pessoal do Pastiche, se transformando num símbolo da luta racial. Mas Sam tem um segredo. Ela namora Gabe, um homem branco que não está mais a fim de manter a relação em segredo.
Troy (Brandon Bell), por exemplo, está prestes a ser o primeiro negro eleito para a presidência do centro acadêmico. Orientado por seu pai, que é reitor da universidade, Troy tenta não tomar partido na tensão que cresce entre brancos e negros — e assim vai mostrando como muitos oprimidos se acostumam a agir como o opressor para serem plenamente aceitos.
Blackface Party: cara gente branca, nao façam isso
Já Coco (Teyonah Parris) nos mostra como a opressão pode fazer com que sigamos caminhos totalmente alheios à nossa cultura. Objetificada como a maioria das mulheres negras, Coco é inteligente, sagaz e forte, mas está sempre relegada ao papel de amante ou namorada silenciosa. Coco precisa entender seu papel no mundo, como todos os seres humanos, mas com uma diferença: para entender seu papel, precisa entender primeiro os males que a sociedade machista e racista causam em sua história de vida.
Enquanto isso, o calouro Lionel (Tyler James Williams) entra para a equipe do jornal da universidade com profundos questionamentos sobre sua sexualidade. Como escapar do esteriótipo de homem negro viril e hipersexualizado para fazer com que compreendam que ele é mais complexo que essa simplificação?
A recusa de Lionel em se encaixar em um rótulo (gay, hétero, bi) é quase um ato de resistência: é o homem negro negando-se a ser qualificado apenas pelo que a Casa Grande permitiu. Enquanto apura a historia que jogou brancos e negros para lados opostos, Lionel vai criando seus próprios rótulos — e lutando contra eles.
A negra que age como branca: mais uma vítima do racismo velado
A questão racial ganha o olhar do outro, numa inédita inversão de perspectivas neste tema, quando temos acesso ao ponto de vista de Gabe (John Patrick Amedori). O novo namorado de Sam é branco, hipster e entusiasta de causas sociais. Mas as limitações que a própria luta racial impõe a brancos que convivem com negros parecem estar atrapalhando seu relacionamento. Quando Sam está chateada comum caso de racismo, por exemplo, Gabe tenta demonstrar empatia e recebe de volta a seguinte resposta: “Você nunca vai entender a dor do meu povo”. A série retrata bem o impacto que o empoderamento do negro tem na vida dos brancos.
“Cara Gente Branca” trata de conflitos atuais, que muito provavelmente ocorrem no seu ambiente de trabalho, na sua escola ou na sua casa. Como, por exemplo, o branco que não se considera racista porque tem amigos negros — e por não se considerar racista, se acha no direito de fazer piadas racistas sob o argumento da liberdade de expressão. Ou então a mulher negra que é objetificada a ponto de aceitar essa objetificação — e alisa o cabelo, e adota hábitos que não são da sua cultura, e renega seu passado, tudo para ser aceita no clubinho dos homens brancos.
Que homão da porra!
A sequência em que um personagem negro repreende um branco por dizer “nigga” é um resumo quase didático do conflito. Os dois estão cantando um hip hop numa festa e o negro se sente ofendido quando o branco, seguindo a letra da música, entoa um verso que termina com “nigga”. O branco não entende por que aquele fato ofende o negro; o negro se irrita porque o branco não faz esforço algum para compreender a questão.
Em determinada hora, o negro pergunta: “Se eu te chamasse de branquelo azedo, você se ofenderia?” O branco prontamente responde: “Não”. E aí vem a resposta que encerra a questão. Sem condescendências, o negro joga a sua tréplica: “Pois é, essa é a diferença entre nós: eu me ofendo quando você me chama de crioulo”.
Convenhamos, não é tão complicado compreender. É só ter um pouquinho de generosidade.
Cara Gente Branca — 1ª Temporada — EUA, 2017
Criação: Justin Simien
Direção: Justin Simien, Tina Mabry, Barry Jenkins, Steven Tsuchida, Nisha Ganatra, Charlie McDowell
Roteiro: Justin Simien, Chuck Hayward, Njeri Brown, Leann Bowen, Jack Moore, Nastaran Dibai
Duração: 10 episódios de aprox. 30 min.
Inspirado na série, resolvi fazer a minha própria listinha de conselhos para as pessoas brancas. Lá vai:
1. Não, eu não sou parecido com Will Smith, nem com Shaquile O’Neal, nem com Joaquim Barbosa. Nós apenas somos negros. As semelhanças acabam aí.
2. Quando você diz “Ela é uma negra bonita” é sim racista. Afinal, você nunca diz “Ela é uma branca bonita”.
3. Eu não sei de onde veio minha família. Só sei que em algum momento meus antepassados foram propriedade de uma família portuguesa. Isso provoca um vazio em minha trajetória que você nunca vai compreender.
4. Nenhuma intimidade é suficientemente forte a ponto de permitir piadas racistas. Quando você pressupõe isso, está apenas sendo racista. Da pior espécie.
5. Meu pau não é enorme. Parem com isso, por favor.
6. Cabelo bom é cabelo hidratado, brilhante e bem nutrido. Parem de chamar cabelo crespo de cabelo ruim. É vergonhoso.
7. Quando eu afirmo que você tem privilégios, não estou dizendo que sua vida é fácil. Estou apenas afirmando que enfrentei e enfrentarei alguns problemas na vida que nunca acontecerão com você.
8. Você não sabe a sensação de desterro e desesperança que dá quando alguém muda de calçada por se sentir ameaçado com sua presença.
9. Eu achava que não era negro. Consegue imaginar? Eu me olhava no espelho e via uma criança branca. Enquanto isso, no colégio, meu melhor amigo me chamava de boneco de piche.
10. Beyoncé é negra. Aceite.
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