Em meio a uma paisagem de tirar o fôlego e de se perder de vista com 1.500km2, a equipe do Som Sem Plugs – SSP ultrapassou os limites do estado do Rio Grande do Norte e aportou na Chapada Diamantina, localizada no estado da Bahia, para trabalho com a banda instrumental potiguar Koogu. O lançamento do clipe “A Espera da Shuva” (com S mesmo) acontece no dia 22 de maio, nas redes sociais do SSP.
Koogu é uma banda instrumental independente de Natal, formada em 2014 pelos irmãos Henrique Geladeira (guitarra, órgão, sintetizador) e Gustavo Rocha (baixo e sampler) juntamente com Daniel Garça (bateria e drumpad). Os três são músicos já conhecidos e atuantes da cena potiguar por seus trabalhos anteriores em bandas como Calistoga, Talma e Gadelha, Camarones Orquestra Guitarrística, Son of a Witch, Lunares, entre outras.
A proposta do SSP foi a de transmitir ao público – através da produção do clipe em um cenário exuberante – a força da Koogu, detentora de uma sonoridade que passeia por diversos universos musicais que se constituem em loops, originando um experimento libertador e altamente hipnotizante.
O diretor geral do Som Sem Plugs, Felipe Campos, explica a ideia de sair do estado para este trabalho. “O interesse em gravar com a Koogu surgiu durante o Festival Potiguar Mahaldeia que neste ano ocorreu na Chapada. Como já tínhamos interesse nessa parceria, juntamos o talento e a disponibilidade deles, com o cenário que a Chapada nos oferecia, então nasceu a vontade e a proposta de sairmos do RN e produzir o clipe fora”, comenta o diretor do SSP, Felipe Campos.
A Koogu já participou dos mais importantes festivais e palcos em Natal como: Festival Dosol, Festival Catamaran, Under The Sun, Som da Mata, Mahaldeia, Festival Natal Instrumental, entre outros e, com sua tour “Trip da Onda Quadrada”, contabilizam passagens em diversas cidades do Nordeste, Sudeste e Centro Oeste em apresentações nos festivais: Festival Bananada (GO) e Festival SIM (SP). Agora a banda se prepara para novas turnês e passos ainda maiores.
Marque a data deste lançamento e confira mais um trabalho do SSP em prol da música potiguar. A temporada 2019 tem o patrocínio da Cosern e Instituto Neoenergia, através da Fundação José Augusto – FJA e a Lei Câmara Cascudo de Incentivo à Cultura do Governo do Estado do Rio Grande do Norte.
Filho adotivo do Rei do Baião, Luiz Gonzaga, o cantor e compositor Luiz Gonzaga do Nascimento Júnior nasceu no Rio de Janeiro, em 1945. Sua mãe, Odaleia Guedes dos Santos, era cantora do Dancing Brasil, no Rio.
Gonzaguinha, como era conhecido, morreu aos 45 anos, em 29 de abril de 1991, ao regressar de uma apresentação no Paraná, vítima de acidente automobilístico em uma rodovia no sudoeste daquele Estado. Deixando grande legado musical, ele poderia ter se tornado apenas “o filho de Luiz Gonzaga”. Mas, Gonzaguinha trilhou seu próprio caminho no universo da música cantando temas espinhosos para os anos 1970, como a resistência à Ditadura Militar, e sempre valorizando as sonoridades nacionais.
Extremamente criativo, transformava as dificuldades de sua vida em uma aguçada consciência política e social, que se tornaria matéria-prima fundamental de sua obra. O disco “Começaria Tudo Outra Vez” (1976) deu uma virada em sua carreira, com o grande sucesso da música título, e de “Espere por Mim, Morena”. A partir daí suas músicas se tornaram mais românticas, mesmo sem abandonar as preocupações sociais.
Ainda nos anos 70, na voz de Maria Bethânia, o compositor estourava no mercado musical com “Explode Coração”, que ficou conhecida como “Não Dá Mais Para Segurar”, e ainda a canção “Grito de Alerta” que também foi outro grande sucesso na voz de Bethânia.
Durante a década de 80, com suas inovadoras canções, Gonzaguinha consagrou-se como um dos compositores mais requisitados do mercado brasileiro. Quem não se identificou com “Sangrando”, do LP “Gonzaguinha – De Volta ao Começo”, lançado em 1980? “Quando eu soltar a minha voz por favor entenda/Que palavra por palavra eis aqui uma pessoa se entregando/Coração na boca, peito aberto, vou sangrando/ São as lutas dessa nossa vida que eu estou cantando …”.
Uma de suas canções mais expressivas, “Lindo Lago do Amor” foi lançada em 1984 como o primeiro single do LP, “Grávido”, que continha outro enorme sucesso, “Nunca pare de Sonhar (“Sementes Do Amanhã”): “Fé na vida, fé no homem, fé no que virá/Nós podemos tudo/Nós podemos mais/Vamos lá fazer o que será …”
“E bem que viu o bem-te-vi/A sabiá sabia já. /A lua só olhou pro sol/A chuva abençoou/O vento diz “ele é feliz” /A águia quis saber/Por quê, por quê, pourquoi será/O sapo entregou/Ele tomou um banho d’água fresca/No lindo lago do amor/Maravilhosamente clara água/No lindo lago do amor”.
Consideramos “Lindo Lago do Amor” um belo poema, uma fábula poética que faz relação com o amor puro, a felicidade e a natureza em sua forma mais singela, que os seres vivos e os astros compartilham e contemplam entre si. Interpretamos a mensagem contida nesta música como a assertiva de que a felicidade só é possível através do amor.
De outra maneira, tendo em vista o período em que a canção foi lançada, podemos interpretar, também, que “Lindo Lago do Amor” seria uma metáfora, uma forma de linguagem simbólica, falando do fim do regime militar no Brasil. O lindo lago do amor seria o Brasil; maravilhosamente clara a água, a democracia; a águia, os militares que só começam a observar; a sabiá, a justiça que sabia do fim do militarismo. E todos nós, o povo, tomávamos banho no lindo lago do amor chamado Brasil.
Mas isto é apenas um devaneio, uma simples interpretação, o que importa é que “Lindo Lago do Amor” possui melodia e letra belíssimas, com versos plenos de lirismo, e merece ser ouvida, infinitas vezes.
Que esse lindo lago do amor, e de esperança, se renove no povo brasileiro em tempos tão sombrios como os que vivemos hoje. Como disse Gonzaguinha em sua música: “E vamos à luta”: “Eu acredito é na rapaziada/ que segue em frente e segura o rojão/ eu ponho fé é na fé da moçada/ que foge da fera, enfrenta o leão. Eu vou à luta com essa juventude/ que não corre da raia a troco de nada. Eu vou no bloco dessa mocidade, que não tá na saudade e constrói a manhã desejada…”
O disco “Trilhando”, do baterista potiguar Erickson Grillo, é uma obra instrumental primorosa com 8 faixas. Lançado pela Frika Records o CD conta com a participação de vários artistas de peso como Jubileu Filho (guitarra e violão), André Neiva (baixo), Antônio de Pádua (trompete), Diego Brasil (guitarra e vocalização), Ricardo Baya (guitarra e violão), Bruno César (teclado), entre outros.
Feito para levar inspiração, emoção e verdade através da música, Grillo consegue te prender e faz você querer dar o play, ativar o repeat e curtir o dia todo. Um trabalho instrumental voltado para ritmos brasileiros e do mundo, tornando-o bastante eclético. Essa variedade rítmica se torna possível por se tratar de um disco composto em parceria com outros músicos, trazendo à tona uma carga referencial enorme.
A linha de composição é toda voltada para temas e trilhas. As influências das composições são de músicas do mundo inteiro no universo instrumental. O processo de gravação foi de pouco mais de um ano, desde as pré-produções até a finalização de mixagem e masterização.
Tocar o coração das pessoas é o principal objetivo do baterista e compositor Erickson Grillo, que há mais de 21 anos atua no cenário da música potiguar. De uma família de músicos, Grillo é autodidata e desde criança deu seus primeiros passos na bateria.
Já gravou e acompanhou diversos artistas, bandas e orquestras do cenário local e nacional, tais como: Nara Costa, Sandra de Sá, Sueldo Soaress, Serginho (Pimenta Nativa), Antônio de Pádua, Daniel Marrom, Orquestra A2, Rastafeeling, Diego Brasil, Orquestra Yohanes, Isaque Gomes, entre outros.
Participou de diversos festivais e projetos de música de grande relevância, sendo alguns desses: Projeto Seis e Meia; Festival de música dos Correios; Fest Bossa&Jazz; Festival MADA; Festival do SESI; Forraço; Circuito Ribeira; e Festival Do Sol.
O codinome ‘Bem’ vestia como luva a pessoa de Carlos Antônio Bezerra. Carlinhos Bem era uma pessoa boa, de sorriso contagiante e um talento visto em poucos por aqui, sobretudo naquela primeira década deste novo século, quando o conheci.
Nos esbarrávamos em andanças pelo Beco da Lama ou nos shows, ele no palco e eu na plateia. Foi assim em pelo menos duas apresentações no MPBeco, quando classificou suas canções nas primeiras colocações. Opinei na época que uma delas tinha sido a melhor daquela edição.
Carlinhos tinha uma aura de trovador, de voz empostada, grave e um violão virtuoso. Composições bem elaboradas sem uma tentativa poética insistente e sem sucesso, muito visto naquela época. Gostava dele, do seu jeito meio tímido.
Sua morte trágica, sob efeito de soda cáustica me traz o último Carlinhos que vi, não mais no Beco hoje colorido. Mas em um restaurante popular da Zona Norte, que por vezes eu frequentava para almoçar no intervalo do expediente do Diário de Natal. Ele estava triste.
Uma morte horrenda para um homem bom de apenas 55 anos. Já havia regressado para sua cidade de origem, Assu, faz um bom tempo. Sem espaço, sem dinheiro, sem a dignidade que lhe cabia. Carlinhos deixa dois discos, amigos, familiares, admiradores e uma classe artística de luto.
Todo aficionado de Jazz, que também seja amante da Música Erudita, certamente terá em George Gershwin (1898-1937) um dos seus compositores favoritos. É que Gershwin, como ninguém mais, soube elevar o Jazz ao nível da grande música. Com isto ele criou algo de verdadeiramente novo. Sem dúvidas trata-se de um dos mais importantes fenômenos da curta história da música nos Estados Unidos. Depois dele e antes surgiram experiências semelhantes; nenhuma, todavia, o iguala.
Gershwin começou pela canção popular, sob inspiração de blues e rag times. Depois de obter sucesso com revistas e musicais, partiu para coisa mais séria: Blue Monday, ópera de câmera, com libreto de Buddy da Silva (1922). Esta obra se impôs pela música cheia de vitalidade e exuberância. Não teve grande repercussão, porém. Mais tarde, reorquestrada por Ferde Grofé, ressurgiu com o título, 135 th Street.
Dois anos depois da estreia de Blue Monday, veio a Rhapsody in Blue, primeira incursão do autor no campo da música sinfônica. Marcante aí, a presença do Jazz. Lânguidos sons de clarineta introduzem o piano; após, anuncia-se o grande tema e, logo, toda a orquestra o ataca em catadupas de sons alegres e selvagens.
Curiosa a afirmação de Gershwin de que se inspirara, para compor esse tema, no bater ritmado das rodas do trem nas juntas dos trilhos. Mas, a alucinação rítmica inicial, em que se pressente uns longes de primitivismo africano, vai se desfazendo na medida em que preludia o segundo tema. Este é lento e arrastado, romântico e cheio de sentimento. No final o tema primeiro retorna, com maior força. É magistral.
Essa Rapsódia obteve grande sucesso. Segundo Charles Schwertz “é apropriado dizer que com a Rhapsody, a música americana alcançou a maioridade na sala de concerto”. A primeira execução, realizada no Aeolian Hall, de Nova York, por Paul Whiteman e sua Palais Royal Orquestra, teve o próprio Gershwin como solista (1924). Gershwin, diga-se de passagem, era também um ás do piano.
Em 1925 aparece o Concerto para Piano e Orquestra em Fá Maior, ” que foi saudado como a primeira grande obra musical surgida em solo norte-americano” (Otto Maria Carpeaux – Uma Nova História da Música, 1968). Dos seus movimentos, o último tem sido bastante vulgarizado, talvez pela féerie que o caracteriza, muito embora não seja menos belo o primeiro movimento. Tecnicamente, esse concerto representou um avanço significativo em relação à Rapsódia – é o que dizem os entendidos.
Nessa esplêndida composição continua a música impressionista, por vezes de raiz folclórica, também presente, com a mesma intensidade, na obra clássica seguinte, An American In Paris (1928), poema sinfônico, outro grande sucesso, melodioso e cheio de ritmos, como a Rapsódia. A abertura – vale frisar – “em estilo tipicamente francês, à maneira de Debusy” (Gershwin) acentua o tom impressionista.
Um filme de Vincente Minnelli, estrelado por Gene Kelly – Sinfonia de Paris – contribuiu para difusão dessa obra no mundo inteiro.
Importa dizer, que, enquanto Gershwin trabalhava em música assim “séria”, não deixava de lado a canção popular, de que tornou-se um dos maiores expoentes. Sua popularidade, neste sentido, somente é igualada pela de nomes como Coler Porter, Richard Rodgers, Irving Berlin e poucos outros. Canções famosas: Embraceable You, The Man I Love, S´Wonderful, etc. Compôs também para vários musicais e filmes de Hollywood.
No entanto, Gershwin aspirava a criar nada menos do que uma verdadeira e grande ópera. Algo “com personagens do povo, situações do povo, ambiente do povo, música do povo. E destinada, naturalmente a ser de agrado do povo” – diria.
Decidido a realizar esse sonho, obteve do escritor Du Bose Heyward o libreto e de Ira Gershwin as letras das canções. Em 30 de setembro de 1935 estreava Porgy and Bess. Foi relativo sucesso. Mas, depois, ganharia o mundo. De todas as operas modernas, é a mais popular e representa contribuição imensa para a renovação e atualização do gênero.
Uma história de amor entre negros de um bairro pobre da cidade de Charleston, no litoral da Carolina do Sul (EUA) – eis, em suma, o enredo. De tudo sobressai a paixão renitente de Porgy por Bess e a leviandade desta no Amor. Como a Carmen de Bizet, Bess é uma das grandes figuras de femme fatale na galeria de personagens de ópera.
No palco desse drama pessional, entremeado de lutas de morte, desenvolve-se a vida cotidiana típica de uma comunidade negra, com suas manifestações culturais peculiares. E em tudo está a marca do Jazz e do Blues.
Após os aplausos da estreia, no Colonial Theatre, Gerswhin disse: “Minha música começa hoje”. Dois anos depois ele morria sem ter podido compor outra obra de vulto. Como afirma Otto Maria Carpeux, “vida e obra de Gershwin foram uma sinfonia inacabada”. (Ob,cit.).
Além das peças já referidas, deixou, de música erudita, a Second Rhapsody, a Cuban Overture, três prelúdios para piano (obras, inexplicavelmente, pouco conhecidas no Brasil) e quase nada mais.
Gershwin é meu compositor predileto. Gosto de tudo que ele fez, tanto a música instrumental e orquestral quanto a ópera e a canção popular. Quando descobri a sua arte, lá pelos idos de 1960, fiquei quase que em estado de epifania. Sei que ele não é um grande mestre, não tem a genialidade de um Beethoven, de um Mozart, mas a sua música me toca mais profundamente do que a de qualquer outro compositor.
O projeto organizado e promovido por um dos músicos e produtores musicais mais respeitados em atividade no Rio Grande do Norte, Zé Marcos, anunciou os dez selecionados do “Música Potiguar Autoral 2019“.
Essas dez canções serão gravadas de graça com todo o aparado da Zam Áudio Studio, sob os cuidados do mineirinho Zé Marcos, músico com participação em discos antológicos da turma do Clube da Esquina, em palco junto com Cássia Eller, 14 Bis, entre outros.
Alexandre Siqueira – Viver em Paz
Ana Flor – The Road
Ivando Monte – O Beco e a Arte
Jackie Rocha – Sinto
Julio Lima – Papo Retro
Kerson Luíz – Deus nunca me deixou só
Ujo – Lista Branca
Vânia Maria – Flores de Amor
Zé Fontes – De Memória (FOTO)
Zoroaster – Noite Noir
A partir de hoje a Orquestra Sinfônica da UFRN, um dos patrimônios culturais do Estado, passa ao status de Filarmônica da UFRN. E por que a mudança? A razão é louvável. O que diferencia a sinfônica de uma filarmônica é que a primeira geralmente é mantida pelo poder público, seja federal, estadual ou municipal, a exemplo da Orquestra Sinfônica do Rio Grande do Norte, mantida pelo Governo do Estado, através da Fundação José Augusto.
Até então a Sinfônica da UFRN tinha como único mantenedor a UFRN. Com o novo status de Filarmônica, se abre a possibilidade, também, de apoios de pessoas físicas e jurídicas. De resto, tudo igual. Ou seja: o talento do maestro André Muniz e todo o corpo de músicos da orquestra permanecem os mesmos.
A agora Filarmônica da UFRN já possui projetos inscritos nas duas leis de incentivo cultural via renúncia fiscal: a Lei Câmara Cascudo (Estado) e o Programa Djalma Maranhão (municipal), além do apoio da UFRN e a busca por novos parceiros.
“A ideia é termos mais parcerias para podermos expandir nossos horizontes com mais concertos e projetos para mais pessoas e mais lugares”, disse o maestro André Muniz.
Enquanto Orquestra Sinfônica da UFRN foram 10 anos de atividade e o reconhecimento com uma das melhores ensembles orquestrais do Nordeste. O grupo, de 59 integrantes em 2018, é formado exclusivamente por alunos da UFRN, oriundos dos cursos técnico, licenciatura em Música, Bacharelado em Música e Pós-Graduação em Práticas Interpretativas de Músicas do Séc. XX e XXI.
Os ensaios acontecem duas vezes por semana, possibilitando um concerto mensal em duas sessões, o que constitui um valiosíssimo laboratório que proporciona aos alunos a vivência profissional de uma orquestra, desde a seleção anual com testes às cegas, até o contato com grandes solistas. O repertório é selecionado por uma comissão de professores de diversos instrumentos, que constituem a Direção Artística da Orquestra.
Em junho de 2015 a Orquestra realizou sua primeira turnê para a Alemanha. O projeto foi realizado em pareceria da UFRN com o DAAD (programa de intercâmbio do governo alemão) e a Hochschule für Musik Karlsruhe. Os alunos tiveram a oportunidade de ter aulas com professores de renome internacional e realizar dois concertos: um com em conjunto com a orquestra da Hochschule e sob a regência de 3 maestros e outro com repertório de peças brasileiras, tendo sido agraciada com críticas positivas.
Dentre os integrantes da hoje Filarmônica, alguns músicos têm se destacado com prêmios nacionais e internacionais, a exemplo do violoncelista Diego Paixão, que conquistou o prêmio no Festival de Inverno de Campos do Jordão e ingressou na École Normale de Musique de Paris (França). Outro destaque é o aluno Lucas Barros (violoncelo), vencedor do Concurso “International Cello Competition ‘David Popper’ for Young cellists” na Hungria.
Nesses dez anos, a Orquestra da UFRN realizou, seguramente, mais de 100 concertos para mais de 100 mil pessoas, seja no Rio Grande do Norte, em outros estados brasileiros ou em concertos internacionais. Ano passado, conseguiu o feito histórico de se apresentar para o Santo Pontífice, o Papa Francisco, em Roma.
O professor Daniel Wolff (UFRGS) ministrará uma masterclass gratuita para interessados em violão, sejam alunos da UFRN ou não.
O curso vem de uma parceria do projeto Movimento Sinfônico da Orquestra Sinfônica do Rio Grande do Norte junto à Escola de Música da UFRN.
A masterclass será ministrada na sala 20 da Escola de Música da UFRN, às 17h30, nesta segunda-feira (25).
As inscrições podem ser feitas no local durante o curso e os participantes terão direito ao certificado de participação.
Durante a masterclass, tópicos relacionados à técnica violonística e interpretação serão abordados.
Daniel Wolff é um dos principais violonistas do Brasil, tendo sido o primeiro doutor no instrumento do país e responsável pela formação de inúmeros violonistas com destaque internacional.
Com graduação em Montevideu, mestrado e doutorado na Manhatthan School of Music, Wolff é um profissional versátil, atuando também como pesquisador, compositor e arranjador.
No dia 26 de março, Daniel Wolff se apresentará como solista da OSRN sob regência do maestro Linus Lerner, tocando o Concerto de Aranjuez de Joaquin Rodrigo no Teatro Riachuelo.
Esse concerto foi composto pelo compositor espanhol Joaquin Rodrigo, cego desde os dois anos de idade, e se tornou o concerto para violão mais tocado e apreciado da história do instrumento, além de ser um dos mais desafiadores para o solista.
Este ano o concerto completa 80 anos de composto.
Luiz Lima volta a Natal para lançar o seu Cd Mutações, no Som da Mata deste domingo, às 16h. Além de músicas próprias, Lóla, apelido de quando integrava a banda Os Vândalos, vai tocar canções de outros autores e do repertório do BZ4tet, último grupo que participou na Itália. O show é gratuito, mas para ter acesso ao Parque das Dunas é cobrado uma taxa simbólica de R$ 1.
Com uma vasta história na música, no final dos anos 60 ficou famoso na cidade com o grupo Os Vândalos, junto com os irmãos Eustáchio e Fon. Depois mudou-se para a Itália onde morou por 25 anos. Em 2015 voltou ao Brasil, para São Paulo. Depois desse show no Parque das Dunas segue pra Florença, na Itália, onde pretende permanecer por dois meses para apresentar esse trabalho e um seminário sobre jazz brasileiro, objeto de estudo do mestrado dele na Unicamp.
O Centro Cultural Dosol marcou época na cena cultural de Natal. É clichê, mas é verdade (clichê é sempre verdade?). Foram 15 anos de rock e festa, mais de cinco mil shows com bandas e artistas locais, nacionais e internacionais. Alguns memoráveis (fui para um do Dead Fish de pura loucura!). E para uma Ribeira nem tão velha de guerra assim, mas ainda carente de investimentos, de atenção e de público.
Aquele início de século ainda respirava a rebarba deixada por Paulo Ubarana com o lendário Blackout. Mas houve um hiato, se lembro bem, entre o fim do Blackout e outros estabelecimentos como o Downtown, até a abertura de novas casas que esfriou um já combalido movimento cultural na Rua Chile. Até que o CCDosol, a Casa da Ribeira e outros poucos abnegados resolveram reerguer o fuzuê.
Mas aí vem aquele outra máxima cascudiana de que Natal não consagra… Consagra, sim! O CCDosol e a Casa da Ribeira são consagrados, estão no livro de história da cultura natalense. A bronca é consagra só por uma época. Natal é cidade de moda. E a moda de uns tempos para cá são os pubs, os inferninhos com cerveja artesanal, cardápio bacana e ambientação inspirada nos bares irlandeses. E assim se disseminou esses locais pela cidade.
E o velho Dosol, na velha Ribeira, ficou velho. Mas no outro lado do balcão, o carinha que arrendou o espaço numa Ribeira desacreditada e no vislumbre de fazer música para revitalizar o bairro, é um quarentão moderninho. Anderson Foca ainda impressiona pelo empreendedorismo que o diferenciou de outros tantos músicos e bandas daqueles meados de 90, que se perderam nas garagens de casa ou nos poucos shows nos raros espaços da época.
E a gente bateu um papo com o moço para saber um tico mais sobre essa migração de um espaço adequado a mais de 400 bichos-grilos ao inferninho do El Rock, em Candelária.
Não havia nenhum lugar pra bandas autorais se apresentarem quando abrimos. E a gente já tinha o selo Dosol, já fazia shows há cinco anos. Então o movimento mais correto pra época era ter o próprio espaço de shows em vez de convencer as casas a receberem os shows que eu queira fazer.
Vários shows memoráveis. Um do Mukeka di Rato que tava muitooooo lotado. Os primeiros shows do Plutão e do Far From Alaska; do Jane Fonda gravando dvd; do Autoramas, do Wander Wildner, do Against Me… São inúmeros!
O Dosol não fechou. Apenas optamos por não abrir mais. São coisas diferentes. “Fechar” pode parecer que estávamos no vermelho, dando prejuízo e não era o caso. Na verdade, o espaço estava mal utilizado, pelo menos nos últimos três anos, com pouca opção de show para produzir lá. E um espaço icônico como o Dosol não merecia ficar mal utilizado, então melhor não abrir mais. O Circuito Cultural Ribeira terminou ano passado… E agora estamos levando nossos shows para o El Rock, com atividades de palestras, oficinas e tudo mais.
Não acontece só em Natal. Muitas casas se ajustaram para um público menor, com relação mais direta com o público, e o Dosol é uma casa para quase 500 pessoas. Então, artistas muitos grandes não cabem lá e para os menores fica grande demais. E também nos ajustamos a essa mudança de cenário de show dos últimos tempos. Lembrando que a sala abriu em 2004. Foram muitas muitas mudanças comportamentais no período e por isso o espaço ganhou esse ar cult, mas mal utilizado.
A experiência do show mudou muito nesse período, o tipo de show que atrai mais gente ou menos gente e o CCDosol, até onde deu, seguiu essa evolução. Lógico, o que fazemos agora é bem mais acessado do que em 2004, mas o espaço ficou fora desse movimento. A rigor, todos os espaços da Ribeira ou mudaram de nome ou deixaram de existir nesse tempo e a própria Casa da Ribeira também ameaça fechar a cada novo ciclo. É a demanda natural da cidade e outros tempos de acesso à música e à cultura que influenciam mais nesse tipo de decisão.
O espaço é arrendado, então vamos devolver ao dono e ele resolve o que fazer. Já tem interessados da cultura em assumir o local. Tomara que um novo ciclo de gestão ocupe o prédio, porque temos um amor enorme por ele. Foi difícil desapegar.
O Circuito depende de patrocínio e o que tínhamos acabou em dezembro. Espero que consigamos apoio novamente. A Ribeira nunca precisou tanto do Circuito como agora.
Justo porque restaram poucos espaços abertos e os que estão abertos têm dificuldades. E o Circuito ajuda a potencializar a narrativa do bairro. Quando a Ribeira está movimentada, o Circuito complementa. Mas não está. Então é fundamental resgatar esse projeto.
Após o recente lançamento do single Estrondo, que abriu o repertório do próximo disco, a banda Plutão Já Foi Planeta lança hoje nas principais plataformas digitais uma nova versão de Mesa 16, em parceria com o duo Sax In The House.
O remix traz a união perfeita entre a voz marcante de Natália Noronha e os beats característicos do Sax In The House, e promete agitar as pistas das baladas, não só em Natal, mas em todo o país.
Para Gabriel, do Sax In The House a parceria tem tudo para agradar aos fãs: “Quando surgiu à ideia de produzir uma nova versão (eletrônica) de Mesa 16 perguntamos ao pessoal do Plutão o que eles achavam, e desde o início eles foram muito receptivos à ideia e muito solícitos, abraçaram a produção, tanto que o resultado está incrível. Acho que Mesa 16 Remix vai agradar a pista dos shows do Sax in The House e também do Plutão”.
Sapulha também não economizou elogios à parceria: “Foi uma experiência incrível gravar com o Sax in The House. Primeiro por ter sido algo que nunca fizemos, com música eletrônica. É sempre bom mudar os ares, sair da zona de conforto. Também é sempre bom conhecer e trabalhar com artistas que nunca tínhamos convivido antes. Você começa a enxergar coisas que não enxergava antes, e a energia dessa dupla também é maravilhosa”.
Além do remix, a banda gravou também em Natal o clipe desta nova versão, que será lançado em breve no canal do Youtube.
Foi divulgado o clipe Estrondo (acústico), da banda Plutão Já Foi Planeta produzido pelo Som Sem Plugs – SSP como trabalho de abertura da temporada 2019 do projeto. O material está disponível no site e redes sociais do SSP e também no Youtube.
O single escolhido foi “Estrondo”, composição de Natália Noronha, que ganhou um novo cenário delicado resultando em uma versão acústica de encantar os amantes e admiradores da música potiguar. A gravação aconteceu na Pousada Pedra Grande localizada entre os municípios de Serra de São Bento e Monte das Gameleiras. Essa não foi a primeira vez que a banda participou do projeto Som sem Plugs. Em 2016 o SSP convidou o grupo para outra produção.
Lembrando ao público que, toda divulgação conduzida pelo SSP ocorre de forma gratuita e de fácil propagação com a finalidade de levar a música potiguar aos quatros cantos do país. A temporada 2019 tem o patrocínio da Cosern e Instituto Neoenergia, através da Fundação José Augusto – FJA e a Lei Câmara Cascudo de Incentivo à Cultura do Governo do Estado do Rio Grande do Norte. Apoio Pousada Pedra Grande.
Plutão Já Foi Planeta surgiu em setembro de 2013 em Natal e é uma banda de Pop/Rock. Atualmente é formada por Natália Noronha – voz, violão, baixo e synth; Sapulha Campos – voz, guitarra e ukulele; Gustavo Arruda – voz, guitarra e baixo; Vitória de Santi – baixo e synth e Renato Léllis – bateria. Suas influências são embasadas em bandas como Os Mutantes, Los Hermanos, John Frusciante e Little Joy e grupos do Indie Pop britânico atual, como Bombay Bicycle Clube e Little Comets.
Em 2014, a banda gravou seu disco de estreia com sete músicas próprias, incluindo o single “Daqui Pra Lá”, que também intitula o álbum. Ainda em 2014, foi consagrada a Revelação Musical do RN pelo Prêmio Hangar de Música.
Em Julho de 2015, realizou sua primeira turnê no estado de São Paulo com shows na capital paulista, Santo André e São José dos Campos. Já no primeiro semestre de 2016, a banda participou do reality show Superstar da Rede Globo e conquistou o segundo lugar do programa.
O segundo álbum do grupo é chamado “A Última Palavra Feche a Porta” e foi lançado em março de 2017 em parceria como selo Slap da Som Livre. O disco possui 10 faixas, foi produzido por Gustavo Ruiz e conta com a participação de Maria Gadú e Liniker, nomes importantes da nova MPB. Acumula também no currículo participação em importantes festivais de música e passagens por vários estados brasileiros.
A estreia da temporada de concertos 2019 da Orquestra da UFRN, neste sábado, seria pauta para mídia por si só. Mas a notícia de um jovem de apenas 13 anos como solista de uma peça nunca executada no Nordeste em razão de sua complexidade, saltou aos olhos de curiosos. Principalmente pela história de determinação enfrentada pelo músico prodígio para alcançar a final de um dos mais disputados concursos de violino no mundo.
O paulista Guido Sant’anna começou no instrumento aos 5 anos e, pouco depois, foi descoberto pelo maestro e pianista João Carlos Martins. Mas seu vício sempre foi o videogame. “Ele se destacou no violino graças ao videogame. Para sua primeira audição, depois de horas tentando convencê-lo a se apresentar, eu disse: ‘Guido, se você for pode jogar videogame o resto do dia’. Não precisei falar mais nada. Sua audição foi sucesso”, conta o pai, Silvano da Silva.
Mas para se inscrever no Menuhin Competition, uma das mais disputadas competições de violino no mundo, promovido em Genebra, na Suíça, as dificuldades financeiras da família também contribuíram. Silvano lembra do violino francês de segunda mão comprado após juntar dinheiro por meses, das cordas baratas enferrujadas que se tirava pra usar mais algumas semanas, do arco quase helicoidal com metade das crinas…
“Tentávamos ajustar a alma do instrumento em casa, com auxílio de um garfo. Com cola tenaz, improvisamos espaleiras, tentamos sem sucesso encrinar o arco, tudo para que ele pudesse continuar tocando”. E o jovem músico ainda percorria três horas de ônibus e trem para a aula. A mãe se debruçava em métodos e teorias para transmitir conhecimentos extras já que a família não podia pagar por esses aprofundamentos.
Mesmo diante dessas dificuldades, Guido se inscreveu, passou pela audição e, além de ser o único brasileiro já selecionado neste concurso e único sul-americano na disputa, conseguiu ir à final ficando em sexto lugar entre 300 músicos.
“Quando ele foi finalista lembrei das críticas de músicos profissionais, lembrei das tantas ‘portas fechadas’, dos ‘nãos’, sem professor, sem dinheiro. Até um grupo de amigos (Cultura Artística) acreditar nele e patrocinar suas primeiras aulas com a professora Elisa Fukuda”, recorda o pai.
Dentre as peças do concerto deste sábado, a partir das 19h na Escola de Música da UFRN, uma se destaca pela virtuosidade técnica exigida e, por isso, nunca executada no Nordeste: o Concerto nº 1 para Violino e Orquestra, composta pelo gênio Paganini. Será justamente essa que Guido Sant’anna executará como solista.
“Nos sentimos orgulhos do trabalho realizado pela nossa Orquestra em trazer talentos de reconhecimento nacional e mundial para nossos concertos. E Guido é um desses nomes, mesmo tão jovem. E pela sua história fica claro como a música ainda pode ser um divisor de águas na vida de pessoas e como são importantes os projetos sociais nessa seara”, ressaltou o maestro da Orquestra, André Muniz.
Um ritual sempre aguardado e que se repete há 10 anos acontecerá neste sábado no auditório da Escola de Música da UFRN. É o encontro dos atuais músicos da Orquestra com o seu público, na estreia da temporada 2019 de concertos. Serão duas sessões com acesso livre, às 18h e às 20h. Ingressos serão distribuídos a partir desta quinta-feira na Coordenação de Eventos da Escola.
10 anos podem não parecer muita coisa, mas em se tratando de grupos artísticos chegar a essa idade no Brasil já quer dizer muita coisa, pois continuidade não costuma ser o nosso forte, ainda mais quando feito de forma contínua.
A Orquestra da UFRN tem muito que comemorar nessa nova fase: duas turnês internacionais, vários ex-integrantes cursando ou tendo frequentado instituições internacionais de ponta e prêmios. “O desafio agora é manter a elevação do nível técnico ao mesmo tempo em que garante a jovialidade”, reforça o maestro André Muniz.
Pensando em elevação do nível técnico, o repertório traz para o concerto de abertura a Sinfonia N. 95 em Dó menor de Joseph Haydn, deste que é chamado o “Pai da sinfonia”. Segundo a musicóloga Laura Ronay “Haydn realizou a síntese perfeita entre a irregularidade dramática pontual e a proporção nas grandes estruturas. A angularidade está presente, os gestos violentos ou inesperados também, porém tudo isso está dentro de uma moldura que ordena as ideias e facilita a compreensão.”
A jovialidade tem como seu representante neste concerto o violinista Guido Sant´anna (foto), finalista do mais importante concurso mundial para este instrumento, o Yehudi Nenuhin Competition. Ele será o solista do concerto n. 1 para Violino e Orquestra de Paganini, obra pela primeira vez a ser executada no Nordeste, tamanha a virtuosidade técnica exigida.
Abrindo o concerto um resgate de Norte-rio-grandense de grande envergadura, mas infelizmente pouco conhecidos em sua própria terra: a abertura Folclórica de Mario Tavares, que se vivo estivesse teria 90 anos.
Johann Peter Solomon (1745-1815), um influente promotor de shows de Londres, sabendo da morte de Nikolaus Esterházy, o mecenas de Haydn, aproveitou a oportunidade para garantir que este que já era um compositor reconhecido internacionalmente atuasse como compositor e regente de seus concertos em Londres. Haydn passou duas temporadas de concertos por lá.. Durante sua estada em Londres, escreveu seis sinfonias, números 93-98, a serem realizadas sob sua liderança.
A sinfonia se apresenta em formato clássico com quatro movimentos contrastantes. O primeiro um alegro moderato que tem como base a sequencia de cinco notas que vão-se transformando durante o movimento.
O segundo Andante cantábile em forma de variações mostra toda a capacidade técnica das cordas.
O terceiro movimento Menuet e Trio representa as danças típicas do século XVIII e posteriormente uma seção um pouco mais calma (Trio) interpretada por um violoncelo solo com acompanhamento em pizzicato das demais cordas.
O último movimento é um Vivace, o qual traz um espírito jocoso com fugas e momentos de grande lirismo, mas sempre acompanhado do virtuosismo ao estilo de Haydn.
Paganini escreveu seu Primeiro Concerto para Violino em 1816. Foi um enorme sucesso sua estreia em Nápoles em 1819. Ele conta com três movimentos: o primeiro em uma exibição quase ininterrupta de grande virtuosismo para o solista. O segundo, um Adágio lírico, é um belíssimo exemplo de uma construção melódica que muito de aproxima do bel canto. Rossini, o compositor de ópera mais popular da época, teria dito, ao escutar esse movimento, que se Paganini tivesse começado a escrever óperas, “todos estaríamos em apuros”. O último movimento demonstra a especialidade de Paganini: espetáculo com substância.
Para atuar como solista desta peça de Paganini, a Orquestra receberá um dos mais jovens talentos brasileiros que atualmente despontam no cenário internacional: Guido Sant´anna. Este jovem de 13 anos é natural de São Paulo, tendo iniciado seus estudos no violino aos 5 anos de idade. Atualmente é aluno da professora Elisa Fukuda, financiado pela Cultura Artística.
Em Abril de 2018 conquistou feito histórico inédito, tendo sido não só o primeiro brasileiro / sul-americano a ser selecionado para participar do Menuhin Competition (uma das mais importantes e concorridas competições de violino do mundo), como também surpreendeu a todos consagrando-se finalista (6o. colocado de mais de 300 concorrentes de altíssimo nível). A competição ocorreu em Genebra, na Suíça.
O modus operandi de Mario Tavares em sua Abertura Folclórica obedece ao principio utilizando por outros compositores nacionalistas: uma forma bem delineada, neste caso um Rondo como estrutura, mesclada com passagens de grande complexidade rítmica que contrastam com melodias mito cantáveis.
Mario Tavares (1928- 2003) nasceu em Natal e iniciou os estudos musicais através do violoncelo, estudando com Tomaz Babini. Foi violoncelista da Orquestra Sinfônica do Recife e, a partir de 1947, da Orquestra Sinfônica Brasileira.
No Rio de Janeiro estudou na Escola Nacional de Música, sendo discípulo de Francisco Mignone. Colaborou e estudou também com Cláudio Santoro e Victor Tevah. Foi regente titular da Orquestra de Câmara da Rádio MEC e, a partir de 1960, da Orquestra Sinfônica do Theatro Municipal do Rio de Janeiro.
Começa nessa sexta, 15, a turnê anual que o músico Esso Alencar vem empreendendo em território potiguar, através do CIMA – Circuito Itinerante de Música Autoral. O CIMA pretende chamar a atenção para a importância e a necessidade de uma política pública para a música produzida no RN.
Para este ano estão já confirmadas as datas em cidades do Seridó, Agreste e Oeste do estado, num roteiro de apresentações que eventualmente acontecem conjugadas à oficina ‘Produção Musical no Mundo Digital’. Após a primeira data em Currais Novos, as cidades seguintes são: Caicó (16), Florânia (17), Martins (21) e Mossoró (23), além de Macaíba (06/abril) e São Gonçalo do Amarante (04/maio).
Esso apresenta nessa temporada o show Agreste (solo), em que mostra seu CD Várzea da Caatinga. No palco, as músicas do disco ganham versões mais intimistas e mais espontâneas. Este é o terceiro disco do cantor/compositor, assim intitulado em referência ao nome antigo de sua cidade natal.
Contendo 13 faixas, ‘Várzea da Caatinga – forrós magnéticos’ remete às raízes sertanejas do autor e revela as influências da cultura nordestina em sua criação, dialogando com a obra de artistas regionais, como Luiz Gonzaga e Jackson do Pandeiro, além do seu próprio pai sanfoneiro, Zé de Cezário, a quem o CD é dedicado. Lulinha Alencar foi corresponsável pela maioria dos arranjos ao lado do irmão e imprimiu sua versatilidade e riqueza harmônica ao conjunto.
Natural da caatinga do sertão potiguar, Esso iniciou sua carreira musical em Natal, onde cantou e compôs para a banda “Os Quatro”, (1991-2001). Após sua atuação na cena roqueira da capital, investiu no intimismo de uma linguagem mais contida e serena em seus três CDs: Bossta Nova (2006), Alma de Poeta (2009) e Várzea da Caatinga (2017).
A banda Marinheiro Porre traz um deja-vú às experimentações da primeira onda do psicodelismo em seu primeiro EP. Intitulado “Jornada”. O trabalho conta com cinco faixas que exibem forte influência dos movimentos musicais de vanguarda dos anos 60 e 70, passeando também pelo Indie e Hard Rock.
Marinho Porre é formada por Kevin Arend (vocal e guitarras), Marcelo Maroja (teclados e synths), Matheus Lima (baixo) e Marcos Mar (vocal e guitarras). O grupo começou como uma brincadeira sonora entre amigos do ensino médio, residentes em Natal e Parnamirim.
Gravado e produzido pela própria banda, “Jornada” é descrita pelo grupo como uma “opereta-rock” que conta a história de uma menina que tem, pela primeira vez na vida, a oportunidade de ver o mundo fora do mar.
O EP sai pelo selo potiguar Nightbird Records, e é o primeiro lançamento da gravadora em 2019.
Escutem! Trabalho bem feito, muito bem pensado. Ousado se pensar na proposta temática, um disco conceitual. Nem parece uma garotada tão jovem ou um disco de estreia. Letras bem casadas com os arranjos lúgubres, realmente com cheiro de nostalgia. Parece uma mescla daqueles vinis do fim da década de 60 até meados de 70 com a sonoridade do Radiohead. Para ficar de olho nessa galera.
Um dos orgulhos da música potiguar, a Família Pádua se prepara para participar, nesta sexta-feira (15), do Lille Choro Festival, importante evento do gênero na Europa, promovido na França.
O festival trará uma programação eclética para celebrar os 50 anos da morte do Jacob do Bandolim (1969-2019) e os 65 anos de carreira do padrinho do evento, Raul de Souza.
Durante três dias, a região Norte da França assistirá seis shows, nove master class, dois bates-papos e uma projeção com atrações renomadas e, entre elas, o choro potiguar.
A Família Pádua é um grupo musical que une o trabalho de três artistas: o pai Antônio de Pádua, compositor, arranjador e multi instrumentista; a mãe, Roberta Karin, percussionista e cantora, que vem preparando seu primeiro trabalho solo; e o filho caçula João Vitor, flautista de 16 anos, que tem despontado no cenário nacional e internacional, já com seu 3° álbum, “Pintando o 7”, na agenda.
Os três já participaram de vários projetos, como “Música do Mundo” e “Sabadinho Bom” em João Pessoa, com o show “Choro em família”, Diversidade Cultural-RN, Circuito Cultural Ribeira, Cena Aberta, dentre outros.
Juntos fizeram vários shows pela Europa em 2013, e em 2017 passaram três meses em shows na segunda turnê internacional.
Este ano o foco é a divulgação dos novos projetos pelo Brasil, mas já preparando a agenda para 2019, na França, Áustria, Croácia, Polônia e outros países da Europa.
A cerimônia de abertura será seguida da revelação de uma obra que sela a idealização dessa segunda edição do festival. Um aperitivo será oferecido pela associação AÇAÍ, para acolher todos os convidados.
O fim de semana contará com masters class específicos, tais como: violão, pandeiro, bandolim, linguagem do choro, trocas de experiências no choro com Raul de Souza e samba de gafieira. E ainda dois bates-papos com presença da historiadora Maud Chirio e da chefe de orquestra brasileira Simone Menezes.
A noite de encerramento acontecerá com a formação de um regional de choro em forma de banda base, que acompanhará de forma tradicional todos os convidados especiais nessa grande noite de encerramento com homenagem aos 65 anos do padrinho Raul de Souza (com Roberto de Oliveira, Alua Nascimento, Osman Martins, Cacau Moutinho, Samuel Rocha, Família Pádua e outros convidados).
O festival terá direção artística de Roberto de Oliveira, com apadrinhamento do Raul de Souza e sob a direção científica do Étienne Clément. Contará com a presença do diretor da Auberge de Jeunesse, do representante da Embaixada do Brasil e do representante da Prefeitura de Lille.
O Som Sem Plugs, portal intermídia de produção e exibição de conteúdo original contemplativo da cultura e do entretenimento do RN, reservou um presente especial para os amantes da música potiguar. No próximo dia 12, o SSP lança no Youtube e redes sociais do projeto, uma linda e delicada produção com a banda Plutão Já Foi Planeta no videoclipe “Estrondo”.
Cantor e compositor paulista, Lupe Albano se apaixonou pelo Rio Grande do Norte e veio alimentar as almas potiguares com sua poesia.
Residente de Pium, Lupe encanta as noites litorâneas com suas canções, voz aveludada e seu violão de timbre doce.
Confiram ‘Prometeu’, de sua autoria, com uma interpretação ímpar executada ao vivo para a ProSounds Session.
Ireno Gaspar é cantor/compositor nascido em Belém do Pará e radicado em Natal. Faz parte da nova geração de artistas autorais da cidade e vem preparando uma série de lançamentos para 2019 pelo selo Rizomarte Records, começando pelo single ‘Um Sol pra cada um’, que anuncia parte do universo sonoro e poético que irá compor seu primeiro EP.
Com muito swing e poesia em suas canções, as músicas de Ireno Gaspar passam por uma abordagem pop/eletrônica cheia de brasilidade unida a outras influências, como o rock, funk e a soulmusic.
A composição, de sua autoria, conta a história do reencontro de Ireno com sua terra natal (Belém do Pará) depois de 18 anos de distanciamento. A canção aborda a cultura e mística da região Norte e contou com produção musical de Walter Nazário.
Além do EP, o cantor também irá uma lançar uma série de vídeos no youtube durante 2019, através de projeto audiovisual chamado Nakombi Sessions.
Escute ‘Um Sol pra cada um’:
Spotify: spoti.fi/2Xq7ZcC
Deezer: bit.ly/2XsGwqJ
AppleMusic: apple.co/2UbtbRx
O circuito Rock de Mulher será lançado oficialmente nesta sexta-feira, dia 8 de março (Dia da Mulher), às 10h30 no Praia Shopping.
O projeto, acontecerá em Natal de 12 a 15 de março, e também em Recife e João Pessoa nos dias 16 e 17.
Com uma banda formada só por mulheres, com vozes como Simona Talma, Ana Morena, Nathalia Noronha e Andréa Martins, o circuito terá oficinas, shows e debates voltados para o engajamento das mulheres no mercado de trabalho.
As inscrições para as oficinas estão ocorrendo até o dia 08 de março e toda a programação é gratuita.
Se você tem zapeado o controle por um bom tempo em busca de algo bacana na Netlix, estacione no documentário Quincy. Claro, precisa ter alguma curiosidade musical. Mas o doc, por si só, é bem interessante e vai além da biografia do talvez maior produtor musical de todos os tempos, o também maestro, cantor e compositor Quincy Jones.
‘Quincy’ retrata muito também da história do racismo de quem viveu na Chicago dominada por gangues e mafiosos nas décadas de 30 e 40. Mostra também os obstáculos que mesmo a genialidade de um músico como Quincy Jones precisou enfrentar para alcançar o reconhecimento. Além de sua luta própria pelo fim do preconceito.
E como o cara foi parceiro e amigo íntimo de alguns dos maiores nomes da música no século 20, como Ray Charles, Frank Sinatra e Michael Jackson, entre muitos, mas muitos outros mesmo, a trajetória deles também passa pela tela, como bastidores de gravação do Thriller, de Michael, o disco mais vendido da história.
Ah, e o filme foi indicado e, salvo engano, venceu o documentário de Melhor Documentário de Música no último Grammy. Premiação, inclusive, que o cara foi indicado 79 vezes e venceu 27.
O poemúsico Wescley Gama apresenta uma nova roupagem da ciranda ˝Sonho de quem não quer mais nada˝ tocada ao vivo na ProSounds Session.
A música foi composta a partir de um poema de Michelle Ferret e faz parte do seu terceiro disco, Campos Grandes Reunidos.
Confere o vídeo:
O trem liga Mogi das Cruzes à capital São Paulo. Liga também o sonho de dois estudantes músicos em cursar a UFRN. Entre os sacolejos desse trem, os amigos de infância Caio Augusto de Godoy Souza e Danilo Moisés de Oliveira executam canções populares no violoncelo e no violão.
Caio, 16 anos, quer aprofundar seus conhecimentos no violoncelo e escolheu a Escola de Música da UFRN pela referência nacional no instrumento, o professor Fábio Presgrave. E Danilo, 17, embarcou no sonho do amigo para morar em Natal, ele na cátedra da geofísica na mesma Universidade.
Tocando por quatro meses no trem, de MPB, rock e samba à música clássica, ganharam algum dinheiro para investir em cursos online, se prepararam para o Enem e pagaram pela viagem que queriam fazer para estudar. E conseguiram. A dupla está em Natal desde 4 de fevereiro e já em seus respectivos cursos.
Um esforço de adolescentes nascidos no interior paulista de Mogi das Cruzes para cursar a universidade federal em Natal, pela referência do seu corpo docente ou pelo campo de trabalho, enaltecido por Danilo em matéria publicada pelo G1.
A Escola de Música da UFRN tem se mostrado cada vez mais um exemplo de formação de jovens músicos para o Brasil e para o mundo. Mantém uma das orquestras sinfônicas formadas por estudantes mais importantes do país. E semanalmente oferece programação gratuita qualificada. É de se admirar.
“O Carnaval Nunca Acaba”, novo álbum da Orquestra Greiosa, está na rua. Segundo álbum da banda e que conta com participações lindas de Felipe Cordeiro, Teago Oliveira (Maglore), Chico Correa, Ricardo Braga e Wilton Batata. Lançamento do Dosol, selo potiguar com 17 anos de vida. Ouça alto.
A Escola de Música da UFRN recebe nesta segunda (25) um quinteto de músicos para o recital Arranjos. O violonista e guitarrista Gabriel Garcia comanda a banda e promete repertório variado de clássicos do cancioneiro popular nacional, de Djavan a Luiz Gonzaga. A apresentação tem início às 19h30 no auditório Onofre Lopes.
‘Gabriel Garcia Quinteto’ é formado pelos músicos: Jane Eyre Pedro, na flauta transversal; Mônica Michelly, no baixo elétrico; Dinei Teixeira, na percussão; Bruno Lucas, na bateria; e Gabriel Garcia Maia, no violão 7 cordas. Essa turma apresentará o recitam com arranjos que marcam o inicio da trajetória de Gabriel Garcia.
Gabriel Garcia Maia é macauense e teve seu primeiro contato com a música aos 5 anos de idade por meio de seu pai, Tião Maia. Ainda adolescente, mudou-se para a capital em busca da música. Hoje, violonista 7 cordas e guitarrista, atua principalmente como concertista solo, também no Gabriel Garcia Quinteto e no trabalho instrumental com o amigo flautista Jane Eyre, no conhecido ‘Dueto Nerdoste’.
Teve contato de palco com importantes músicos na MPB, como: Toninho Horta, Geraldo Azevedo, Ney Matogrosso e o grande violonista Yamandu Costa. Participou de masterclasses com o violonista Filó Machado e Lucas Imbiriba. Foi classificado entre as 10 finalistas do “Festival de Música Potiguar Brasileira 2018 (FMPB)” da Universitária FM, com a música de sua autoria, Cor Rubim.
Orientado pelo professor doutor Ezequias Lira, aos 20 anos, tecnólogo e bacharelando em violão popular brasileiro, segue firme e forte na busca para a melhor construção de sua carreira artística.
1) Oceano – Djavan (Violão Solo)
2) Desafinado -Tom Jobim – (Samba de enredo) – {Sugestão para percussão / Cuíca}
3) Ternura – K-Ximbinho – (Bolero/Rumba) – {Sugestão para percussão / bongô ou castanholas}
4) Samurai – Djavan
5) Que nem Jiló – Luiz Gonzaga
6) Porro – Gentil Montana – (Xote) – {Sugestão para percussão / Zabumba}
7) Desvairada – Garoto – (Valsa)
8) Lamentos do Morro – Garoto – (Samba) – {Sugestão para percussão / Pandeiro ou Tamborim}
A cantora, compositora e ativista social baiana, Luanda Luz apresenta seu show “Resistência”, trazendo aos palcos uma intervenção artística conectada com os temas que envolvem as discussões de gênero, etnia, cultura popular e espiritualista de forma livre e plural. O show acontece neste domingo no Porão das Artes, em Pium, a partir das 16h.
Acompanhada por uma banda de músicos experientes da cena potiguar, tal como o Jonathan Mysack (guitarra), Rob Lima (baixo), Diego Ventura (teclados), e Adler Barros (bateria), formam um projeto musical bastante diferenciado por seu engajamento com os movimentos sociais.
Temas como feminismo, racismo, homofobia e intolerância religiosa são trazidos para o palco de forma direta e com muita harmonia através da música Reggae com influências principalmente de ritmos regionais como o Coco de Roda, Baião e xote, temperados com nuances de Jazz, Soul, Rock, Pop, Rap e Ragga, com pitadas de Afoxé, Ijexá e toda ancestralidade da Bahia.
O show “Resistência” surge na periferia de Natal, como diz a letra de Marina Peralta: “A quebrada produz e é de qualidade” aonde através da música reggae, artistas também expressam sua militância social contra todas as formas de opressão e segregação.
O que: show Resistência com Luanda Luz
Onde: Porão das Artes (rua da Aurora, Pium)
Quando: Domingo 24/02
Hora: às 16h
Entrada: R$ 10
O Rock Mulher Circuito – Empreendedorismo e Formação para Mulheres na Música nasceu com o intuito de gerar um espaço para o desenvolvimento de novas profissionais no mercado musical. Idealizado pela cantora e compositora potiguar Simona Talma e a cantora baiana Andréa Martins, em março o projeto passa por Natal (RN), além de João Pessoa (PB) e Recife (PE)
O projeto foi selecionado pelo Natura Musical por meio do edital 2018 com o apoio da Lei Rouanet. “Coletivos como o Rock de Mulher Circuito ampliam a voz de movimentos que buscam maior representatividade dentro e fora do mercado musical”, afirma Fernanda Paiva, gerente de Marketing Institucional da Natura. “De uma forma geral, os coletivos promovem impacto cultural, social e econômico que multiplica o alcance de um patrocínio. A gente investe no coletivo e toda uma rede de pessoas conectada a ele também é impactada de forma positiva”, completa.
O projeto oferecerá oficinas, rodas de conversa e master class com objetivo de auxiliar mulheres a se profissionalizarem para atuar no mercado musical. As atividades são gratuitas e ocorrem no Praia Shopping (Avenida Engenheiro Roberto Freire, 3132, Capim Macio). Confira o calendários de atividades:
Será realizado o lançamento do Circuito, em frente às Lojas Americanas, do Praia Shopping, com apresentação do projeto e pocket show de Simona Talma com a banda do Rock de Mulher.
Andrea Martins ministra a oficina “Produção Musical em Home Studio”. A atividade tem como objetivo incentivar as mulheres a montarem o seu próprio home studio para gravação de músicas autorais ou de outros artistas, passando por outras possibilidades de trabalho como sonoplastia e trilha sonora. A oficina será realizada na sala de treinamentos do Praia Shopping, e há dez vagas para essa atividade. É necessário realizar a inscrição pelo link: http://twixar.me/WBs3.
Simona Talma orienta a oficina de “Autogestão, Empreendedorismo, Conceito Artístico e Técnica Vocal para o Cotidiano”, que é desenvolvida para cantoras iniciantes e apresenta um manual básico de técnica vocal para a vida prática de artista. A oficina será realizada na sala de treinamentos do Praia Shopping e há apenas 20 vagas para essa atividade, portanto, é necessário realizar a inscrição pelo link: http://twixar.me/WBs3.
Ana Morena, musicista e produtora do festival DoSol, leciona a “Master Class sobre Circulação em Festivais e Gestão de Carreira” no palco da Praça de Alimentação do Praia Shopping. A aula ensinará como criar, produzir e fortalecer um empreendimento cultural. Além disso, outros assuntos como, carreira artística, produção executiva de projetos, premissas básicas de planejamento, gestão e interação com o meio cultural também serão citados.
A roda de conversa “Desafios e Enfrentamentos das Mulheres no Mercado de Trabalho” está marcada para o dia, na Praça de Alimentação do Praia Shopping. Ao final do bate-papo, Ana Morena, Andrea Martins, Natália Noronha e Simona Talma também se apresentam com a banda criada especialmente para o Rock de Mulher Circuito.
Show de finalização do projeto em Natal
A roda de conversa “Desafios e Enfrentamentos das Mulheres no Mercado de Trabalho” está marcada para o dia, no Rooftop do Shopping Tacaruna – Recife – PE. Ao final do bate-papo, às 19h, Ana Morena, Andrea Martins, Natália Noronha e Simona Talma também se apresentam com a banda criada especialmente para o Rock de Mulher Circuito, no mesmo local.
A roda de conversa “Desafios e Enfrentamentos das Mulheres no Mercado de Trabalho” está marcada para o dia, no Restaurante Vila do Porto – João Pessoa- PB. Ao final do bate-papo, às 19h, Ana Morena, Andrea Martins, Natália Noronha e Simona Talma também se apresentam com a banda criada especialmente para o Rock de Mulher Circuito, no mesmo local.
Rock de Mulher Circuito – Empreendedorismo e Formação para Mulheres na Música
12 a 14 de março
Praia Shopping – Avenida Engenheiro Roberto Freire, 3132, Capim Macio, Natal – RN
15 de março
Biergaten Natal – Rua Alexandre Câmara, 1773 – Capim Macio, Natal – RN
Idealizado pela cantora e compositora potiguar Simona Talma, o projeto Rock de Mulher surgiu pela busca do empoderamento feminino na música, como também em outras vertentes artísticas como o audiovisual, as artes visuais e as artes cênicas. O projeto agrega diversas linguagens, estimulando o coletivo feminino nas artes e desconstruindo a relação de poderes e hierarquias impostos culturalmente por uma sociedade que ainda vive o machismo velado, inclusive em movimentos culturais e artísticos.
A busca pela representatividade foi o que impulsionou Simona a realizar eventos com predominância feminina em Natal, entre os anos de 2015 a 2018, com a festa Rock de Mulher e como membro da edição potiguar do Festival Sonora (Festival Internacional de Compositoras), que surgiu em 2016 a fim de dar visibilidade e legitimar a mulher como compositora no cenário musical. Neste período foram realizados 05 edições da festa Rock de Mulher, de forma independente (sendo 04 em Natal e 01 em João Pessoa), envolvendo um total de 31 artistas mulheres de grande potencial e visibilidade no território que atuam.
Uma das maiores pesquisadoras musicais do país (autora de biografias premiadas sobre Jacob do Bandolim, Edino Krieger, Villa-Lobos, além do clássico “500 Canções Brasileiras”), Ermelinda Paz está lançando os CDs “Cantando e brincando com Vovó Linda”, em dois volumes.
Nesses dois CDs, a pesquisadora resgatou um cancioneiro utilizado na Educação Infantil dentre os anos 40 e 70, e nunca registrados no meio fonográfico. Um CD completo com 27 faixas e outro com os playbacks, para utilização dos educadores em aula, somando um total de 54 faixas.
São obras que só tiveram registro em publicações específicas, algumas produzidas pela Secretaria de Educação (do antigo Estado da Guanabara! rs). São canções que integraram material de apoio de educadores e serviram para embalar e educar milhares de crianças.
A motivação dela ter resgatado todo esse material foi o nascimento do netinho dela! Isso é um trabalho fenomenal, penso eu. Deem uma sacada aí. Os dois CDs estão disponíveis no spotify. E se a pesquisadora nos brindou com essas raridades, o Papo Cultura presenteia o leitor com os links rs
· CD Cantando e brincando com Vovó Linda vol.1 (OUÇA AQUI)
· CD Cantando e brincando com Vovó Linda vol.2 (OUÇA AQUI)
ela se foi. como uma incomparável dama cênica. como uma intransferível luz da ribalta por onde seus passos e voz, ecoaram, por sobre o horizonte da imortalidade dos seus gestos, sua expressão. com ela a teatralidade tropical se espalhou como um precioso, raro varal de invenções, criações, alumbramentos da alma.
seu ciclo, círculo de exímia qualidade, deixou em todos nós, um ciclorama de profusão de inquebrantável perfeccionismo. pêndulo, matriz, belíssima flecha e facho.
Bibi como dói seu alumbramento. como fere como um novelo de amor, sua ausência. como uma dama galopando canções, imortais melodias. por que você não permaneceu entre nós até amanhã?
cintilante protagonista de inúmeros enredos e repertórios. refinada tela, raro camarim, inconfundíveis marcações. proscênio guardado de lustres e da sua língua, voz vida vela você.
uma atriz. uma artista, não se encerra. ela prossegue como um inconfundível berço, embarcação cristalina de tantas paisagens e inteiriço amor.
tudo do que o mais divino destino lhe reservou. como uma pétala, rosa rubra do bairro, da cidade, do país, do universo. não mais digo. só sonho com seu olhar e sua presença imortal, no horizonte por onde os mares dos seus passos jamais te esquecerão.
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