O projeto ‘Nightbirds Apresenta… Canções de Isolamento’ chegou às principais plataformas de streaming, produzido e lançado pelo selo Nightbird Records, de Natal.
Pensando nas limitações causadas pela pandemia do COVID-19, o álbum foi organizado em prol de um direcionamento às bandas e artistas com materiais disponíveis para divulgação, mas com recursos e articulações restritas devido a conjuntura atual.
Ressaltando a importância da coletividade para encontrar soluções viáveis de produção e difusão de novos trabalhos, músicos e membros da Nightbird uniram-se para concretizar a ideia do disco.
Juntamente com nomes do casting da gravadora, “Canções de Isolamento” reúne 13 faixas de 11 artistas/bandas de diferentes gêneros. O registro passeia pelo pop contemporâneo de Lizia, o hip-hop lo-fi de DeLima, a melancolia instrumental de Danillo Veloso, o “rock triste” de Rommel e das bandas Jxvxns e Vulgo Montreux, o sopro acústico de Marcos Mar e Marinheiro Porre, o new metal da Devilink, e os quase veteranos Boats e Luan Bates trazendo novas composições e versões gravadas no estúdio da produtora Fu.ga.
Com capa elaborada pelo artista visual Filipe Anjo, “Canções de Isolamento” marca o início de um período prolífico da Nightbird Records em termos de produções, com uma série de lançamentos dentre podcasts, webséries, discos e singles previstos para o segundo semestre de 2020.
Um timbre leve como o vento e quente como um saudoso verão. Essas são as primeiras sensações ao ouvir No Ar, primeiro single lançado pela Mulungu, uma banda híbrida formada por recifenses e natalense. A música faz parte do disco O Que Há Lá, gravado entre 2018 e 2020 pelo grupo formado por Jáder, Guilherme Assis e Ian Medeiros, com incentivo do Funcultura, através da Fundarpe, Secretaria de Cultura e Governo do Estado de Pernambuco.
Expressão comumente usada em veículos de comunicação para indicar que algo está sendo propagado – seja este “algo” uma mensagem, um som ou uma imagem – No Ar é um verdadeiro grito de liberdade aos sentimentos e saudosismos reclusos num corpo. Mas como expressar esses sentimentos? Certamente, em tempos onde o contato humano é uma proibição, não haveria melhor forma que a internet: principal meio de lançamentos musicais e também grande fonte de referências imagéticas para o videoclipe de estreia.
Atento à contemporaneidade da banda, o clipe traz uma colagem de imagens de redes sociais, memes, gifs e lembranças – além de uma performance corporal intensa interpretada pelo vocalista Jáder. “O ar descrito na música é uma forma de sentir. É prestar atenção no próprio corpo, um processo de libertação”, explica o músico e intérprete do clipe. A preparação corporal ficou por conta da atriz pernambucana Tanit, que junto ao Diretor Tiago Lima e ao Diretor de Arte Gabriel Furmiga, propõem uma busca por experiências e sensações típicas ao ser humano.
Mulungu é um projeto que nasceu a partir das inquietudes musicais de Jáder e Guilherme Assis – colegas de palcos e estúdios devido às bandas Projeto Sal e Barro. Experimentando sonoridades desde 2018, a banda criou corpo quando o multi-instrumentista Ian Medeiros (Mahmed de Natal/RN) veio passar uma temporada no Recife. De um encontro sem compromisso já nasceu a primeira canção. O disco de estreia, O Que Há Lá, tem lançamento previsto para 2020.
Direção: Tiago Lima
Direção de arte: Gabriel Furmiga
Performance: Jáder
Roteiro, montagem e finalização: Tiago Lima
Lettering e animação: Gabriel Furmiga
Câmera: Vito Sormany
Preparação corporal: Tanit
Com o lançamento do álbum Jaguatirica Print (Natura Musical/Rizomarte, 2019) Luísa e os Alquimistas conquistaram a audiência de um público amplo que transita entre os universos pop, alternativo e brega, movimento que a própria banda pratica com desenvoltura em sua estética sonora e visual.
Dando continuidade a essa mistura, a banda lançou nas plataformas digitais a música ‘Aquela Saudade’, em parceria com o produtor musical Lerry. Baiano radicado em São Paulo, Lerry atua como DJ e apresentou sua composição à cantora Luísa Nascim ainda em 2018. Desde então já estava certo que em algum momento a faixa seria desenvolvida pela banda e lançada como single.
A identidade visual ficou por conta da Mole Enterprise, responsável pela produção dos videoclipe de ‘Furtacor’ e ‘Cadernin’.
As medidas de distanciamento social provocadas pelo COVID-19 tornaram o momento propício para finalizar a produção da música, já que a agenda de shows da banda está temporariamente suspensa.
O resultado é um arrocha baiano com uma dose extra de graves no melhor estilo dubwise, guitarra suingada do começo ao fim e muita envolvência na interpretação de Luísa Nascim. Música pra lembrar daquela paixão súbita que deixou saudades e enviar no inbox pra todes webnamorades que essa quarentena colocou na sua vida.
Autoria da obra e arranjos: Lerry
Programação: Lerry
Produção Musical: Lerry e Gabriel Souto
Percussão: Bel da Bonita
Guitarras: Tal pessoa
Voz: Luísa Nascim
Synth e percussão eletrônica: Pedro Regada
Mixagem: Gabriel Souto
Técnico de gravação: Pedro Regada
Capa Single: Marina Mole / Mole Enterprise
Selo: Rizomarte Records
Distribuição: ONErpm Brasil
A banda Plutão Já Foi Planeta é conhecida pelo seu repertório autoral que mistura indie, rock e pop, que pode ser ouvido em dois álbuns de estúdio e diversos singles. Versões de músicas de outros artistas, os chamados covers, já permearam os shows do grupo no início da carreira, mas logo desapareceram à medida em que a banda lançava canções próprias. Em 2020, no entanto, Plutão dá um pulo no passado e se dedica a gravar uma canção originalmente lançada por Talma&Gadelha, banda também de Natal.
A música escolhida foi “O Roqueiro e a Hippie”, uma das canções mais populares nas plataformas de streaming do grupo Talma&Gadelha, que sob a produção de Plutãoganhou um arranjo de reggaeton, dançante e melódico na mesma medida. Quem comanda os vocais é a vocalista do grupo, Natália Noronha. “É a nossa forma de homenagear uma banda que admiramos e, mais do que isso, fez parte da formação musical e da vida da galera mais jovem em Natal em meados de 2011, 2012.
Também é uma maneira de mostrar nosso amor pela cidade”, comenta Natália. A cantora complementa que “O Roqueiro e a Hippie” é apenas uma das músicas que ganharão versões de Plutão Já Foi Planeta. Segundo Noronha, ainda este ano, a banda fará o lançamento de um álbum com cinco músicas de artistas do Rio Grande do Norte, sendo uma delas uma canção inédita do quarteto potiguar. O lançamento é uma iniciativa do selo DoSol, através do projeto Incubadora DoSol. Você pode conferir a versão para O Roqueiro e a Hippie em todas as plataformas digitais.
FOTO: Lucas Silvestre
“Foi nos bailes da vida ou num bar
Em troca de pão
que muita gente boa pôs o pé na profissão
De tocar um instrumento e de cantar
Não importando se quem pagou quis ouvir!
Foi assim!”
(“Bailes da Vida” – Fernando Brant/Milton Nascimento)
Um saxofone ecoa ante aos condomínios e casas natalenses em ruas que neste momento deveriam estar desertas, mas que ainda assistem automóveis e pessoas circulando, apesar do grave perigo da Covid 19.
Os tempos se tornaram nebulosos para aquele que sobrevive da arte. Mas um jovem músico decidiu trabalhar pelas vias da capital, atirando melodias às janelas e sacadas onde vivem pessoas em quarentena. Soprando das calçadas emoção aos corações confinados.
Joedson Regis da Silva, 29 anos, foi ao mundo para ganhar o sustento da família diante da interrupção das apresentações que realizava em hotéis, casamentos, recepções e festas particulares a partir dos contratos da sua empresa musical.
Natural do município de Cruzeta, Seridó, região berço de grandes instrumentistas, desde cedo aprendeu os caminhos da música a partir da formação nas bandas filarmônicas, percorrido no curso técnico, na graduação em bacharelado em saxofone e na licenciatura em Música pela UFRN.
Vieram posteriormente os grupos musicais que integrou como profissional e a ideia de montar um negócio artístico que manteve ativo até o início deste ano.
A partir de março os compromissos estagnaram, incluindo as aulas que o instrumentista dava a seus alunos.
“Tive que ficar em casa sobrevivendo apenas das economias tiradas de cachês anteriores”, conta. Situação agravada pelo trabalho da esposa Alana, fisioterapeuta que viu diminuir o atendimento aos seus pacientes.
No início do período de isolamento social surgiu um solitário convite para que o músico tocasse no aniversário de filho de uma cliente diante do prédio em que a família mora. “Fiz uns vídeos para o meu instagram e as pessoas começaram a me elogiar”, relembra.
O saxofonista decidiu homenagear amigos e clientes que reconheciam seu talento e que sempre o contratavam. “Escolhi pessoas próximas e levei meu sax sem nenhum compromisso para a frente dos apartamentos, tocando canções que eles gostam como “Como é Grande o Meu Amor por Você”, “Eu sei que vou te amar”, “Ave Maria”, “Yesterday”, entre outras.
Para a surpresa do músico, o que se iniciou como uma simples lembrança aos amigos logo se transformou em sucessivos convites para que ele tocasse em vários locais. Só que agora seria distante do público, em frente a apartamentos e casas, devido as recomendações de isolamento social.
“As pessoas em quarentena adoraram e começaram a me chamar e a me indicar para amigos e familiares desde então”, explica.
Durante a pandemia, Joedson e seu sax já realizaram perto de cem apresentações por quase todos os bairros de Natal, incluindo municípios próximos como Macaíba e Parnamirim, por cachês em média de R$ 100 para tocar em torno de dez canções.
“Mas muitas pessoas se sensibilizam e colocam algum valor no meu ‘chapéu’, fazem transferência bancária e até dão cestas básicas. Já recebi ajuda até de mercadinhos que trazem alimentos quando estou tocando perto deles.”
Apesar do caráter profissional, o saxofonista relata que nesse período já fez algumas apresentações gratuitas. “Muitas vezes há pessoas que não têm condições de pagar o cachê, mas mesmo assim eu vou lá para levar a minha música, sabendo que serão portas abertas ao meu trabalho”.
O repertório, vasto e eclético, inclui clássicos do cancioneiro brasileiro de autores como Luiz Gonzaga, Pixinguinha, Waldir Azevedo,Tom Jobim,além de peças de compositores estrangeiros como Maurice Ravel, Louis Armstrong e Lennon & McCartney.
Joedson se emociona quando percebe o efeito que sua música causa nas pessoas neste momento de pandemia. Foi o caso de um aniversário em que foi contratado para tocar:
“Pedi a todas as pessoas que estavam nas janelas dos apartamentos que cantassem parabéns para aquela senhora e ela, bastante emocionada, me disse que foi a melhor homenagem da sua vida. Em um momento como este que estamos vivendo me tocou muito uma pessoa declarar que a minha música lhe causou um grande momento da sua existência”, reflete.
Seu saxofone toca sem poder adentrar os lares, mantendo sempre a distância necessária, mas o suficiente para que as melodias cheguem às plateias agora confinadas. O músico é consciente dos perigos do contagio e se preserva para não entrar nas estatísticas da infecção.
“Eu tomo todos os cuidados necessários: tenho álcool gel e três máscaras feitas pelas minha mãe e uma outra que eu desenvolvi para poder tocar”, descreveu.
Nestes duríssimos tempos em que são vitais os atos pela sobrevivência humana, Joedson Silva manda uma força acalentadora e poderosa a uma gente que agora vive reclusa a esperar dias melhores: a arte.
E renova os versos de Milton Nascimento e Fernando Brant de que “todo artista deve ir aonde o povo está. Se for assim, assim será!”
Contato: (84) 99116 8603
Instagram:joedsonsilvasax
O Horror da Vida real é o novo EP da banda de horror punk Derrame Verbal. Nesse trabalho a banda, bem mais madura do que no seu primeiro disco, apresenta como tema histórias do cotidiano urbano brasileiro com uma boa pitada de humor.
As músicas da banda falam do horror real, como também nos inspiramos nas histórias reais e macabras contadas por populares. “Achamos que a realidade supera qualquer filme de horror”, conta Arandi Sales, vocalista e compositor da banda.
Ouça o EP clicando AQUI
Pelo menos oito artistas da cidade lançaram músicas no último mês e apostam em um conteúdo educativo e transformador
A cultura hip-hop em Mossoró está em constante crescimento. Alguns artistas novatos somam-se a outros já veteranos na cena e, com isso, são lançadas várias músicas e clipes na cidade.
Ao contrário de uma tendência mainstream e voltada para industrialização que acompanha essa cultura a nível global, os artistas de Mossoró têm apostado nas raízes do movimento.
O hip-hop surgiu na década de 1970 no bairro do Bronx, em Nova Iorque, nos Estados Unidos, local que vivia momento de grande crise social e constantes casos de violência.
O movimento surgiu com o tema “Paz, Amor, União e Diversão” colocando as disputas entre grupos apenas para o campo artístico, reconfigurando o bairro e promovendo rap, grafite, break dance, com festas promovidas pelos DJ´s, os criadores da cena.
Em Mossoró, uma das cidades mais violentas do Brasil, os rappers locais também buscam contrapor as estatísticas sociais e promover a união, levando reflexões às pessoas da periferia de que o crime não compensa.
“Respeito muito os princípios dessa cultura. Procuro mostrar que o crime, a violência e as rixas não são caminhos para nós. Temos que acreditar nos elementos fundacionais do hip-hop. O meu intuito é educar através do rap”, disse Prisma MC, artista selecionado para realizar uma live promovida pelo Sindicato dos Profissionais de Educação (Sinte/RN), com data ainda não definida.
Além dos clipes e músicas, os artistas de Mossoró também participaram do desafios Barras Maning Arretadas, em que foram desafiados a rimarem em um mesmo instrumental, com rimas improvisadas ou pré-produzidas.
O desafio chegou a 10 países e o artista Caboco foi um dos selecionados para apresentar um dos instrumentais. Na batida produzida por ele, foi colocado o tema “Como ajudar alguém?”.
Bebéquera MC
– Em seu primeiro clipe, denominado “Saudade Ficou”, Bebéquera MC faz uma mensagem direta na luta contra a criminalidade, apontando a educação como a solução: “Mais escola pra ensinar pro menor que bala mata e crime não compensa”.
Prisma MC
– Com um histórico de bullying sofrido, Prisma MC aposta em mensagens motivacionais como caminho para que as pessoas sigam acreditando em seus sonhos: “Disseram que tem que ter calma pra se aprender a viver, que o foco te faz ter respeito para assim sonhar e fazer tudo que você quis um dia”, disse na música Objetive 2, que tem parceria com Anderson Gabriel.
Cabocla de Jurema
– Eva Rocha, a Cabocla de Jurema, é uma artista que compõe o grupo Soul Negra e tem produções em vários gêneros musicais dentro da cultura negra, como soul, reggae e projetos de percussão.
Ela fez a estreia no rap com a música “Guerreira de Dandara”, que enfatiza o combate ao racismo e ao machismo: “Canto a voz dos meus irmãos, canto a voz das minhas irmãs. E ainda vejo a escravidão no racismo estruturado. É, nós vai derrubar, é. Não vou aceitar, não vou aturar. Não vou suportar, não vou silenciar. Minha arma é minha luta, luto pela minha vida. Aqui quem fala pra tú é uma preta feminista”.
Caboco
– O rapper Caboco atua como produtor cultural, beatmaker (criador de instrumentais de rap), rapper e dançarino. Na música “O Século do Ego”, ele foca sobre a prioridade dada ao tempo em nossas ações: “O tempo é uma escolha e eu acho que o tempo está correndo”.
Comedor de Camarão
– Comedor de Camarão lançou um EP com quatro músicas chamado de Resistência, em que realiza críticas ao racismo e à política mossoroense. Na música Mossoró 40 graus, ele faz um trocadilho entre a alta temperatura da cidade e a passividade do povo, acostumado a se calar diante das dificuldades: “Mossoró 40 graus, a gente é acostumado ao calor (calou), mas a realidade despertador (desperta a dor).
@vittopoeta e Jongozú
– @vittopoeta e Jongozú lançaram o EP “AfroPotyguar” com sete músicas. Uma delas é a música ‘Maracatu de Camarão’, em que Jongo afirma “Eu serei resistência” e faz referências ao legado da cultura negra, linkando a cidade de Areia Branca, no Rio Grande do Norte à Luanda, capital de Angola.
Enquanto isso, @vittopoeta afirma que a sua música é uma mistura entre a cultura potiguar e o hip-hop, fazendo uma interação única dessa identidade: “Eu vim do mato do Rio Grande do Norte, fazendo maracatu, embolada com hip-hop. Mando a rima rasteira, capoeira na levada. Comprei macaxeira na feira pra vender na estrada”.
O Rio Grande do Norte tem uma dívida de gratidão para com uma de suas mais ilustres filhas, a cantora Ademilde Fonseca. Decorridos cerca de sete anos do seu falecimento, não se registrou nenhuma homenagem significativa à sua memória, nem sequer um nome de rua lhe foi dado. Lamentável omissão.
Ainda bem que o seu nome não ficou totalmente esquecido. Em 2015, a pesquisadora Leide Câmara publicou, pela 8 editora, em parceria com o Selo Cultural Caravela, “Ademilde Fonseca – A potiguar no choro brasileiro”, livro bem documentado, em que aborda aspectos da vida e da obra dessa que é considerada, por muitos, a maior das cantoras que o Rio Grande do Norte já doou ao Brasil.
Ademilde Ferreira Fonseca nasceu na localidade Pirituba, município de Macaíba, a 4 de março de 1921. Ainda criança veio para Natal, onde sua família fixou residência; aqui se casou e daqui se lançou no mundo musical. Uma de suas primeiras apresentações ao público deu-se através da famosa rede de amplificadoras de Luiz Romão, com sede no bairro da Ribeira.
Mudando-se, com a família, para o Rio de Janeiro, então capital da República, Ademilde tornou-se, ao longo das décadas de 40 e 50, uma das mais prestigiosas cantoras brasileiras. É verdade que não chegou a ter a fama de uma Emilinha Borba ou de uma Dalva de Oliveira, tampouco mereceu o prestigio junto à crítica, que desfrutava Elizeth Cardoso, por exemplo.
No entanto, nada ficava a dever a estas, como cantora dotada de extraordinários dotes vocais. Seu repertório, sempre de alta qualidade, contribuiu, sem dúvidas, para o sucesso que obteve. Ademilde quando cantava, deixava-se possuir pela música. Era da estirpe de Carmem Miranda: natural, espontânea, vibrante.
Dona de estilo especialíssimo, foi uma das primeiras senão a primeira intérprete do choro cantado. A seu respeito, Herminio Bello de Carvalho, autoridade em matéria de MPB, afirma:
“Rainha inconteste de um gênero predominantemente instrumental, ela se impôs através dos anos como intérprete, única e inigualável. Afinação irrepreensível, articulação precisa, senso rítmico incomum e timbre inconfundível” (Nota na contracapa do Lp “A Rainha Ademilde e seus Chorões Maravilhosos”).
Note-se que as interpretações de Ademilde eram valorizadas, quase sempre, por excelente acompanhamento orquestral, do qual faziam parte verdadeiros ases do choro.
Dentre os sucessos da Rainha do Choro destacam-se “Tico-tico no Fubá” (Zequinha de Abreu\ Eurico Barreiros), “Apanhei-te Cavaquinho” ( Ernesto Nazareth\ Darci de Oliveira\ Benedito Lacerda), “Brasileirinho” ( Waldir Azevedo\ Pereira da Costa), “Delicado” ( Waldir Azevedo\ Ari Vieira), “Galo Garnizé” ( Miguel Lima\ Antonio Almeida\ Luiz Gonzaga), “Pinicadinho” (Jararaca e Ratinho\ Severino Rangel), “Meu Cariri” (Rosil Cavalcanti\ Dilu Melo).
Embora tenha se notabilizado com chorinhos, polcas e baiões, como estes, também soube afirmar-se em composições nada trepidantes, tipo “Doce Melodia” (Abel Ferreira\ Luiz Antonio), “Sonoroso” (K-Chimbinho\ Del Loro) e outras de viés romântico ou sentimental.
Entre parêntesis, diga-se que o autor da melodia do choro citado por último, K-Chimbinho (pseudônimo de Sebastião Barros) é norte-rio-grandense, natural de Taipu, figura de primeira plana na história do choro, não só compositor, mas também instrumentista.
Referindo-se ao itinerário artístico da Rainha do Choro, Leide Câmara observa, com justeza:
“O fato de ser respeitada como mestra do chorinho, por um lado ajudou, e por outro, prejudicou a carreira da cantora, pois com ‘a decadência’ do choro, ela passou alguns anos no esquecimento” (Dicionário da Música no Rio Grande do Norte, 2001).
Em meado da década de 70, Ademilde voltou à crista da onda com a ressurgência do chorinho. E em plena forma. Recebeu várias homenagens, entre as quais destaque-se o chorinho ‘Títulos de Nobreza’ (João Bosco\ Aldir Blanc), cuja letra, citando os nomes de choros famosos, termina por declinar, como que em apoteose, “Ademilde no Choro”.
A convite do Governador Cortez Pereira, Admilde, já com 53 anos de idade, mas ainda no fio, apresentou-se em Natal, 1975, dentro do evento “Reencontro”, que reuniu vários artistas norte-rio-grandenses, de projeção nacional: cantores, músicos e compositores. Brilhou, como sempre.
Em 1977, lançou o Lp “A Rainha Ademilde e Seus Chorões Maravilhosos”, pela gravadora Copacabana, em parceria com o Museu da Imagem e do Som (RJ). Ótimo disco, esse. Foi o seu canto de cisne. Daí em diante somente apareceu em coletâneas musicais, e fez alguns shows, Brasil afora.
Ademilde faleceu no Rio de Janeiro, a 27 de março de 2012, com 91 anos de idade. Um dia antes apresentara-se num programa televisivo, no Rio, ao lado de sua filha Eymar Fonseca, também cantora.
Transitando entre a MPB, o indie folk, o rock, e seus subgêneros, o cantor e compositor potiguar Mariano Tavares lança “Otobiografia”, seu terceiro álbum, no qual entrelaça sonoridades acústicas (violão e contrabaixo) com guitarras elétricas e bateria/percussão de timbres quase minimalistas, reafirmando sua busca por uma identidade autoral que possa transitar com fluidez entre a contemporaneidade e a tradição.
Com produção e direção assinadas pelo próprio artista, o título e o conceito do álbum remetem à obra do filósofo franco-argelino Jacques Derrida, mais precisamente ao livro “L’oreille de l’autre”. Para Derrida, a assinatura de todo texto, incluindo aquele que se afirma autobiográfico – como geralmente ocorre com as canções –, não se efetiva no momento de escrita, mas somente muito tempo depois, quando o “ouvido do outro” puder estar aguçado, interessado, entusiasmado o suficiente para entender como reais as narrativas daquele que declara e assina o “autos”.
A canção-título do álbum é uma espécie de matriz dessa ideia: uma autobiografia que reclama a experiência, o repertório e o ouvido do outro para tomar forma, para se realizar enquanto “verdade” daquele que performa e assina, na canção, sua história, seus amores, dores, tempestades, lamentos, utopias.
Nascido a partir de uma tempestade pessoal, “Otobiografia” é um disco que fala de renascimentos e enfrentamentos, de afetos livres, da morte como performance e ressignificação da vida, e da necessidade cada vez maior de compreendermos o amor, a empatia, a imaginação e a arte como soluções possíveis para os conflitos do nosso tempo.
Das 10 canções que compõem o álbum, Mariano assina seis delas sozinho (“Otobiografia”, “Cada Um”, “Sweet Reverie”, “Tomorrow”, “Paisagem” e “The Last Part”, escrita em tributo a David Bowie) e quatro outras são parcerias suas com Humberto Luiz (“Sem Celular” e “Mango Fields Forever”), Luiz Gadelha (“Frankenstein”) e Marize Castro (“Nem Rosa Nem Azul”). Dessas, “Cada Um”, cuja repetição de acordes e palavras simulam um mantra pós-concreto, e “Frankenstein”, canção de amor de forte carga irônica, já haviam sido lançadas anteriormente, como singles.
Além do próprio Mariano Tavares ao violão, o álbum contou com a participação dos músicos Ricardo Baya (guitarras, violões), Airton Guimarães (contrabaixo acústico), Humberto Luiz (sintetizador) e Artur Porpino (bateria, percussão). As ilustrações da capa e encarte foram criadas pelo artista Fernando Travis, com projeto gráfico do designer André Souza. “Otobiografia” estará disponível em lojas online e plataformas digitais a partir de 13 março de 2020, além do website de Mariano Tavares.
A artista performer e professora Patrícia CZ vem movimentando a cena artística potiguar brasileira performática, enquanto produção de arte independente em união com outros artistas. E neste novo trabalho, intitulado ‘Salinha 3’, ela mostra a diversidade dos artistas existentes que andam pela arte quebrando qualquer paradigma e apresentando aquilo que existe: que tudo sabe, que tudo vê, que tudo sente, que tudo diz.
Na Salinha 3 diversos sentimentos entram em combustão e se transformam em luz. A luz do colorido, a luz do preto e branco. A luz do invisível. A luz que sabe de tudo, mas não sabe de nada. Uma diversidade até nas sombras onde nos encontramos e nos percebemos enquanto pessoas importantes. Salinha 3 é uma produção que apresenta uma representatividade trans que a produção independente potiguar ainda não conhecia.
Ao contrário do clipe “Me conectar”, que conecta todas as extraterrestres desse mundo, salinha 3, vem para quebrar com o colorido, para inovar com seu teor estético, vem para mostrar essa pluralidade transformada em meio a toda obra visual.
Esta obra de arte foi inspirada no cinema preto e branco de filmes antigos, caminhando junto a estética do expressionismo alemão. Salinha 3 é fruto de uma transformação conceitual. Transformação esta que traz uma abordagem significativa a respeito da performance.
Brasil. Seja um espaço livre e digno de representatividade para as Deusas deste mundo, como as mulheres trans e/ou a comunidade LGBTQIA+ que são importantes e dignas de seu lugar de fala.
Existem Artistas Trans na Cena Cultural Potiguar!
No segundo semestre de 2019, Zé Caxangá e Seu Conjunto lançou o álbum Demons pelo selo Rizomarte Records, desenvolvendo ainda mais uma estética sonora, poética e visual povoada pela good e pela bad vibe da vida cotidiana. Ao assumir essa oscilação de emoções e situações – tão característica do ser humano – Zé Caxangá nos presenteia a cada lançamento com a força de composições que vão se tornando clássicos do cancioneiro potiguar, como “Conchinha Whit You”, “Lambadafoxé” e a excelente “Bloqueou Meu Coração”, esta última lançada no EP de 2018.
Se na sofrência amorosa o compositor – um dos músicos mais atuantes dos últimos 20 anos aqui em Natal – já provou que sabe dar vida a letras intensas, 2020 começa numa vibe mais debochada. A oscilação segue dando o tom, mas agora o clima é reggae/dub entre o ir e vir das ondas. “Coisa Boa” é uma parceria entre Zé Caxangá e o produtor musical paraibano Amaro Mann – vulgo de Léo Marinho – músico experiente que já deixou sua marca em projetos como Cabruêra, Burro Morto e que nos últimos anos vem se dedicando às sonoridades jamaicanas, com destaque para o álbum Mo’Faya Kombo lançado em 2018.
Com o lema “Só quero coisa boa, mas às vezes vem ruim” a música se desenvolve com bom humor, repleta de efeitos e sobreposições que dão clima de sistema de som à faixa.
Segundo Zé Caxangá, a paisagem que lhe veio a cabeça para o single é a de uma praia durante a noite, numa espécie de surf noturno sob a luz do luar. Foi com essa imagem na cabeça que ele chegou até Amaro Mann, concretizando uma parceria que já estava para acontecer a algum tempo devido a admiração mútua entre os artistas.
É nessa praia, onde as águas de Natal e João Pessoa se misturam, que o ouvinte encontra um reggae/dub que acolhe mais uma verdade escancarada nas letras de Caxangá: a gente só quer coisa boa, mas às vezes vem ruim. E no final das contas, fazer o que? Nada melhor que montar o sound system e unir as ondas sonoras, do mar e da vida em uma coisa só. Que venham as coisas boas, porque as ruins a gente da fim!
Vocais: Zé Caxangá
Beat, Sintetizadores, Guitarras e Sequências: Amaro Mann
Gravado e mixado no Sala Verde Estúdios por Amaro Mann
Arte de capa: Gabriela Barbalho
Produção Executiva: Coletivo Records
Selo: Rizomarte Records
____
O sucesso de Potyguara Bardo no eixo Rio-São Paulo continua crescente. Prova disso foi o elogiado show na Casa Natura, prestigiada casa de espetáculos da capital paulista, no último fim de semana, além do anúncio da estrela pop potiguar como escolhida para abrir o show do inglês e um dos grandes nomes da música internacional contemporânea, Mika.
Os shows fazem parte do Queremos, um dos mais importantes festivais do país e acontecem no próximo dia 5 de abril no antológico espaço cultural carioca, o Circo Voador, palco de shows memoráveis da música nacional e de peças de teatro, embora seu lugar de origem tenha sido no Arpoador, no início da década de 80.
Potyguara Bardo é um drag queen cantor, compositor e ator. Seu disco mais recente é “Simulacre”, lançado pela gravadora Dosol e distribuido pela ONErpm.
Assim como muitas drags mais jovens, Potyguara se inspirou em RuPaul’s Drag Race e ali enxergou uma forma de, sem amarras, mostrar sua arte.
“Percebi que era uma plataforma na qual poderia exercer todas as minhas facetas artísticas. Eu me dirigiria e escreveria para mim mesmo e atuaria aquelas falas que eu mesmo escrevi,” completa.
Seu nome artístico vem em parte do livro A Experiência Psicodélica, de Timothy Leary. Nele, o autor se baseia no O Livro Tibetano dos Mortos, usado cerimonialmente em rituais fúnebres do budismo do Tibete há séculos. Ali, a artista se deparou com o termo “bardo”, que são estágios da experiência psicodélica, e percebeu que a descrição daquele primeiro estágio se parecia muito com uma experiência psicodélica que havia tido anteriormente.
“Foi algo incrível e aí eu senti que precisava falar sobre essa morte do ego”. Já o Potyguara está relacionado com o Rio Grande do Norte, local no qual nasceu. O nome vem do grupo indígena brasileiro que desde o século XVI habita trechos do litoral do Nordeste.
A inspiração para a nova música de Filipe Toca bateu no meio de uma festa. A ideia veio e ele logo se trancou no banheiro para gravar as primeiras melodias do que seria seu novo single “Oitava Maravilha”.
Com uma vibe bem alto astral, a música possui elementos da música baiana, além de um violão marcante que impõe a levada da canção. É romântica e cita monumentos mundiais como as pirâmides do Egito e Machu Picchu quando se refere a pessoa amada.
“8ª Maravilha” é o segundo single de Filipe Toca, e conta com a produção da Rapport Produções. A canção foi gravada e produzida por Juliano Valle e está disponível em todas as plataformas digitais. Clique AQUI para conferir.
Composição/Artista: Filipe Toca
Vozes e violão: Filipe Toca
Gravada, produzida, mixada e masterizada por Juliano Valle
Produtor executivo: Andre Maia
Produtora: Rapport Produções
Atuante há mais de uma década na cena musical de Natal, o cantor e compositor Alexandre estreia seu projeto solo com o single e sessão ao vivo “Veraneio”. A faixa está disponível nas plataformas de música digital a partir de 17/01 e antecipa o primeiro disco do artista, “Agosto”, que será lançado no dia 24/01 pelo selo Rizomarte Records.
Veja a sessão ao vivo:
“Eu já sabia que “Veraneio” seria o primeiro single do álbum, abrindo os caminhos para apresentar o universo do disco. Ela é uma música que tem tem uma abordagem pop e romântica, com uma letra baseada em situações e experiências vividas a dois”, explica o artista.
Alexandre começou sua carreira musical em 2006 como vocalista da Banda Desventura, que executava versões do repertório do Los Hermanos, onde ficou até meados de 2015. Presença marcante na noite potiguar, desde então já passou por vários outros trabalhos, dentre eles o Projeto Trinca entre 2009 a 2012, que gravou e lançou o CD “O nosso disco dava um filme” (2011).
Há cerca de oito anos, Alexandre é frontman da Banda Cafonaite, grupo musical que faz versões do cancioneiro romântico brasileiro, fortemente influenciados pelo brega.
Com produção musical de Vik Romero e Zé Caxangá, a faixa foi composta por Alexandre com Gustavo Arruda (Plutão Já foi Planeta), que trouxe um clima oitentista e romântico. Na sessão ao vivo, ele é acompanhado por Vikos nos beats e guitarra e Vitória de Santi no baixo. A música está disponível em todas as plataformas de streaming de música.
Letra: Bruno Alexandre e Gustavo Arruda
Produção Musical: Vik Romero e Zé Caxangá
Selo: Rizomarte Records
Foto: FUGA
Capa Single: Daniel Herrera
Vídeo: FUGA
Selo: Rizomarte Records
Assessoria de Comunicação: Build Up Media
Produção Executiva: Nane Freire
Glória Morena é uma compositora de 57 anos que vive na Zona Norte de Natal. Professora de português e dona de um vasto repertório de composições, só em 2019 que sua voz começou a ser ouvida nos streamings e rádios da cidade. Em Agosto ela lançou a irreverente ”Gato Guloso” e com este som já deu pra sentir que ela veio pra causar, no bom sentido, claro!
Eis que começa 2020 e a cantora nos presenteia com mais um lançamento. Dessa vez o tema é pura estripulia romântica carnavalesca, através de uma marchinha que passeia pelo universo sonoro de antigos e novos carnavais.
O single ”Vou te pegar no Carnaval” contou com a produção musical de dois integrantes da banda Luísa e os Alquimistas. Um deles é Zé Caxangá, umas das lendas vivas da música potiguar e outro, um gaúcho radicado em São Paulo que tem o Nordeste em seu coração, o instrumentista Carlos Tupy. Pra completar essa colaboração musical – calcada na fervição bregosa que emana dos primeiros meses de cada ano – a faixa conta com Aiyra Soares nas percussões e o produtor musical João Felipe na finalização.
Glória Morena é mais uma artista potiguar que faz parte do selo Rizomarte Records, que vem apresentando ao público alternativo nacional um recorte diversificado da música feita no Rio Grande do Norte. A capa do single foi desenvolvida pelo artista visual Filipe Marcus. A partir de hoje a música está disponível em todas as plataformas de streaming.
Letra: Glória Morena
Produção Musical: Zé Caxangá e Carlos Tupy
Percussões: Aiyra Soares
Mixagem e Masterização: João Felipe (Estúdio Hermes)
Capa Single: Filipe Marcus
Selo: Rizomarte Records
A obra musical do norte-americano JJ Cale passou ao largo no Brasil e hoje ainda é aqui desconhecida. A emblemática e crítica “Cocaine”,catapultada, pelo amigo Éric Clapton, foi sucesso mundial, mas ele não.
Seus discos jamais foram lançados em território brasileiro.
Vindo do meio oeste americano, natural de Tulsa, OKlahoma, John Cale se tornou um ícone junto aos pares de sua geração ao mesclar Rock, Country, Blues e Rockabilly num estilo soft ao qual batizou de Tulsa Rock.
Chamou atenção da crítica e do próprio Clapton com o disco “Naturally” (1971) em que apresenta belas canções como “After Midnight”, “Dont go to Strangers”, “Call me the Breeze” e “Crazy Mama”.
De estilo excêntrico e jeitão cool caipira, recusou convites de empresários para gerenciar a carreira e aparições em programas de TV nas quais tivesse que se dublar apoiado em playbacks.
Conduzia a banda em uma velha pick-up, carregando músicos e instrumentos na carroçaria. Ele próprio era o motorista.
Por muitos anos foi subestimado como guitarrista, mas uma audição apurada revela um instrumentista intuitivo e bastante melódico. A voz ficou marcada por interpretações sussurradas em letras que tratavam do universo rural e do amor.
Os últimos anos lhe renderam certo reconhecimento e maior popularidade, graças principalmente ao álbum “Road To Escondido” (2006), em parceria com Éric Clapton.
Cale morreu em 2013, vítima de um infarto fulminante. Emocionados os amigos músicos lhe renderam o belo tributo “Call me the Breeze – An Appreciation of JJ Cale”, disco que traz participações de Mark Knopler, John Mayer, Tom Patty, entre outros conduzidos pelo idealizador Clapton.
Escute o som de Tulsa!
Está lançado o mais novo clipe de rap do coletivo Interligados, provavelmente único grupo de rap do mundo com membros de todos os continentes. O clipe O Poder dos Fracos foi publicado no Youtube e tem como um dos membros um artista norte-riograndense. Trata-se de Carlos Guerra Júnior, o RAPentista Mossoró, que mistura rap com repente em suas músicas. É também produtor cultural, acadêmico e jornalista.
Além do artista mossoroense, essa música O Poder dos Fracos conta com os rappers Inspector Desusado (criador do grupo e também responsável pela edição do clipe), Josedan (brasileiro residente no Chile), Kadypslon (português residente na Inglaterra) e Mano (Finlândia). O produtor da música é o moçambicano Az Pro.
Além desses artistas, o coletivo ainda é composto pelos rappers Ody Shammy (sírio-palestino), Pablo Crimini (Chile), Missing Linking (Zimbabwe), Negro Bey (Guiné Equatorial) e Lawn (Nova Zelândia). O pesquisador Janne Rantala (finlandês residente na África do Sul), o videomaker, DJ e produtor de scratshs DJ Pisto Rey (México) e o agente de produção Pierr Dogg (Moçambique) também são membros desse coletivo intercontinental.
Os artistas fazem rodízio de participação nas músicas, para as canções não ficarem muito extensas e, assim, garantir a participação de todos os componentes no álbum, que está em produção.
O nome Interligados foi escolhido porque os artistas precisam apresentar uma interligação em todos os assuntos abordados nas músicas. Desse modo, a produção das músicas envolve inicialmente um debate sobre temas relevantes para os artistas de todos os países participantes. Para isso, um membro produz texto sobre um tema atual, para ser selecionado ou não pelos demais participantes.
No caso da música O Poder dos Fracos, o texto foi elaborado por Janne Rantala, membro do grupo que atualmente realiza pesquisa de pós-doutorado na África do Sul, sobre a memória política do rap moçambicano.
A partir do tema escolhido, o produtor Az Pro se encarrega de criar instrumentais dentro da proposta, utilizando recortes sonoros (samples) diversos que garantam a sintonia do som com o tema. Logo depois, eles fazem os esboços das letras e criam uma narrativa sequencial, em que os demais membros podem sugerir alterações a cada compositor para se adaptarem a uma narrativa. Em sequência, gravam demonstrativos dos sons, para só depois gravarem em estúdio. No fim, as vozes retornam para Az Pro, que realiza a produção final.
O projeto Interligados foi lançado apenas em 2018 e tem quatro músicas e três clipes lançados, mas os resultados alcançados já são impressionantes. Além da divulgação na mídia em todos os países em que há membros do coletivo, a participação dos acadêmicos Janne Rantala e Mossoró já garantiu a divulgação em seminários internacionais e artigos científicos.
A maior conquista do Interligados foi a música O Poder dos Fracos ter sido classificada como 13ª melhor música do mundo, segundo ranking de agosto e setembro da Rapstation. Esse programa é liderado por Chuck D, do Public Enemy, um dos maiores ícones do rap mundial e tem retransmissão em 237 emissoras pelo mundo. Esse programa já reproduziu três vezes as músicas do Interligados.
“É uma satisfação participar desse coletivo intercontinental. A partir da minha pesquisa em Moçambique, em março de 2018, para a tese de doutorado, passei a ter mais contato com o rap moçambicano, conhecer esse projeto fantástico e ter sido convidado para ser membro. Tem tudo acontecido muito rápido, esse é o primeiro clipe que participo, mas o coletivo já tem um reconhecimento internacional. Depois da veiculação no Rapstation, a nossa música rodou o mundo e passamos a alimentar cada vez mais o sonho de termos o nosso primeiro concerto ao vivo, porque conheço pessoalmente apenas o Janne Rantala”, salientou Mossoró.
A revista Rolling Stone Brasil publicou essa semana o resultado da análise da Associação Paulista dos Críticos de Arte para eleger os 25 melhores álbuns de 2019.
E para surpresa de muitos, e nem tanto para quem acredita no talento da banda e da música potiguar, Luiza e os Alquimistas emplacaram o ‘Jaguatirica Print‘ na lista.
O trabalho de análise é feito assim: ao fim do primeiro semestre é divulgada uma lista com os 25 melhores discos daquela parcela do ano. Depois, mais 25.
Nos próximos dias será divulgado, a partir desses 50 discos, os melhores por categoria: artista do ano, revelação, melhor projeto, melhor show e melhor disco.
Os álbuns foram selecionados por um júri formado por Alexandre Matias (Trabalho Sujo), José Norberto Flesch (Destak), Marcelo Costa (Scream & Tell) e Lucas Brêda (Folha de S. Paulo).
– Ana Frango Elétrico, ‘Little Electric Chicken Heart’
– Bruno Capinan, ‘Real’
– Céu, ‘APKÁ’
– Chico César, ‘O Amor É Um Ato Revolucionário’
– DEF, ‘Sobre os Prédios que Derrubei Tentando Salvar o Dia’ (Parte 2)
– Elza Soares, ‘Planeta Fome’
– Emicida, ‘AmarElo’
– Jonnata Doll e os Garotos Solventes, ‘Alienígena’
– Karina Buhr, ‘Desmanche’
– Lello Bezerra, ‘Desde Até Então’
– Lia de Itamaracá, ‘Ciranda Sem Fim’
– Lucas Santtana, ‘O Céu é Velho Há Muito Tempo’
– Luiza Brina, ‘Tenho Saudade, Mas Já Passou’
– Luiza e os Alquimistas, ‘Jaguatirica Print’
– Lulina, ‘Desfaz de Conta’
– Marcelle, ‘discoNeXa’
– MC Tha, ‘Rito de Passá’
– Nill, ‘Lógos’
– Rael, ‘Capim-Cidreira’
– Saskia, ‘Pq’
– Scalene, ‘Respiro’
– Selvagens à Procura de Lei, ‘Paraíso Portátil’
– Siba, ‘Coruja Muda’
– Teago Oliveira, ‘Boa Sorte’
– Yamandu Costa, ‘Vento Sul’
Lembrando que tiver curiosidade em escutar qualquer um desses 25 discos, completinho, só acessa o link da Rolling Stone Brasil, clicando AQUI.
–
A curadoria convidada pela produção do ‘2º Concurso de Música da Cidade do Natal – Cantando a História’, após audição das 43 canções inscritas, selecionou de acordo com os critérios estabelecidos em seu edital 12 músicas para a final a ser realizada em 30 de novembro de 2019 no Largo do TAM, no bairro da Ribeira.
O diretor musical do concurso será o experiente produtor Toni Gregório que integra importantes trabalhos musicais do RN e já dirigiu os músicos que se apresentaram em três edições do Prêmio Hangar de Música, no Teatro Riachuelo.
A curadoria do concurso foi formada pelo músico e compositor Mirabô Dantas, por Jonas Oliveira, músico e produtor musical e Eliene Albuquerque, professora de artes.
O projeto do concurso de Música da Cidade do Natal visa ainda difundir a música potiguar principalmente aquela não contemplada no dia-a-dia pelos meios de comunicação, promovendo os compositores e intérpretes da cidade proporcionando ao público o contato com um repertório autoral criativo com vistas à sua ampliação.
As 12 músicas classificadas serão apresentadas ao vivo na final da competição, 25 músicos entre compositores, intérpretes e instrumentistas estão envolvidos. O show dos finalistas será realizada em 30 de novembro, a partir das 17h durante o encerramento da Caminhada Histórica do Natal, no palco armado no Largo Dom Bosco na Ribeira. Todo o Acesso é gratuito
Diretor artístico e coordenador técnico do Concurso, o produtor cultural Marcelo Veni explica que o “Cantando a História” é um concurso de música competitiva com objetivo de contribuir na criação de um repertório onde os compositores apresentem canções inspiradas na cidade do Natal, especialmente em seu centro histórico, suas tradições e atrativos turísticos. As apresentações ao vivo, as premiações proporcionadas, a gravação ao vivo e a disponibilização em CDs e plataformas digitais somam na divulgação dos participantes e de suas composições ganhando assim a música potiguar.
Os três ganhadores serão selecionados por uma comissão julgadora formada por cinco convidados e receberão premiação financeira no quesito composição, assim como o melhor intérprete. As premiações, além do troféu criado pelo artista visual Guaraci Gabriel, são: 1º Lugar – R$ 2.500,00; 2º Lugar – R$ 1.500,00; 3º Lugar – R$ 1.000,00; Melhor Intérprete: R$ 2.000,00.
O 2º Concurso de Música da Cidade do Natal – Cantando a História, é um projeto oficial da programação do Natal em Natal, e através do Programa Djalma Maranhão de Incentivo à Cultura da Prefeitura do Natal/Funcarte recebe o patrocínio da Unimed Natal, Arena das Dunas, Pulse e Colégio CEI.
Relação das Músicas Finalistas em Ordem Alfabética
MÚSICAS COMPOSITORES
Inspirada pelo calor de Natal, a banda Uma Sra. Limonada lança seu primeiro álbum intitulado “Na Rua”.
O disco composto por 8 faixas, se propõe a falar sobre os afetos e demonstrações destes afetos, numa tentativa de aquecer quem se propor a ouví-lo.
Sair de casa, socializar, dizer o que se sente, tem sido cada vez mais difícil na sociedade atual. As pessoas têm vivido cautelosas demais, numa tentativa constante de se proteger.
Na rua é um convite à sair e tirar de dentro o que se sente, a se arriscar a ser. Juventude é sinônimo de vida e tem muita vida lá fora pra se viver.
Uma Sra. Limonada convoca todas e todos a amar na rua!
Ouça o disco no nosso canal do youtube:
Felipe Nunes é cantor, compositor, poeta, artista gráfico, historiador e mestrando em antropologia social. Sergipano, radicado em Natal (RN) há mais de 7 anos, integrou a trupe de poetas que organiza o Sarau Insurgências Poéticas que se notabilizou nos últimos anos pelos saraus multi artísticos promovidos no Rio Grande do Norte e Nordeste.
Já há algum tempo é possível acompanhar seu trabalho musical na noite potiguar. Além de suas próprias canções, Felipe dedica-se a dois projetos coletivos: o Agô, que faz releituras de canções da música brasileira influenciadas pela sonoridade afro-brasileira, e a Tríade Rebelde, dedicada a fazer releituras de clássicos da música latino-americana.
Esta sexta-feira foi a data escolhida para o lançamento de Mandinga, uma das músicas que estará presente em seu primeiro registro de estúdio: o EP Entropykos. O trabalho é mais um lançamento do selo potiguar Rizomarte Records e vem sendo produzido ao longo de 2019 pelo produtor musical Pedras (Igapó de Almas e Luísa e os Alquimistas). Sobre o universo temático da canção – disponível em plataformas de streaming a partir desta data – Felipe comenta:
“Mandinga nasce da necessidade de cantar aquilo que alimenta a nossa força para encarar os desafios dessa terra tropical em permanente transe. Mandinga é amuleto, feitiço, proteção. Vem de longe. O antigo reino do Mali, também fora conhecido como reino Mandinga. Lá, alguns guerreiros/as entre travessias e guerras, carregavam apenas seus amuletos para proteção nos combates. Na travessia pelo atlântico, trouxeram consigo seus ensinamentos e amuletos de proteção para resistir a realidade absurda das correntes da escravidão colonial. A afro-diáspora espalhou a sabedoria dos mandigueiros. A capoeira absorveu. Todo bom capoeirista precisa da “Mandinga” para observar com atenção, agir na hora certa, se esquivar para contra-atacar. Saber cair, para rapidamente levantar. A luta está longe de terminar. O jogo só termina quando acaba de jogar. Mandinga. Impulsos sonoros liquidificados. Lembrar nossa força, de onde viemos. Abrindo nossos caminhos, fechando dos inimigos! Saravá!”
O EP Entropykos contará com a música Mandinga e mais quatro canções inéditas, que transitam por diversas influências rítmicas e sonoras numa mistura de psicodelia tropicalista, grooves de funk, ijexás, afoxés, rock n’ roll e música eletrônica.
O EP trará na sonoridade e na escrita uma forte carga de ancestralidade negra e indígena que ancoram e norteiam a formação musical e pessoal do cantor e compositor.
A direção artística conta com Henrique Lopes (Igapó de Almas), também responsável pelos sintetizadores, e Pedras Leão (Igapó de Almas e Luisa e os Alquimistas), que assina a produção musical e contrabaixo. As percussões ficaram sob o comando de Kleber Moreira (Rosa de Pedra e Orquestra Greiosa).
Além disso há participações especiais, entre elas Heather Dea Jennings (Flauta), Tiquinha Rodrigues (Rabeca), Rafael Mello (Guitarra) e Walter Nazário (Guitarra). O lançamento do material completo está previsto para o início de 2020.
A sonoridade plural da banda carioca Valuá faz escala em Natal com Potyguara Bardo no novo single e clipe, “Veneno”. A parceria inédita transforma a canção dançante em um caldeirão de influências que traz o DNA dos dois projetos – o indie e alternativo do grupo se mesclando ao pop embebido em referências regionais da cantora. O lançamento é do selo MangoLab e já está disponível nas principais plataformas de streaming e também no YouTube.
Assista a “Veneno”:
Primeiro single do álbum da Valuá que será lançado em 2020, “Veneno” é um convite a aproveitar a noite de forma intensa, sem limites. A canção traz uma melodia dançante que transmite a atmosfera de celebração, euforia e êxtase proposta pela parceria. A psicodelia alucinógena dá o tom do clipe, que brinca o tempo inteiro com as reações provocadas pelo veneno contemporâneo induzido por diversas drogas.
Cores como roxo, laranja, amarelo e azul formam o plano de fundo do vídeo. Em meio a esse cenário de alucinações conscientes, é possível perceber referências trazidas do premiado longa “Bacurau”, de Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, misturadas a inspirações visuais de artistas como The Weeknd, Tyler The Creator e Harry Styles.
A banda Valuá foi criada em 2011 e atualmente o trio é formado por Rodrigo Reis (vocalista), Carlo Aquino (baixo) e Gabriel Leite (bateria). Seu álbum de estreia, “Reflexo”, expôs o rock psicodélico da banda, que agora apresenta seu novo trabalho ao lado de Potyguara Bardo, artista de Natal (RN) que mostra porque se tornou um dos nomes mais incensados do cenário independente nacional. Seu primeiro álbum, “Simulacre”, mostra sua versatilidade, que reúne influências de house music, reggae e lambada em uma roupagem pop. A drag queen é personagem do também ator e compositor José Aquilino e recentemente chamou atenção com o vídeo ao vivo para sua canção “Oásis”, somando centenas de milhares de exibições em poucos dias na série Estúdio MangoLab.
Foi justamente num evento do coletivo carioca que o encontro entre Valuá e Potyguara aconteceu. Naquele momento, a banda já trabalhava em “Veneno” e buscava um vocal adicional para completar a canção. “A gente já tinha ouvido falar da Poty mas ainda não conhecíamos ela, nem o espetáculo que ela faz. A gente foi no show e ficamos de cara, achamos lindo demais, super verdadeiro e super pra cima. Lá mesmo, decidimos que era com ela que queríamos fazer a participação de ‘Veneno’”, relembra o vocalista da Valuá, Rodrigo Reis.
Esse clima guia o espírito de “Veneno”, que versa sobre uma curtição sem amarras, se jogando no mistério de uma noite em total desprendimento de expectativas, normas ou realidades. A restrição de padrões dá lugar à liberdade, que se manifesta na forma de prazeres, sejam carnais, lisérgicos, intelectuais. Afinal, a peçonha está nos limites ou na libertação?
“‘Veneno’ pode ser o que cada um quiser que seja, cada um se entorpece do jeito que pode. A gente fala de tudo que te faz sair do seu estado natural, qualquer tipo de química que mexe com a pessoa, vindo de fora ou de dentro. Estamos sempre em busca do prazer, da satisfação, da auto descoberta. A insatisfação vem em muitos aspectos, tanto pela rapidez do mundo, vontade de quebrar padrões impostos por outras gerações, esses tipos de venenos ruins. Cada um tem que buscar seu próprio veneno, pra não ficar pra trás. Conversamos com a Potyguara sobre o significado da música, que fala sobre se jogar e adentrar na noite, sobre experimentar o desconhecido, sobre a euforia em se desprender de certas coisas. A letra que ela fez encaixou perfeito nesse contexto, contribuiu de uma maneira muito verdadeira, justamente por ser a vivência dela em relação ao tema”, completa Rodrigo.
Conhece alguém que gosta de Jazz? Conhece alguém que gosta de música orquestral? Ou simplesmente gosta de curtir boa música e de graça? Então, se ligue nessa notícia: a Filarmônica UFRN vai realizar um concerto imperdível juntamente com jazzistas convidados. O improviso e a versatilidade do sax, piano, bateria e contrabaixo do jazz unem-se ao volume da orquestra para promover um espetáculo majestoso de Jazz Sinfônico.
Esse concerto faz parte da programação da Semana da Música da Escola de Música da UFRN e ocorre na noite da terça-feira, dia 19, a partir das 19h. Apesar de gratuito, há distribuição de ingressos, que acontece a partir de hoje (14) na secretaria da EMUFRN.
A Filarmônica contará com a colaboração de Instrumentistas como Anderson Pessoa (sax), Paulo César Vitor (piano),
Cleber Campos (bateria) e Airton Guimarães (contrabaixo).
Arroio é uma composição de Victor Assis Brasil, gravada por Airton Moreira em 1971. O arranjo para orquestra de cordas e quarteto de jazz foi encomendado em 2011 pelo professor Mike Tracy para um concerto com a Orquestra Sinfônica de Loja, Equador. A temática nordestina, característica da composição (um baião), foi explorada na parte das cordas em combinação com a rítmica do quarteto. O arranjo ainda abre espaço para os improvisos do quarteto.
Adeus ao Velho Contador de Histórias, escrita em janeiro e fevereiro de 2010 quando do falecimento do avô do autor, é uma homenagem a um velho mineiro que não se cansava de contar as histórias vividas por ele e por sua família quando viviam na ”roça”, no interior do estado de Minas Gerais, onde nasceu e viveu até a mudança pra Brasília.
Envolventes e excitantes para as os netos, suas histórias envolviam onças, serras, cavalos, disputas de terra, seres mitológicos, e tudo mais que um lavrador atento e criativo poderia contar para crianças da cidade grande. Assim, como nas histórias do velho, ao longo do tempo as melodias da peça, inicialmente apresentadas isoladamente e com limites claros, começam a se entrelaçar e se sobrepor, perdendo os limites óbvios entre uma e outra. Na fala do avô, a clareza nos limiares das histórias não fazia a menor falta, pois a cada vez que se entrelaçavam, suas histórias ficavam ainda mais
interessantes.
A peça tenta trazer para a música um pouco da sensação que o autor tinha ao perceber que uma história tinha se misturado com a outra, mas que, exatamente por causa disso, tinha se tornado ainda mais interessante.
I. Gracieuse
IV.Aria e Animie
A América do século XX exportou o Jazz para o resto do mundo, e a Europa o abraçou de todo coração. Um prodigioso pianista de jazz aos 14 anos, Claude Bolling tornou-se líder de um pequeno grupo que conquistou o primeiro lugar nos sondagens de jazz da Europa por cinco anos consecutivos. Ele gravou pela primeira vez aos 18 anos e continuou sua música underground durante a Segunda Guerra Mundial, pois o Jazz era proibido pelos nazistas. Essa experiência valeu a pena no final da guerra, quando muitos músicos de jazz chegaram a Paris. Ele rapidamente se tornou o pianista mais procurado para realizar concertos e gravação de discos.
Ao longo dos anos, Bolling fez amizade com muitos músicos clássicos que pediram que ele compusesse música para eles. Ele escreveu uma série de composições que justapõem os idiomas barroco e jazz, sendo o Suíte para Orquestra de Câmara e Jazz Piano Trio uma delas.
Na era barroca, uma suíte era uma composição instrumental com movimentos de dança. Nesta Suíte, no entanto, o termo é usado em sua aplicação moderna, significando uma composição instrumental com vários movimentos contrastantes. Há também uma grande flutuação de humor dentro dos movimentos causados pelo diálogo constante entre o jazz e os elementos clássicos que parecem lutar, estimular, imitar e interromper um ao outro. A suíte tem cinco movimentos, mas apenas dois serão interpretados no concerto: ‘Gracieuse’, ‘Aria e Anime’.
Um americano em Paris é uma peça orquestral influenciada pelo jazz. Foi inspirada no tempo que Gershwin passou em Paris e evoca as vistas e a energia da capital francesa na década de 1920.
Naquela década o Walter Damrosch (Regente da Filarmônica de Nova York) pediu a Gershwin que escrevesse um concerto completo após o sucesso de Rapsódia in Blue (1924). Gershwin marcou a peça para os instrumentos padrão da orquestra sinfônica, além de celesta, saxofones e buzinas de automóveis. Ele trouxe quatro buzinas de táxi parisienses para a estreia em Nova York da composição.
As características mais atraentes da obra são suas maravilhosas melodias, tais como a seção central de blues com solo de trompete e sua orquestração brilhante, apresentando aquele quarteto chocante de buzinas de táxi parisienses. “Não é uma
sinfonia de Beethoven, você sabe”, comentou Gershwin, talvez em reação às reservas elitistas sobre a alegria predominante da obra. “Se agrada ao público da sinfonia como uma peça leve e alegre, uma série de impressões expressas musicalmente, ela
consegue”.
Evento: Concerto Filarmônica Jazz Sinfônico
Data: 19/11/2019 (TERÇA-FEIRA)
Local: Escola de Música da UFRN – Auditório Onofre Lopes
Horário: 19 horas
Entrada gratuita. (Ingressos quinta-feira, 14/11, a partir das 8h)
Papo Cultura no Youtube
Papo Cultura no Facebook
Papo Cultura no Instagram
Papo Cultura no Twitter
A banda potiguar Luísa e os Alquimistas está concorrendo ao prêmio da REDBULL MELHORES DO ANO* na categoria melhor música com “Olhos de Tocha”.
A lista está cheia de artistas incríveis e para a banda potiguar seguir na competição é preciso o seu voto!
Ajude Luisa e os Alquimistas a vencer esse prêmio e levar a música potiguar cada vez mais nas playlists desse mundão.
Para votar acesse AQUI e depois basta clicar na imagem da somatória dos votos ao lado do nome da banda e música!
A banda, que recentemente lançou o álbum Jaguatirica Print, foi vencedora da última edição do Prêmio Hangar de Música 2019 nas categorias Banda do Ano, Melhor CD e Melhor Vídeo Clipe com a mesma canção “Olhos de Tocha”.
Samir Almeida foi um dos quatro artistas selecionados para o “Embrião Musical”, projeto contemplado no Fundo de Incentivo à Cultura – FIC, da Prefeitura do Natal e produzido por Franco Mathson da Frika Records e que já lançou o EP “Núvem” de Árie.
O disco Cada Canção, de Samir Almeida, é um trabalho fantástico que caminha da mais pura MPB ao rock oitentista, com guitarras cortantes de Terceira Guerra. O material está disponível nas principais plataformas de streaming.
A relação de Samir com a música começou desde que ele se entende por gente. Ouvindo os discos da mãe, rádio, TV. Quando ganhou seu primeiro violão, aos 17 anos, já queria compor antes de aprender a tocar. Aos 19 anos assumiu as guitarras da banda Os Quatro, liderada pelo também compositor potiguar Esso. Dessa parceria surgiram várias músicas que compõem o repertório de Samir.
Assista ao lyric vídeo de O Poeta:
De voz doce, suave e envolvente, Árie se lança oficialmente no cenário musical com o álbum “Nuvem”, com canções autorais.
A cantora potiguar foi contemplada no projeto cultural “Embrião Musical”, do selo Frika Records, patrocinado pelo FIC – Fundo de Incentivo à Cultura – da Prefeitura do Natal, que busca lançar novos artistas na música potiguar. Toda a produção do disco foi custeada pelo projeto.
O álbum “Nuvem” é composto pelas canções: Samba Triste; Magma; Fenda Temporal; e Na Tua Porta. Produzido por Franco Mathson, Nuvem está disponível nas principais plataformas de streaming (Spotify, YouTube, Deezer, Apple Music, entre outros). Acesse e se permita desfrutar de música boa.
“Espero que minha arte seja ouvida e alcance os corações de quem eu alcançar. Que esse trabalho seja apenas um passo de muitos outros que darei”, conta a jovem cantora e compositora.
De família de músicos, Árie cresceu rodeada pela música. Começou a cantar com 7 anos de idade, e a compor aos 13 anos. Se apresentou pela primeira vez aos 18 anos no Festival Sonora em Natal. Compor foi a forma que ela encontrou para expressar o que sente e o resultado reflete fielmente o que passa por sua cabeça e acelera seu coração.
“Uso minhas composições para aliviar e acolher meus sentimentos e os dos outros. A música é instrumento para não me sentir só”, disse.
Gravado e Mixado no Studio ProSounds – Natal/RN
Engenheiro de Mixagem: Franco Mathson
Masterizado na Frika Records por: Franco Mathson
Composições: Árie
Músicos participantes: Gabriel Barcelos (Bateria), Jeosafá Júnior (Violões), Frank Fonseca (Baixo), Xablair (Teclados), Emanuel Kleber (Guitarras).
Capa: Nathália Duarte e Árie
Não é de hoje somos autocríticos com a falta de identidade cultural potiguar. Repetimos exaustivamente a célebre frase de Cascudo de que o Rio Grande do Norte não consagra nem desconsagra ninguém. Mas o produtor musical Zé Dias, sempre entusiasta dos nossos valores, nos mostra que temos sim, do que se orgulhar. E muito! E não só pela nova cena insurgente, as novidades do novo cenário musical, mas da participação da história potiguar na música brasileira. Zé Dias nos lembra 10 motivos para isso. Vejamos:
O cara que teve a ideia de juntar eletricidade com violão, criando assim o violão elétrico, era um norte-riograndense chamado Henrique Brito, parceiro de Noel Rosa, que passou uma temporada nos Estados Unidos nos anos 1930.
A Bossa Nova teve um precursor potiguar, Hianto de Almeida, com música gravada por João Gilberto em 1952.
Expedito Baracho, um dos intérpretes mais importantes do frevo pernambucano, ao lado de Claudionor Germano, é potiguar de Jucurutu.
Ademilde Fonseca, a Rainha do Choro, foi de fato a primeira cantora moderna do Brasil.
O chorinho, o ritmo mais genuinamente brasileiro, teve no norte-riograndense K-Ximbinho um de seus compositores mais revolucionários.
Um dos nomes mais representativos do coco de embolada nordestino se chama Chico Antônio, nascido em Pedro Velho e revelado ao Brasil no final da década de 1920 por ninguém menos que Mario de Andrade.
Entre as músicas de carnaval mais famosas e mais cantadas em todos os tempos estão algumas de Dozinho, potiguar de Campo Grande.
O responsável pela retomada da carreira de Luiz Gonzaga, eclipsada pela Jovem Guarda e o yê-yê-yê, foi um mossoroense, produtor musical, chamado Oséas Lopes.
Aliás, Severino Ramos, caicoense, é autor de Ovo de Codorna, música que no início da década de 1970 recolocou Luiz Gonzaga nas paradas de sucesso.
Elino Julião, autor de dezenas de obras-primas do forró, é de Timbaúba dos Batistas.
Do editor: Lembraria ainda Aldo Parisot, considerado o violoncelista mais importante nos Estados Unidos, reconhecido no mundo, parceiro de Villa-Lobos e com biografia publicada na Inglaterra.
Já não era sem tempo um trabalho devidamente gravado e mixado em estúdio do grupo Ponta d’Lança Potiguar, na estrada há cinco anos. E a estreia veio em EP com três canções consistentes, intitulado ‘Margem’.
Na imagem de capa a ponte velha de ferro que interliga as zonas Sul e Norte. Uma fronteira imaginária, simbólica entre classes sociais distintas. Khrystal já abordou essa questão na composição ‘Zona Norte Zona Sul’, em parceria com Ricardo Baya.
E essa é a tônica das três canções: ‘Margem’, ‘Qualquer Coisa’ e ‘A Guerra’. O cotidiano periférico de uma Natal escondida para muitos. Mas há também unidade na sonoridade, com influências claras de mangue beat e groove.
Este é o primeiro projeto a sair pela Incubadora SOPRO. Uma aposta certeira em uma banda de som e letras amadurecidas. ‘Margem’ contaainda com mixagem de Yago Marques e masterização do mestre Ticiano D’Amore.
O sexteto Ponta d’Lança Potiguar é formada por Max Oliveira (vocal), Jonathan Mysack (guitarra), Josias Silveira (baixo), Ademar Albuquerque (percussão e backing vocal), Juliana Gomes (percussão e vocal) e Ziel Valentim (bateria).
Aldo Parisot aos 100 anos
Hoje um dos mais famosos potiguares do mundo em toda a história completaria 101 anos. Aldo Parisot morreu em 29 de dezembro do ano passado. Pouco depois de receber merecida homenagem da Escola de Música da UFRN pelos seus 100 anos: um concerto magistral com violoncelistas locais, nacionais e internacionais.
Aldo Simões Parisot morreu “enquanto ouvia Bidu Sayão cantando A Casinha Pequenina e as Bachianas Brasileiras no. 5, de Villa-Lobos”, segundo anunciou o portal oficial do “mais importante professor de violoncelo dos Estados Unidos”.
Parisot levou consigo muito da história e da identidade musical do Rio Grande do Norte. Uma identidade sempre fruto de discussões. Mas o músico e compositor pode explicar uma tradição inédita no Estado potiguar e corroborar a tese de que a música instrumental, e mais especificamente o violoncelo, é a principal tradição musical do Rio Grande do Norte.
Mas essa história começa antes de Aldo Parisot, e fora da geografia norte-rio-grandense. Em 1885 nascia em Faenza, na Itália, Tomazzo Babini ou Thomaz Babini, como ficou conhecido no cenário musical. Na primeira década do século 20, já violoncelista, chegou ao Brasil, primeiramente no Rio de Janeiro. Na então capital brasileira ele foi assistente de Heitor Villa Lobos – posto que logo se inverteu, proposto pelo próprio maestro brasileiro que passou a ser seu assistente.
A temporada de concertos da Sinfônica do Rio de Janeiro era pequena e Thomaz Babini continuou a tocar com seu Trio, visitando Belém, Fortaleza, Recife… Consta que em 1907, chegou a Natal. Segundo seu filho Italo Babini, ele ficou encantando com a cidade e seu clima. Apesar de a cidade não possuir um violoncelista, eram muitos os natalenses que possuíam um considerável conhecimento e gosto pela música clássica, e essas pessoas o convenceram a morar em Natal.
Aldo Parisot e Villa-Lobos
Para criar uma escola de violoncelistas, o professor Severino Bezerra, diretor de um Ginásio, o ajudou muito na sua realocação. Babini criou uma orquestra de câmara e dirigiu a escola de música no então Teatro Carlos Gomes, nomeado Teatro Alberto Maranhão, em 1957.
“Meu pai aos poucos se transformou em uma atração no mundo musical de Natal. Ele era também um bom pianista, e nessas ‘horas de música’, veio a conhecer Luiz Parisot, um engenheiro que se casaria com minha mãe. No casamento de Luiz Parisot com a minha mãe, meu pai tocou um belo programa na Igreja”.
Luiz Parisot faleceu após dez anos de casado. E Babini assumiu o posto sendo um pai exemplar para os filhos do Parisot – Danilo o Aldo Parisot. Thomaz Babini morreu em 1949, em Recife. É considerado hoje um dos músicos de concerto mais conceituados do século passado.
Em Natal, Thomaz ensinou violoncelo ao filho Italo Babini, que repassou o conhecimento ao também natalense Aldo Parisot, então irmão de criação. Ambos continuaram a obra de Thomaz e deram início à tradição de notáveis violoncelistas de Natal reconhecidos no mundo.
Ítalo e Aldo Parisot eram residentes famosos da Ribeira, ali próximo ao hoje Buraco da Catita. Há relatos que recontam a história de Natal, do som advindo do violoncelo da casa dos Babini por quem passasse pelo já movimentado bairro naquela época. Anos depois, Parisot, assim como o padrasto Thomaz, também foi colaborador de Villa-Lobos e dirigiu algumas das maiores orquestras do mundo.
No cenário musical do mundo, Parisot está para Natal como Tom Jobim está para Ipanema. Sua biografia foi publicada recentemente na Inglaterra pela professora Susan Hawkshaw. Ele foi o último colaborador vivo próximo de Villa-Lobos, que lhe dedicou duas peças para violoncelo e orquestra. Durante mais de 60 anos foi professor catedrático da Yale University, nos EUA. Se aposentou três meses antes de morrer.
Até ano passado, Parisot vivia nos Estados Unidos. Babini, aos 91 anos, permanece por lá. E a tradição de violoncelistas natalenses é continuada hoje sob o comando do professor Fábio Presgrave, na Escola de Música das UFRN, com vários de seus alunos premiados internacionalmente.
Vimos portanto um linhagem secular de violoncelistas natalenses. Por outro lado, também temos uma tradição de bandas de música no interior do Estado, incomum em comparação a outros estados. Seria outra tese fundamentada como identificação musical potiguar. Músicos como Tonheca Dantas, Felinto Lúcio, Oswaldo de Souza, Waldemar de Almeida, K-Ximbinho, Waldermar Ernesto são nomes legítimos dessa tradição.
Portanto, a música instrumental, representada depois por nomes mais contemporâneos como Tico da Costa e Manoca Barreto. Ou os de hoje, como os irmãos Taufic, Júnior Primata, Joca Costa, Edu Gomez, Jubileu Filho e Bethoven, Sérgio Groove, e até mesmo a novidade do Júnior Groovador. São talentos que evidenciam a força da música instrumental potiguar ao longo da história, muito acima do zambê, do côco, do forró ou outro gênero musical.
Então, seja no violoncelo com Thomaz Babini e a continuidade com Italo Babini, Aldo Parisot e, hoje, com Fábio Presgrave. Seja pela tradição das bandas de música com nosso Royal Cinema e nomes como o maestro Bembem Dantas, que mantém viva a magia das bandinhas e filarmônicas pelo interior, a música instrumental potiguar é e será por muito tempo a nossa verdadeira identidade musical.
O terceiro álbum de Luísa e os Alquimistas, Jaguatirica Print, é uma coleção de hits prontos. E nisso se assemelha ao primeiro disco, Cobra Coral. Mas desta vez, a aura cigana das canções, entoadas até em outras línguas, se concentra nos batidões da urbe nordestina. É menos cosmopolita e mais raiz. É mais sexy e menos nômade. Mas ambos encontram a sintonia da cantautora Luísa e os beats e grooves de seus alquimistas.
E mesmo com o regionalismo popular dos rincões nordestinos, escancarado e pairando sob a atmosfera brega-funk, há um passeio constante pelas ruas e ruelas da Jamaica – uma marca presentes nos três discos da banda, inclusive no mais vagaroso e eletrônico Vekanandra (2017), o segundo álbum.
“Nesse disco procuramos nos aprofundar na energia sonora dos batidões eletrônicos da música urbana nordestina, conectando isso com um ambiente de experimentação de timbres, arranjos, flows e assuntos que se misturam ao dub, dancehall, reggaeton, rap, zouk, r&b”, disse Luisa.
Ela ressaltou ainda a sonoridade embebida de referências ao passado e na busca de climas por vezes retrô e, até mesmo, brega, dos anos oitenta e noventa, também está presente na parte visual do disco.
Diferente dos dois primeiros discos, Jaguatirica Print foi produzido por vários alquimistas. No começo de 2018, Luísa e o baixista do grupo e produtor musical do disco, Pedras, começaram a pensar o terceiro álbum.
“A partir desse contato foram surgindo alguns beats. Nesse meio tempo me mudei de Natal para São Paulo, ampliei a formação da banda – que passou a ter novos três alquimistas no Sudeste – e paralelo a isso fomos aprovados no edital da Natura”, lembra Luísa.
A partir deste momento, a produção musical passou a ser compartilhada entre dois integrantes da formação de Natal, Pedras e Gabriel Souto, e Luísa assumiu a direção artística de todo o material do álbum e grande parte das composições.
Os alquimistas de Natal, que deram início ao grupo com Luísa são Gabriel Souto, Pedras e Zé Caxangá. Em Sampa, os novos alquimistas: Pedro Regada, Carlos Tupy e Tal Pessoa.
“No final de 2018, fizemos uma primeira imersão de gravação, onde a formação de Natal passou uma semana numa residência artística na Praia de Cotovelo (RN). Desse processo já resultaram novas músicas que foram trabalhadas posteriormente”, conta.
Ao longo do primeiro semestre de 2019, Luísa seguiu compondo as letras até que todo o grupo se reuniu durante um mês em uma casa/estúdio no bairro da Lapa, em São Paulo. “Os produtores do álbum vieram pra cá e junto com a formação daqui as gravações rolaram de maneira bem natural”, conta Luisa.
O disco conta com participações de várias cantoras, compositoras e parceiras de Luísa: a MC e repentista, Jessica Caitano, natural da cidade de Triunfo (PE); Catarina Dee Jah, que vive em Olinda (PE); Doralyce, pernambucana radicada no Rio de Janeiro; Sinta A Liga Crew e Jamila, da cena de João Pessoa (PB); e Luê, que vive em São Paulo, mas vem de Belém (PA). Além de Izy Mistura, cantor que veio do Togo, mas vive no Brasil.
“Essa presença feminina das convidadas veio do desejo de enfatizar a narrativa da mulher nesses batidões eletrônicos, que ainda são predominantemente ocupados por temas que partem do lugar de fala, não só masculino, mas também machista e objetificador”.
De fato, as letras do álbum tocam em várias questões, onde até mesmo as músicas de amor tem uma poética que passa mensagens de empoderamento e foge do romantismo sofrência convencional.
“Memórias da infância perto da praia, paisagens sonoras nostálgicas, o cotidiano opressor da cidade grande, músicas pra fazer o passinho dxs malocas, feminismo, saudade, partida, solidão, amizade, sororidade, redes sociais… tudo isso pode ser encontrado nesse álbum”, resume a artista.
A identidade visual também leva a assinatura de Luísa e traz o artista paraibano Thiago Trapo, responsável pela capa de “Vekanandra”. E ainda a equipe da Mole Enterprise na produção da capa e de alguns vídeos.
A capa do álbum, incorpora de modo crítico referências de antigas coletâneas de música. “Quando surgiu o nome ‘Jaguatirica Print’, a foto de uma bunda com um short de animal print veio na na minha cabeça na mesma hora. Comecei a pesquisar várias referências e vi capas de coletâneas de música caribeña, disco e boogie, que faziam o uso desse recorte do corpo feminino, mas de uma maneira sexista, machista e objetificadora”, aponta Luísa.
A partir daí, a artista também se deixou influenciar por inspirações femininas, como o disco Índia, de Gal Costa, e decidiu fotografar sua própria bunda:
“Por que não? Pensei… Nós mulheres nos privamos de muitas coisas por medo do que os outros vão pensar ou dizer, por medo de sermos assediadas, estupradas, violadas. O short que uso na capa do álbum é lindo, mas eu não ousaria usá-lo nas ruas de São Paulo sozinha, entende? É muito triste essa constatação. Concebi essa capa na vontade de subverter essa lógica opressora em que nós mulheres vivemos”.
A tipografia, referências de fontes e logomarcas foram construídas a partir da pesquisa no universo do vapor wave na estética tropical nordestina.
O disco abre com Descoladinha, um feat com Jéssica Caitano, feito durante imersão da Red Bull Music Pulso 2018. Com elementos do brega funk e do dancehall, ela fala das descoladinhas do Nordeste. “São aquelas que se vestem de um jeito diferente, com personalidade e criatividade. Frequentadoras de ‘rolés alternativos’ , eu e Jéssica somos descoladinhas desde pequenas”, brinca Luísa.
Com um beat envolvente e sensual, Tous Les Jours é uma parceria com Izy Mistura. O encontro dos artistas também se deu durante a residência da Red Bull e Teago Oliveira (Maglore) e Gabriel Souto, que também participavam da residência, também assinam a faixa. Com letra em português, francês, espanhol e inglês, a canção inspira até mesmo os mais desavisados com uma pegada afro pop gostosa pra sair dançando.
Cadernin é “uma sexy lovesong que fala de saudade”, define a artista. Com inspiração no movimento Batidão Romântico da Paraíba, a música traz elementos do hip hop, pop e R&B dos anos 2000.
Essa quarta faixa é um feat com Doralyce, autora da música, e trata-se de um tecnobrega dançante com timbres de surf music.
A potente Jaguatirica Print é mistura de brega funk, reggaeton e música eletrônica, orquestrado por seis mulheres poderosas: além de Luísa, Camila Rocha, Kalyne Lima e Preta Langy, o trio da Sinta A Liga Crew, e também Jessica Caitano e Jamila. A música é no estilo cypher e “fala de amor entre mulheres, resistência feminista, respeito pelos nossos corpos, tudo de maneira direta, lírica afiada e uma variedade de flows muito rica”, conta Luísa.
Depois vem Olhos de Tocha, um brega funk bem dançante pra decorar o passinho. Música que em breve vai ganhar videoclipe com a participação do dançarino Yrlan Souza, popularmente conhecido pela sua coreografia ”Teile e Zaga” (assista ao teaser aqui).
Em Garota Ligeira, parceria com Luê, Luísa foi buscar memórias de sua infância na praia. Com refrão em francês, ela conta que “a sonoridade foi concebida como uma paisagem sonora tropical que passeia pela música caribeña e também faz referências a timbres dos carnavais fora de época do Nordeste nos anos 90”.
Já Furtacor, primeiro single lançado do álbum, “aborda um romantismo sem clichês, livre, leve e solto. Traduz a liberdade de viver o amor nas suas diversas formas”, conta. Bregão, com toques de arrocha, é canção pra dançar de rosto colado.
A última música do disco com participação especial é Sol em Câncer, que traz Catarina Dee Jah e mistura xote, dub e música eletrônica experimental na construção do beat. Juntas elas cantam sobre o movimento de êxodo do Nordeste ao Sudeste e a vida de luta e trabalho das mulheres nordestinas nas grandes metrópoles brasileiras.
Um dub envolvente que também mergulha no tema das dificuldades e desafios de viver em São Paulo.
Fechando o álbum, o dub digital LikeAttack, faz uma crítica irônica ao mundo superficial do Instagram, no qual as pessoas vivem em função de conseguir cada vez mais seguidores, aumentar o engajamento, entre outros objetivos que se renovam a cada dia.
Luísa e os Alquimistas: Luísa Nascim, Gabriel Souto, Pedras, Zé Caxangá, Pedro Regada, Carlos Tupy e Tal Pessoa
Direção Artística e Musical: Luísa Nascim
Produção Musical e Mixagem: Gabriel Souto e Pedras
Participações: Catarina Dee Jah, Doralyce, Izy Mistura, Jamila, Jéssica Caitano, Luê e Sinta a Liga Crew
Músicos convidados: Léo Fasio (Descoladinha) e Rafael Melo (Furtacor)
Masterização: Luiz Café
Estúdios de Gravação: Red Bull Station, Cigarra e Suame
Técnicos de Gravação Red Bull Station: Alejandra Luciani, Funai Costa e Éric Yoshino
Selo: Rizomarte Records
Distribuição Digital: ONErpm
Direção de Arte: Thiago Trapo e Mole Enterprise
Identidade Visual e Material Gráfico: Thiago Trapo
Fotografias Encarte: Rudá Melo
Styling: Mole Enterprise
Confecção de Figurino: Ruth Wünsch
Fotos de Divulgação: Luana Tayze
Assessoria de Comunicação: Café 8
Gestão do Projeto: Erva Doce Produções
Assistência de Produção: BaseB Cultura Entretenimento e Rizomarte
Patrocínio: Natura Musical
Gravado entre abril de 2018 e junho de 2019
Fotografia: Rudá Melo
Direção de Arte: Mole Enterprise e Thiago Trapo
Identidade Visual e Material Gráfico: Thiago Trapo
Styling: Mole Enterprise
Confecção de Figurino: Ruth Wunsch
E-mail: Sergiovilarjor@gmail.com
Celular / Zap: (84) 9 9929.6595 Fale Conosco Assessoria Papo Cultura
